jueves, 31 de diciembre de 2009

Lo que el viento se llevó: A 70 años de la cinta más exitosa de todos los tiempos.


Película: Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind, EUA, 1939)

Directores: Victor Fleming, George Cukor y Sam Wood.
Actores: Vivien Leigh, Clark Gable, Olivia de Havilland, Hattie McDaniel, Leslie Howard, Thomas Mitchell.

Crítica: Hace 70 años Estados Unidos vivió el estreno de una gran cinta, que para muchos de los vecinos del norte la consideran parte de su idiosincrasia y la forma de hacer cine, es conveniente recordar a esta obra maestra y verla para conocerla aunque también es bueno dejar en claro que no es para nada la mejor película en la historia de Hollywood, de las mejores pero no la mejor o la sexta según el American Film Institute, debido a su falta de autoria en la dirección.
Lo que el viento se llevó narra una historia de amor, obsesiones, traición, ambición y mucho más en el contexto de la guerra de secesión estadounidense con los míticos personajes de la ambiciosa Scarlett O´Hara (Vivien Leigh), el altanero y galante Rhett Butler, la optimista y buena Melanie Hamilton (Olivia de Havilland), la gran consejera Mammy (Hattie McDaniel) y el amor prohibido de Scarlett, aquel hombre que me pregunto ¿Qué le vio Scarlett a él y no a Rhett?: Ashley Wilkes (Leslie Howard); quienes ven cambiar su vida por la guerra.
La cinta es interesante y la duración de casi 4 horas no se siente pues es una historia entretenida que muestra muy bien diversos factores de la vida que se puede contar en cualquier época, aunque claro, el contexto se debe a que es la adaptación del best seller de Margareth Mitchell, adaptación muy buena y llena de grandes frases (“Francamente querida, me importa un bledo”, “Juro a Dios que nunca volveré a pasar hambre”, etc), con unos personajes bien marcados que no llegan al cliché. El principal problema de la cinta radica es que no es una cinta en la que el director dé su estilo y en lugar de eso lo haga el productor David O. Selznick, quien es el real responsable de la cinta, la prueba es el hecho que fue dirigida por más de 3 personas, entre las que más destacan George Cuckor, Sam Wood y Victor Fleming quienes dirigieron aproximadamente el 70% del filme (Fleming solo filmó 45% de la película porque Gable se mostraba incomodo con Cuckor, así que Selznick cambió de director por Fleming, decisión que no gustó nada a Leigh. El único director acreditado fue el que terminó la cinta: Fleming).




Todo el cast hizo una actuación formidable: Vivien Leigh quien sorprendió por su actuación, que había sido producto de polémica por ser inglesa y ser seleccionada de un casting en el que las mejores actrices de Hollywood hicieron presencia, creó un personaje con una muy interesante y convincente evolución; Clark Gable en un personaje que le quedó como anillo al dedo, un personaje que queda a la memoria cinéfila; Olivia de Havilland, Hattie McDaniel, Leslie Howard, Thomas Mitchell crean también una brillante actuación y ninguno del cast logró sobresalir más que otro.
La música de Max Steiner es impresionante, una música que es muy conocida y que es extraño que no haya ganado el Oscar (Bueno, ni tanto, la Academia está acostumbrada a otorgar injustos premios), crea una gran atmosfera al filme aumentando más el clasicismo mostrado en la cinta.
La fotografía de Ernest Haller y Ray Rennahan es muy muy bella, utilizando de impresionante manera el joven Technicolor, quien, a traves de los colores y los close-ups crea un trabajo impresionante.
El technicolor fue el causante de que la dirección de arte fuera cuidada minuciosamente y así lograr un equilibrio del color con la historia y la fotografía, esto se debe a la impecable dirección artística de Lyle R. Wheeler y al diseño de producción de William Cameron Menzies, otro gran aplauso para la cinta.




Un clásico que deben ver todo el mundo, pero que no llega a la perfección por ser una película de productor y no de director. Aunque Selznick nos diría que francamente le importa un bledo, ya que logró cosechar la cinta más exitosa y taquillera de todos los tiempos (si ajustamos la inflación de 1939 a la actual la cinta hubiera ganado $3,785,107,801 dólares, superando a Titanic que tiene $1,835,300,000 dólares (de hecho ajustando la inflación de todas las cintas el segundo lugar lo ocuparia Star Wars).

Calificación:


miércoles, 30 de diciembre de 2009

Actividad Paranormal: No apta para cardiacos.


Película: Actividad Paranormal (Paranormal Activity, EUA, 2007)

Director: Oren Peli
Actores: Katie Featherston, Micah Sloat, Mark Fredrichs, Amber Armstrong, Ashley Palmer.

Crítica: En estas épocas donde el cine de terror es muy malo y de las cuales muy pocas son rescatables (y la gran mayoría de las mejores no son hollywoodenses), pensaba que esta cinta sería una copia de El Proyecto de la Bruja del Blair, pero me equivoque porque es una muy buena película que supera a la anterior y logra mantener en suspenso a la gente a lo largo de la hora y veinte minutos de duración de la cinta.
Actividad Paranormal nos muestra la historia de Katie (Katie Featherston) y Micah (Micah Sloat), un matrimonio que piensa que un fantasma persigue a la mujer y que esta provocando que se muevan cosas en su casa; ante esto, deciden comprar una cámara HD (esto para que tuviera buena calidad en la proyección de la película) y captar esas actividades paranormales en su casa mientras están dormidos. Mientras más se graba, más van siendo los actos fantasmales y cada vez peores.




Oren Peli logró hacer lo que muchos directores no logran en su opera prima: crear una interesante historia y que esta fuera un gran éxito en taquilla, ya que con un muy modesto presupuesto (15,000 dólares) ha logrado ser un gran éxito en taquilla (107 millones ha recaudado en Estados Unidos y apenas se esta distribuyendo en todo el mundo), convirtiéndola en una de las películas más rentables de la historia. Con un guión de él mismo, Peli crea una historia creíble y maneja muy bien el suspenso, provocando la atracción hacia el público a lo largo de toda la cinta.
Las actuaciones son buenas y se nota una buena improvisación por parte de los actores, de los cuales Katie y Micah se llevan un aplauso por lograr llevar la mayoria de la cinta solo ellos dos la carga emocional de la cinta.
En cuanto a música y fotografía no puedo decir mucho ya que no hay música y la fotografía la maneja Micah Sloat como cualquier persona pero eso es para crear un ambiente más realista bien logrado.
En conclusión no es una película que rompa géneros pues es del mismo tipo que La Bruja del Blair o [REC], pero quizá sea la mejor de ese estilo. Deben verla para darse un buen rato de estrés, si no me creen pregúntenle a Spielberg (le jugaron una broma al momento de verla para decidir si la distribuiría y acabo odiándola por la broma que le causó un buen susto, o al menos, eso cuenta la leyenda).

Calificación:


martes, 22 de diciembre de 2009

Premios 2009: Nominaciones a los Globos de Oro



Los Globos de Oro son los premios más importantes de cine junto con los oscares, estos se consideran la antesala de los segundos. En este año en que hubo mucha competencia hay una gran variedad de buenas películas, he aqui el listado:
Mejor Película Drama
Avatar
The Hurt Locker
Bastardos Sin Gloria
Precious: Based on the Novel Push by Sapphire
Mejor Director
James Cameron por Avatar
Kathryn Bigelow por The Hurt Locker
Clint Eastwood por Invictus
Jason Reitman por Amor sin escalas
Mejor Actor Drama
Jeff Bridges por Crazy Heart
George Clooney por Amor sin escalas
Colin Firth por Un Hombre Serio
Morgan Freeman por Invictus
Tobey Maguire por Brothers
Mejor Actriz Drama
Emily Blunt por The Young Victoria
Sandra Bullock por The Blind Side
Helen Mirren por The Last Station
Carey Mulligan An Education
Gabourey Sibide por Precious: Based on the novel Push by Sapphire
Mejor Película Comedia o musical
500 días sin ella
Qué pasó ayer
It's Complicated
Julie & Julia
Nine
Mejor Actriz de Comedia o Musical
Sandra bullock por La propuesta
Marion Cotillard por Nine
Julia Roberts por Duplicidad
Meryl Streep por It's Complicated
Meryl Streep por Julie & Julia
Mejor Actor Comedio o Musical
Matt Damon por El Desinformante
Daniel Day-Lewis por Nine
Robert Downey Jr por Sherlock Holmes
Joseph Gordon Levitt por 500 días sin ella
Michael Stulbarg por Un Hombre Serio
Mejor Actriz de Reparto
Penélope Cruz por Nine
Vera Farming por Amor sin escalas
Anna Kendrik por Amor sin escalas
Mo'nique por Precious: Based on the Novel Push by Sapphire
Julianne Moore por Un hombre serio
Mejor Actor de Reparto
Matt Damon por Invictus
Woddy Harrelson por The Messenger
Christoph Waltz por Bastardos sin Gloria
Christopher Plummer por The Last Station
Stanley Tucci por Desde mi cielo
Mejor Película Animada
Lluvia de Hamburguesas
Coraline y la puerta secreta
El fantástico Sr. Zorro
La princesa y el sapo
Mejor Película Extranjera
Baaria (Italia)
Los Abrazos rotos (España)
La nana (Chile)
A prophet (Francia)
The White Ribbon (Alemania)
Mejor Guión
Neil Blomkamp por Sector 9
Mark Boal por The Hurt Locker
Nancy Meyers por It's Complicated
Jason Reitman por Amor sin escalas
Quentin Tarantino Bastardos sin gloria
Mejor Banda Sonora
Michael Giacchino por Up: Una aventura de altura
Marvin Hamlisch por El desinformante
James Horner Avatar
Aber Korzeniowsky Un Hombre Serio
Karen Carter Donde viven los Monstruos
Mejor Canción Original
Cinema Italiano (Mauryn Yeston, Nine)
I Want to come home (Paul McCarthney, Everyboody's fine)
I will see you (James Horner y Simon Franglen, Avatar)
The Weary Kind (Ryan Bingham, T Bone Burnett, Crazy Heart)
Winter (U2, Brothers)

Los ganadores se darán a conocer el 17 de enero del 2010.

lunes, 21 de diciembre de 2009

Bastardos sin Gloria: Tarantino no lo logra.


Película: Bastardos sin Gloria (En inglés Inglorious Basterds, en España Malditos Bastardos, EUA-Alemania, 2009)
Director: Quentin Tarantino
Actores: Brad Pitt, Christoph Waltz, Mélanie Laurent, Eli Roth, Til Schweiger, Daniel Brühl, Diane Kruger.

Crítica: Quentin Tarantino regresa y deja de lado el presente para mostrarnos su visión del pasado, una visión que aunque cuente con todos los elementos tarantinescos no sale muy bien librada como se podía esperar de Tarantino.

Érase una vez en la Francia ocupada por los Nazis, en la cual el Teniente Aldo Raine (Brad Pitt), un soldado judío-americano; el cual reúne a un grupo de sanguinarios militares llamados “Los Bastardos” para matar de la forma más despiadada a los hombres que odian a los judíos, a los Nazis. La historia esta contada en 4 capítulos en los cuales se mostrarán a los Bastardos más importantes así como los personajes que intervendrán en la cacería nazi: la actriz alemana Bridget von Hammersmark (Diane Kruger), quien planea un complot contra sus compatriotas; Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent), dueña de un cine, la cual busca venganza por la muerte de sus padres a través del malévolo coronel de la SS Hans Landa (Christoph Waltz), quien es el principal enemigo de los Bastardos después de Hitler (Martin Wuttke) , claro.

Quentin Tarantino, uno de los directores más polémicos del cine logra con Bastardos sin Gloria, su peor trabajo hasta ahora, lamentándolo decir; ya que aunque la cinta contiene algunos momentos magistrales (como el primer capítulo y el final en el cine) y le hace un gran homenaje al cine de principios del siglo XX y que el estilo visual se asemeja mucho al de las cintas bélicas antiguas y a los spaghetti western de Sergio Leone (de lo que hablaremos en la música y la fotografía), también contiene unos momentos innecesarios (como la larguísima y enfadosa plática en el bar) y que tienen al enfado total; ya que un aspecto importante en el estilo de Tarantino son los diálogos largos que llegan a durar de 5 a 10 minutos, pero la mayoría de las veces, esos diálogos son increíbles, mágicos, llenos de intensidad; pero en esta cinta no logra imprimirle la magia a esas conversaciones llegando a hacer muy plana la cinta, salvo las escenas violentas. Probablemente hubiese estado mucho mejor con una duración de dos horas que de 2 horas y media.



Las actuaciones no están nada equilibradas, pues Brad Pitt no le imprimió lo que pudo darle al personaje, quien se opaca y parece un personaje secundario al lado de las magnificas actuaciones de Christoph Waltz y Mélanie Laurent quienes le dan toda la carga emocional al filme, uno creando un imponente villano sin escrúpulos (totalmente justa su palma de Oro como Mejor Actor, esperen su Oscar a mejor actor secundario), y Laurent, quien aunque tenga un parentesco a La Novia de Kill Bill hace una gran actuación. Las demás actuaciones no son nada especial.



La selección musical, junto con las actuaciones de Waltz y Laurent, es lo mejor de la cinta, pues también logra darle vitalidad al filme, con temas de películas western o de mediados del siglo XX con compositores como Ennio Morricone, Dimitri Tiomkin y Charles Bernstein.

La dirección de fotografía de Robert Richardson también es muy buena, logra imitar a la gran fotografía de los filmes de Sergio Leone, fotografía que le encanta a Tarantino.

En los demás aspectos técnicos no esta mal, pues ahora, aunque suene extraño, el principal problema de la cinta es el guión de Tarantino, una cinta muy buena pero que no es la calidad que nos tiene acostumbrados el director de obras maestras como Tiempos Violentos, Perros de Reserva y la saga de Kill Bill. Queremos al Tarantino de esas cintas.

Calificación:



Encuestas: El Cine Mudo es muy bueno.


Hace unas cuantas semanas se puso la tercer encuesta del blog, en la cual pregunte a los lectores ¿Que opinaban del Cine Mudo? poniendo como opciones: Es Muy Bueno, Es Malo, Es Aburrido y No he visto cintas mudas. El 18 terminó la encuesta teniendo con 10 votos, de los cuales, un 80% votó que era muy bueno el cine mudo, 10% dijo que era aburrido, y el otro 10% que no habían visto cintas mudas.
Por lo tanto para los lectores el cine mudo es muy bueno, y yo opino lo mismo, ya que, además que el cine mudo fue con lo que empezó todo tiene grandes historias y una mayor carga emotiva al momento de actuar y dirigir. Respondiendo a quien contestó que era aburrido, probablemente si no esta acostumbrado a ver películas mudas las primeras veces se le harán muy pesadas pero con el tiempo se darán cuenta que es una gran etapa en el cine. A quien contestó que no había visto películas mudas se las recomiendo ampliamente.




Terminando las fiestas pondre una nueva encuesta, esperenla.

domingo, 20 de diciembre de 2009

Asesinos por Naturaleza: Matando por amor.


Película: Asesinos por Naturaleza (En inglés Natural Born Killers, en España Asesinos Natos; EUA, 1994)
Director: Oliver Stone
Actores: Woody Harrelson, Juliette Lewis, Robert Downey Jr., Tom Sizemore, Tommy Lee Jones.


Crítica: Brillante, impactante, una excelente historia de amor, lo mejor de Oliver Stone, una gran cinta.
La cinta narra las aventuras de Mickey (Woody Harrelson) y Mallory (Juliette Lewis): dos personas con un mal pasado, alejadas y hartas de la sociedad, que manifiestan su inconformidad asesinando a personas. Los medios de comunicación, por medio del reportero Wayne Gale (Robert Downey Jr.) se harán cargo de crear una leyenda a estos dos seres que se hacen llamar Asesinos por Naturaleza.´

Oliver Stone crea una cinta donde se muestra como nunca su crítica al sistema comercial y de comunicaciones, uniendo su estilo con el de Quentin Tarantino, quien realizó el argumento en que se basaron Stone, David Veloz y Richard Rutowski para realizar el guión. La gran conjunción entre la visión realista y crítica de Stone, quien en esta cinta tiene un estilo más cercano a su etapa como guionista (Expreso de Medianoche y Scarface, de las cuales se hace una curiosa referencia en la cinta); con la violencia, los diálogos característicos y la representación de la sociedad estadounidense de Tarantino crearon un resultado fascinante: una historia cínica y sorprendente, contada en forma no lineal, con subtramas mostradas en distintos formatos (como series de televisión, documentales y por su puesto, videoclips y por su puesto, el formato cinematográfico) con una tremenda psicodelia que no se aleja de la realidad y que nos muestra un mensaje claro de la influencia de los medios de comunicación en la sociedad, que exalta más a los criminales que a las acciones buenas.




Las actuaciones son brillantes, sumamente convincentes y unos personajes muy bien formados: Woody Harrelson y Juliette Lewis nos brindan una gran interpretación, creando a la pareja más sádica del séptimo arte, una pareja sorprendente que para lograr vencer sus demonios liberan las almas de los demás (matándolos pues); Robert Downey Jr. en un gran personaje que representa totalmente a la televisión, un objeto que busca el éxito por medio del morbo; Tommy Lee Jones se roba cada cuadro en el que sale, probablemente su mejor actuación.

La música original de Brent Lewis me gustó mucho, con un gran estilo psicodélico me recordó a Carmine Coppola en Apocalypse Now; la música adicional es una selección brillante que complementa perfectamente bien las situaciones en la cinta, en algunas ocasiones con música que nos remite al área sur de los Estados Unidos, y la música clásica para los momentos híper violentos crea una gran emoción a las escenas.



La dirección de fotografía de Robert Richardson es también muy buena, con una gran variedad de estilos de filmación realiza una fotografía convincente para la historia y que sin el estilo no hubiese sido lo mismo la cinta.

Otro gran aspecto a destacar es la impactante edición quien también aporta un gran resultado para lo psicodélico que se buscaba mostrar en la cinta.

Una gran cinta, con escenas increíbles (como el impactante final), que dejará impresionado al espectador.


Calificación:



viernes, 18 de diciembre de 2009

Avatar: James Cameron, welcome back!


Película: AVATAR (EUA-Reino Unido, 2009)
Director: James Cameron
Actores: Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Michelle Rodriguez, CCH Pounder.

Crítica: Al inicio de esta película, seguía con la duda si James Cameron cumpliría lo que había dicho durante muchos años sobre esta película, y si su regreso sería honroso después de sus 12 años desde Titanic (aunque estuvo un tiempo realizando documentales), y déjenme decirles que James Cameron cumplió y confirma que la espera valió la pena.

La historia de Avatar se sitúa en un futuro lejano narra las vivencias de Jake Sully, un marine inválido que es seleccionado para sustituir a su difunto hermano a cumplir una misión en Pandora; una luna de un planeta llamado Polythemis; Jake tendrá que infiltrarse en los nativos de Pandora llamados Na´vi y convencerlos de mudarse a otro lugar, pues la región donde viven esta llena de una roca que vale millones de dólares. Para lograr convencerlos Jake tendrá que convertirse en un Na´vi por medio de un avatar, un ser con ADN tanto humano como Na´vi, y que los seres humanos pueden controlarlo con la mente por medio de alta tecnología. Estando en Pandora Jake sufrirá el dilema de apoyar a esta raza inocente o a su raza infestada de avaricia.





Quizá la historia no resulte del todo novedosa, pero James Cameron, quien además de dirigirla y producirla (junto con Jon Landau) es el guionista logra que nos la creamos y no solo eso, sino nos adentra con la gran tecnología a la historia. Para mucho bien, Cameron se aleja del estilo de Titanic (película sumamente sobrevalorada), tomando lo bueno de ella y uniéndolo con el dilema de la tecnología (hablando de la historia) y lo visual de cintas como Aliens o Terminator. Cameron logró un equilibrio perfecto entre imagen, sonido e historia, de lo cual directores como Roland Emmerich o George Lucas no han logrado totalmente. La cinta tiene un gran mensaje ecológico y ético sin remarcarlo ni alejando a la historia. Lo único que pudo haber hecho Cameron para lograr un resultado perfecto era la caracterización total de los personajes, que no logró transmitirnos todos los sentimientos de los actores más que de cuatro personajes, que aunque son los principales, para lograr una perfecta película es necesario que se muestre a los personajes que rodean al protagonista totalmente y que superproducciones como El Señor de los Anillos o Batman: El Caballero de la Noche sí lograron mostrar; he ahí el pequeño detalle en esta gran obra.

Las actuaciones principales son buenas, pero muchos personajes; como dije antes, al no ser del todo tratados en el guión, no logran dar lo que pudieron dar. Aunque lo que es cierto es que Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver y Stephen Lang nos brindan una gran actuación: Worthington nos confirma que esta en vías de convertirse en uno de los más importantes actores de los últimos tiempos, Saldana hace muy bien su papel y es de destacar su hablar Na´vi, Weaver un personaje duro pero de corazón, todo lo contrario al interpretado por Lang que crea muy bien sin llegar al cliché al villano.




La música de James Horner; quien ha musicalizado varias exitosas superproducciones; también es una gran pieza en esta obra, brindándonos una gran banda sonora que contribuye a crear el ambiente nativo y místico de Pandora y al ambiente tecnológico y malvado de la futura raza humana (o la actual, o la de siempre), me recuerda un poco a la banda sonora de La Misión del gran Ennio Morricone.

Comúnmente aquí hablo de la dirección de fotografía, pero aquí la utilizare para hablar de la gran mezcla visual lograda por la fotografía de Mauro Fiore, el diseño de producción de Rick Carter y Robert Stromberg y los efectos y animación conformados por cientos de personas, a quienes debemos agradecer por la gran experiencia visual que se vive en la cinta, lograr transportarnos a la historia es grande y con y sin el 3 D logran crear escenarios y personajes creados por computadora a través del performance caption totalmente realistas, por un momento pensando que fue filmada realmente en Pandora y con actores reales. Fue sumamente bien aprovechado el exorbitante presupuesto (no se ha revelado con exactitud la cantidad total pero oscila entre los 230 millones de dólares y los 500 millones), dando el alivio de que la película más cara de la historia (hasta ahora) es de gran calidad.

Señoras y señores, si en 2001: Odisea en El Espacio el Cine y la Tecnología habían logrado tener más que una relación amistosa, en 2009, con Avatar, la Tecnología y el Cine se han casado con testigos al público y una ceremonia realizada por James Cameron. Avatar es una gran experiencia y de lo mejor del casi extinto 2009. Me alegra decir: James Cameron, welcome back!

Calificación:


lunes, 14 de diciembre de 2009

Lolita: Esa película hermosa, lírica, melodiosa.


Película: Lolita (Reino Unido, 1962)
Director: Stanley Kubrick
Actores: James Mason, Sue Lyon, Peter Sellers, Shelley Winters, Jerry Stovin, Diana Decker.

Crítica: Kubrick nos regala una vez más un producto formidable, lleno de cachondez, romance, risas, y varias cosas más, una obra maestra por donde se le vea.

Humbert Humbert es un profesor de poesía proveniente de Europa que se muda a Estados Unidos para impartir clases. Al faltar mucho tiempo para empezar las clases, Humbert decide pasar ese tiempo en un pequeño pueblo; buscando donde hospedarse, encuentra una casa donde vive Charlotte Haze y su hija Lolita, siendo ésta última, por su gran belleza, el motivo por el que Humbert se queda a vivir ahí un tiempo. Humbert se enamora de Lolita a un punto obsesivo de consecuencias letales.

Kubrick crea una historia fascinante, llena de elementos kubrickianos, en la que se demuestra una madurez total del realizador, un punto medio entre su etapa Hollywoodense y la Inglesa, reuniendo de impresionante manera los recursos técnicos y narrativos; y; después de la decepción de Kubrick hacia el sistema cinematográfico estadounidense plantea una amplia crítica a la sociedad gringa como el lo sabe hacer; con un cinismo impresionante y una gran carga emocional en los personajes.




El guión de Vladimir Nabokov, mismo autor de la novela en que se basa la película; es una historia que le quedó como anillo al dedo a Kubrick, una historia con crítica social, con un tema polémico pero real y con unos personajes perfectamente detallados que representan tanto virtudes como errores de la raza humana.

Las actuaciones son brillantes y convincentes, una no gana a la otra: James Mason espectacular, aunque quizá no sea un personaje que muchos pensamos en este actor, termina haciéndolo muy bien; Sue Lyon, a pesar de tener 16 años (en 1962) y no los 14 que debe tener en la película (y que en el libro tenía 12), se adueña de esa adolescente convenenciera y precoz, su belleza se mezcla perfectamente con el lado demoniaco del personaje; Shelley Winters crea muy bien a un personaje inseguro y necesitado de amor, la última escena donde la vemos es antológica la situación entre ella y Mason, llena de poder; Peter Sellers brillante, quien antes de Dr. Strangelove ya interpretaba a varios personajes, da a un Clare Quilty lleno de misterios, un personaje que bajo esa máscara de glamour esconde un plan; el resto del cast lo hace bien.

La música de Nelson Riddle es otro gran factor que da un gran resultado, que mezcla muy bien la música estadounidense con otras de tonos caribeños, dando un estilo musical que derrocha mucha sensualidad y mucho más, además la canción “Lolita Ya-Ya” es sumamente pegajosa: Yaaaa Yaaa Ya Ya Yaaaa.




La fotografía de Oswald Morris quizá es el pequeñito negrito en el arroz, ya que no posee la fotografía de una cinta de Kubrick, es probablemente la fotografía más hollywoodense de la carrera de Kubrick, pues tiene ciertos aires de una cinta del cine de Oro; es una gran fotografía, pero la sentí más de Hawks, Preminger o Hitchcock que de Kubrick; tal vez esa fue la decisión de Kubrick para mostrar junto con el blanco y negro mayor elegancia para la historia, aunque eso solo Kubrick lo sabe.

Los demás aspectos técnicos son buenos, destacando el cuidadosísimo diseño de producción de William C. Andrews quien en cada habitación o casa muestra parte de los personajes.

Una cinta brillante, una obra maestra más del maestro Stanley Kubrick y una película imprescindible en cualquier amante del séptimo arte.

Calificación:


viernes, 11 de diciembre de 2009

Trailers: La Princesa y el Sapo.

El día de hoy en varias salas de cine se estrena La Princesa y el Sapo, cinta que vuelve a la animación tradicional de los grandes clásicos de Walt Disney Pictures (como La Cenicienta, La Bella Durmiente, Aladin, El Rey León, etc). El filme narra una alternativa al cuento clásico en que un principe que por un hechizo fue convertido en sapo y pide un beso a una princesa para desaparecer el embrujo, sólo que en esta interesante versión la historia se torna distinta, valdra la pena verla considerando que es dirigida por Ron Clements y John Musker quienes han dirigido Hércules, El Rey León, Aladin, La Sirenita y Policías y Ratones.
POR CIERTO: En España se titula Tiana y el Sapo y se estrena hasta Febrero de 2010.


Secreto de Estado: Trepidante thriller francés.


Película: Secreto de Estado (Secret Défense, Francia, 2008)
Director: Philippe Haïm
Actores: Vahina Giocante, Gérard Lanvin, Nicolas Duvauchelle, Simon Abkarian, Rachida Brakni, Aurélien Wiik.

Crítica: Es una cinta interesante, con un gran ritmo y una gran manifestación del cine de acción francés, muy al estilo de Bond o de Bourne, sólo que con menos censura.

La cinta narra las historias de Diane (Vahina Giocante), una prostituta que es forzada a enlistarse en el servicio secreto francés para evitar que se conozca su otra identidad; y Pierre (Nicolas Duvauchelle), un hombre que estando en prisión es convencido por unos árabes a formar parte de un grupo terrorista. Cuando se conoce por parte del servicio francés, que un grupo terrorista árabe pretende cometer un atentado terrorista en Paris, las historias de Diane y Pierre se entrelazarán a llegar a puntos en que la ética de los personajes es puesta a prueba, como clave en esta cinta esta la frase: Un agente no es un ser humano, es un arma.

Haïm crea de manera interesante una historia de tintes hollywoodescos (sobre todo en el aspecto técnico) alejándose por el punto moral y sexual tratado en la cinta, logra evitar enfado y mostrar pistas y datos que son bien completados al final de la cinta, dejando con buen sabor de boca al espectador mostrando un mundo lleno de manipulación y desconfianza, además de no enaltecer al gobierno francés o al terrorismo árabe, dejando un punto neutral ante las situaciones y fijándose más en la psicología de Diane y Pierre.




Las actuaciones son buenas con personajes fuertes, aunque con ciertos clichés sobre todo Vahina Giocante, quien recrea un James Bond en mujer; y Simon Abkarian, quien también parece villano de cintas de 007 (Tomemos en cuenta que interpretó a Alex Dimitrios, uno de los villanos de Casino Royale en 2006), pero en cuanto a interpretación lo hacen bien, es la clara evidencia del efecto que han provocado estas cintas en las cintas de espías actuales.

La fotografía de Jérôme Alméras al parecer no tiene estilo, pues en otras cintas, como El Cuarto de los Muertos tiene un estilo parecido a El Silencio de los Inocentes y en esta parecidas a las de James Bond (sobre todo a las últimas dos), aunque si sabe cómo usar las cámaras para lograr ese efecto.

La música de Alexandre Azaria es efectiva en la cinta pues es del estilo de películas de acción (también ha compuesto la música de cintas como El Transportador 2 y 3) y podría llamársele el Hans Zimmer francés.

Concluyendo una película técnicamente Hollywoodense con temática europea, es una película con entretenimiento de calidad.

Calificación:


jueves, 10 de diciembre de 2009

El Estudiante: Bonitas postales.


Película: El Estudiante (México, 2009)
Director: Roberto Girault
Actores: Jorge Lavat, Pablo Cruz Guerrero, Siouzana Melikian, Norma Lazareno, Jorge Luis Moreno, Cristina Obregón, Daniel Martínez, José Carlos Ruiz.

Crítica: Película de gente joven para gente joven acerca de un viejo, que al ser de jóvenes aún les falta mucho que dar, totalmente sobrevalorada, que en lugar de filme en ratos parece comercial de Turismo de Guanajuato.

Jorge Lavat interpreta a Chano, un hombre de unos 70 años que decide entrar a la universidad para terminar su vida siendo alguien. En su estancia en la universidad conocerá y aprenderá de las nuevas generaciones y ellos de él con El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha como manual de vida.

En su opera prima, Roberto Girault comete todos los males que un director de cine convencional cae en su primer filme: errores, historias cursis y llenas de clichés; pero da en el clavo del público convencional, al mostrar como fondo una de las ciudades más bellas de México: Guanajuato, ciudad en la cual fue filmada.



El guión de Girault, basado en una historia de Gaston Pavlovich (quien es también productor) plantea también una historia atrayente para el público que piensa que la mejor película es Titanic, pues esta lleno de palabras rebuscadas que muy poca gente hablaría actualmente, la escena mejor lograda narrativamente es la más triste ya que se acerca más a la realidad y no al mundo de caramelo que muestra la cinta.

Las actuaciones son buenas pero no aportan nada, a excepción de Lavat, quien logra en ocasiones hacer creíble la historia.

La dirección de fotografía de Gonzalo Amat es excelente pero para comerciales, no es una fotografía del lenguaje cinematográfico, busca más fijar al público en la ciudad que en la historia.

La música de Juan Manuel Langarica es lo mejor de la cinta, provee mayor emoción a las escenas, aunque estas carezcan de estas.

En conclusión una cinta entretenida pero vacía a pesar de intentar dar algún mensaje, que podría parecerse a muchas comedias sanas de Hollywood, esperemos que Girault mejore en sus próximos proyectos.

Calificación:

miércoles, 9 de diciembre de 2009

En Manos del Destino (El Hombre que Sabía Demasiado): Hitchcock y su único y gran remake.


Película: En Manos del Destino (En España El Hombre que Sabía Demasiado, en Inglés The Man Who Knew Too Much, EUA, 1956)

Director: Alfred Hitchcock
Actores: James Stewart, Doris Day, Christopher Olsen, Daniel Gélin, Brenda De Banzie, Bernard Miles.

Crítica: Una gran cinta; en la cual; se nota la evolución que tuvo Alfred Hitchcock durante 22 años, tiempo transcurrido entre la versión original y ésta.

La cinta, al igual que la versión de 1934 trata la historia de una familia (En los 30´s eran Leslie Banks y Edna Best con su hija interpretada por Nova Pilveam, en la segunda versión la familia era James Stewart y Doris Day con su hijo interpretado por Christopher Olsen) que viaja a un país lejano al suyo (En la primer versión fue a Suiza, en la de los 50´s a Marruecos), donde conocen a un hombre agradable pero misterioso llamado Louise Bernard (Es el único personaje que se llama igual en las dos cintas, en la primera interpretado por Pierre Fresnay y en la segunda por Daniel Gélin). Cuando Louise Bernard muere asesinado su última acción es confesar al padre de la familia (Banks o Stewart) que tiene que ir a Londres a advertir que un funcionario importante será asesinado. Ahora la pareja (Banks y Best o Stewart y Day) tendrán que ayudar a evitar ese asesinato pero a la vez recuperar a su hijo, quien ha sido secuestrado después de que Bernard le haya confesado al padre sus últimas palabras.


Las familias de cada filme.

Las dos versiones son muy buenas e interesantes, aunque en la de los 50´s Hitchcock demuestra un mayor profesionalismo y le imprime más ritmo y subtramas a la original, que por cuestiones de presupuesto no logró mostrar la grandeza de la historia.

El guión de la original es de D.B. Wyndham-Lewis y Charles Bennett, de cuyo guión se basó John Michael Hayes (guionista de otras obras de Hitchcock como La Ventana Indiscreta), quien adapto a la época de los 50´s la historia y mostrando más misterio y peligros que en la cinta original.

Las actuaciones de esta segunda versión son muy buenas; Day, Stewart y Christopher Olsen crean una familia realista, convincentes, y cada uno realiza muy bien su papel, destacando a Doris Day que era un papel alejado de los que siempre interpretaba. Quiza el único fallo que supera la versión original a la de los 50´s es que los villanos son mucho más buenos (no diciendo que hayan hecho mal su papel, si fueron malos) que la de los 30´s, en la que Peter Lorre brilló por su maldad.



Villanos con las victimas en las dos películas.

En la segunda versión, la música juega un papel mucho más importante que en la original, no solo porque Bernard Herrmann le imprime un gran esfuerzo a la partitura que es excelente, ni porque él mismo haya hecho un cameo en la escena del Albert Hall, sino porque el final es básico con la música. En la versión original hay muy poca música restándole también emoción a la cinta.

La dirección de fotografía de Robert Burks como en todas las películas que fotografío para Hitchcock se basa principalmente en los detalles y en guiar al espectador de la mano de Sir Alfred Hitchcock a la búsqueda de resolver o ser parte de un crimen. En la versión original con Curt Courant, una fotografía muy europea, aún le faltaba el toque fotográfico de la filmografía de Hitchcock aunque muchos de los close-ups de varias escenas son muy buenos

En los demás aspectos técnicos muy bien, y como siempre Hitchcock nos regala una sonrisa después de una sesión de 2 horas de crímenes, escenas de peligro, y gran Cine. Una de sus mejores obras y quizá (junto con Scarface) el mejor remake de la historia.

Calificación:


martes, 8 de diciembre de 2009

Videotributos: Alfred Hitchcock



Alfred Hitchcock es uno de los mejores directores de la Historia del Cine y uno de los más populares.
En todos sus filmes se mantiene su escencia, una perfecta combinación entre el suspenso y el humor negro, con historias impactantes e interesantes. En este video se incluyen escenas de algunos de sus más grandes filmes, los cuales recomiendo ampliamente (Vértigo, Psicosis,  Rebeca, Los 39 Escalones, La Ventana Indiscreta, Con M de Muerte, La Dama Desaparece, Intriga Internacional, Pacto Siniestro y El Tercer Tiro, aunque aún en este video faltan más películas como La Sombra de una Duda o la emblemática Los Pajaros).
Disfruten el video.



Pandillas de Nueva York: Scorsese buscando la historia.


Película: PANDILLAS DE NUEVA YORK (Gangs of New York, EUA, 2002)

Director: Martin Scorsese.
Actores: Leonardo DiCaprio, Daniel Day-Lewis, Cameron Diaz, John C. Reilly, Jim Broadbent, Henry Thomas, Liam Neeson, Brendan Gleeson.

Crítica: Es una excelente cinta, la cual siento subvalorada por la crítica, pues es una cinta con todos los elementos de una cinta de Scorsese, con un gran crew y un gran reparto, una cinta que cualquier director hubiese anhelado realizar.

La cinta narra la vida de Amsterdam Vallon (Leonardo DiCaprio), un hombre que vivió en los barrios más bajos del Nueva York de mediados del siglo XIX; época durante la cual tratará de vengarse del jefe de una banda de criminales (Daniel Day-Lewis), por el asesinato de su padre (Liam Neeson). Durante la búsqueda de venganza conocerá a sus enemigos, a sus amigos, y a la interminable guerra entre pandillas por dominar Nueva York, una ciudad hundida en corrupción, crimen, e inequidad económica.




Martin Scorsese, después de un largo tiempo sin haber hecho cine, regresa con una cinta incomprendida, amada por muchos y odiada por otros. Muchos dicen que no es el mismo Scorsese, y sigue siendo el mismo, que sigue contando historias de Nueva York, adentrándose a lo más oscuro de la ciudad, su estilo en el cual el protagonista narra la historia, haciendo un análisis crítico de la sociedad en sus diferentes épocas y estratos económicos, y así podría seguir, quizá muchos no la aprecien tanto porque es la cinta que reúne todos los elementos de Scorsese. Además, el final queda para la historia del cine.

El guión de Kenneth Lonergan, Steven Zaillian y Jay Cocks basado en un argumento de este último e inspirado en el libro The Gangs of New York de Herbert Asbury, narra la historia de un Nueva York con pocos años de independencia, un Nueva York con mucha inestabilidad socio-económica, y un Nueva York que es real aunque sepamos poco de él, puesto que muy poco se sabe de esa época, por el desprecio que se tiene en la historia de él, aunque un error sería no recordar esos tiempos donde la inmigración y la lucha por el poder entre varios sectores realizaba el real y actual Estados Unidos, ya que si no se conoce la historia se tiende a repetir; el guión crea convincentemente a una serie de personajes que vivían en ese momento y se ilustra en todo su ser la época. En definitiva una gran e interesante historia.

Las actuaciones son muy buenas destacando el Day-Lewis, quien crea perfectamente al villano Scorsesiano: Un hombre nada modesto, altanero, que sabe lo que hace y que explota cuando lo encienden. Scorsese también logró que ningún actor se notara más (salvo DiCaprio y Day-Lewis, quienes desde el guión son marcados como los principales) y logra que sean convincentes y sin caer en el cliché.

La dirección de fotografía de Michael Ballhaus es buena, logra captar en diversos cuadros escenas que hemos visto en fotografías antiguas, aprovechando muy bien el set, haciéndolo lucir.

La música de Howard Shore también es buena ya que supo unir música orquestal con música irlandesa y música moderna para asimilar más el ambiente de los Cinco Puntos en Nueva York.

Lo más destacable técnicamente es el diseño de producción de Dante Ferreti, quien creo unos grandiosos sets, recreando a la perfección la época, quizá exagerando un poco pero adaptándolo al idioma cinematográfico. A destacar también es el gran vestuario de época de Sandy Powell, quien supo bien mostrar por medio del vestuario como eran los personajes, por medio del color y estilo del vestuario.

En definitiva una gran cinta que no se deben de perder.

Calificación:


jueves, 3 de diciembre de 2009

El Cuarto de los Muertos: Intento de El Silencio de los Inocentes Francés


Película: El Cuarto de los Muertos (La chambre des morts, Francia, 2007)

Director: Alfred Lot
Actores: Mélanie Laurent, Eric Caravaca, Gilles Lellouche, Jonathan Zaccaï, Céline Sallette.


Crítica: Lo que en una cinta logra que esta sea grande, es cuando llega a trasladarte a la historia, cuando te transmite sentimientos y no solo te deja sentado en una butaca viendo imágenes en movimiento; cuando no pasa lo primero y sí lo último no se da la magia del Cine. En el caso de El Cuarto de los Muertos, lo último sucede, no es que sea una cinta mala, es entretenida y llega a transmitir un gran suspenso, pero eso solo sucede al momento de que la música se hace más fuerte, y siendo francos el hecho de ser un filme francés daba más que desear.


La cinta narra dos historias paralelas: La primera es de dos hombres (Gilles Lellouche,y Jonathan Zaccaï) que atropellan a una persona. Al intentar esconderla descubren que dicha persona tenia un maletín con dos millones de euros. Al ver esto los dos hombres esconden tanto al cadáver como a su tesoro esperando un tiempo para usarlo. Mientras tanto, dos policías investigan el asesinato de una niña secuestrada, que al no pagar el rescate murió de manera extraña. Murió porque el padre la niña murió atropellado antes de hacer el intercambio. Pero cuando otra niña desaparece, las dos historias se entrelazaran y sucederán sucesos inesperados.



Alfred Lot, en un guión de él, basado en la novela homónima de Franck Thilliez no logra sorprender en su opera prima, ya que logra imprimir lo mejor de él en la primer hora de la película, la cual si hubiese seguido así hasta el final hubiera logrado un gran thriller, pero en la segunda mitad no logra resolver claramente todos los acertijos para llegar al final, y se nota cómo se deja de lado lo narrativo por lo visual, recreando la versión francesa de El Silencio de los Inocentes, de la cual hay una mención en la cinta, así pues Lot se dejó llevar por la ambición de crear un thriller hollywoodense que se alejó totalmente del espectador.


Las actuaciones son buenas y se nota una buena dirección hacia ellos, pero la caída en el guión hace que también se pierda credibilidad y sentimiento en los actores. Entre ellos, el que más sobresale Gilles Lellouche, y la actriz Mélanie Laurent también nos regala una buena actuación con la cual los ojos de Hollywood voltearon hacia ella para formar parte del elenco de Bastardos sin Gloria de Tarantino.


La fotografía de Jérôme Alméras, al igual que las intenciones del director, es muy parecida a la de Tak Fujimoto en El Silencio de los Inocentes, con planos en movimiento a veces y a veces no tanto, se nota principalmente en la última media hora del filme. Lo mismo sucede con la música de Nathaniel Mechaly, la cual no destaca en lo minimo.


En conclusión, el intento de hacer El Silencio de los Inocentes francés no salió muy bien librado y se quedo en un trabajo mediano.

Calificación:


lunes, 30 de noviembre de 2009

Trailers: Avatar



Avatar es la próxima cinta del director James Cameron (Titanic, Terminator), con Sam Worthington, Sigourney  Weaver, Michelle Rodríguez y Zoe Saldana es una de las cintas más esperadas de los últimos tiempos, con años de preparación, Cameron promete crear una gran experiencia que trascenderá a la historia del Cine. La cinta nos situa cientos de años en el futuro, la Tierra ha agotado sus recursos y las grandes corporaciones están ávidas de materia prima para explotar. Una delegación terrestre tiene problemas para extraer material de las minas del lejano planeta Pandora. El principal problema son los Na´vi, unas criaturas azules felinescas nativas del lugar. Unos científicos, usando el ADN de estos seres, consiguen que dos agentes ahora con apariencia de Na´vi se infiltren en su comunidad para exterminarlos. Disfruten de este gran avance de la cinta.

domingo, 29 de noviembre de 2009

Ciudad de Dios: Buenos Muchachos Brasileños



Película: Ciudad de Dios (Cidade de Deus, Brasil, 2002)
Director: Fernando Meirelles
Actores: Alexandre Rodrigues, Luis Otávio, Leandro Firmino, Douglas Silva, Phellipe Haagensen, Matheus Nachtergaele, Seu Jorge, Alice Braga.

Crítica: Una cinta dura, con escenas impactantes; y al igual que muchas cintas que hablan de este tema no se exenta de poder haberse retratado la misma historia en otra parte del mundo. La cinta podría considerársele como la versión brasileña de Buenos Muchachos, ya que no solo habla de temas de la mafia en las décadas, sino que su forma narrativa es igualmente similar, aunque las dos son dos grandezas de películas.
La cinta narra la historia de Cohete (Alexandre Rodrigues) , una persona que desde chico (Luis Otávio) veía la fotografía como su empleo ideal; pero el vivir en la favela más peligrosa de Brasil, la llamada Ciudad de Dios; Cohete tuvo que adaptarse a la inseguridad, la marginación y la violencia de aquella población. Durante la historia de Cohete se cuentan las historias de los grupos delictivos de cada época, como los del Trío Tierno, una banda a la que el hermano de Cohete (Renato de Souza) pertenecía; y en la cual; un pequeño llamado Daditos (Douglas Silva) seguía sus pasos hasta convertirse en Zé Pequeño (Leandro Firmino), el dueño de Ciudad de Dios, haciendo el cambio de los asaltos al narcotráfico. A partir de ese momento la violencia y la guerra de bandas se apoderan de aquella ciudad que en lugar de ser de Dios, es olvidada por este.



En su tercer cinta Fernando Meirelles logra la madurez profesional y cuenta muy bien una historia que sigue sin ser ajena al presente. Con un guión de Bráulio Mantovani basado en la novela homónima de Paulo Lins se muestran a una serie de personajes bien representados, con su complejidad y su psicología, y una historia interesante y con una violencia muy justificada. Meirelles, caracterizado por mostrar la realidad sin importar la crudeza crea una cinta impresionante, carente de errores y que emplea muy bien los recursos narrativos y técnicos. Además es de reconocer la gran labor de dirección de los actores, pues muchos de ellos eran de la misma Ciudad de Dios.
Como dije antes, el cast no da nada que desear y destacan Leandro Firmino, Alexandre Rodrigues, Phellipe Haagensen y Seu Jorge, en quienes recae la gran carga emotiva del filme.
La música compuesta por piezas originales y adicionales es una gran mezcla para mostrar por medio de los sonidos la cultura de Brasil, con su ritmo tropical, su alegría y sabor comparada con la violencia y devastación mostrada en la cinta.
La dirección de fotografía de César Charlone es también muy buena, no para de moverse, siguiendo el estilo semidocumentalista plasmado en la cinta, además que los colores amarillezcos le dan más ambiente sudamericano a la cinta.
Los demás aspectos técnicos son también muy buenos, recreando 3 décadas de violencia en un Brasil marginado.
Definitivamente todo el público debe verla, una de las mejores cintas de Brasil, y es una Nueva Maravilla del Cine.

Calificación

sábado, 28 de noviembre de 2009

Roma Ciudad Abierta y el Neorrealismo Italiano



Película: Roma Ciudad Abierta (Roma Citta Aperta, Italia, 1945)

Director: Roberto Rossellini
Actores: Aldo Fabrizi, Anna Magnani, Marcello Pagliero, Vito Annichiarico, Harry Feist, Francesco Grandjacquet.


Crítica: Gran cinta clave del neorrealismo italiano, que muestra una amplia crítica y reflexión a la ocupación nazi en Italia, la crueldad de estos y las vivencias de las víctimas: el pueblo.
La historia esta basada en hechos reales, aunque con nombres distintos,;trata la historia de Don Pietro Pellegrini, un sacerdote (Aldo Fabrizi); Giorgio Manfredi, un hombre importante en un partido socialista durante la ocupación (Marcello Pagliero) a quien un oficial nazi (Harry Feist) busca para hacerlo hablar; Pina (Anna Magnani), mujer comprometida con otro miembro del partido de Manfredi (Francesco Grandjacquet); y Marcello (Vito Annichiarico), el hijo de Pina, quien busca defender a su país. La historia de estos personajes se vera entrelazada cuando Manfredi se refugia en casa de Pina para que los oficiales nazis no lo encuentren.
En esta cinta, considerada por muchos como la real inauguración del Neorrealismo Italiano, Rossellini muestra de gran manera una historia que había vivido meses antes y en un guión de él, Federico Fellini y Sergio Amidei, la historia de varios habitantes de la Roma corrompida por las tropas alemanas, y crea, con imágenes duras, realistas y sin exageración a la real Roma, una desprotegida y con la búsqueda de la libertad, basada en el apoyo de todos sus habitantes; ideas muy alejadas a las romas de gladiadores que ha acostumbrado Hollywood. Además, Rossellini logró captar la emoción en los actores y en escenas muy bien hechas, sobre todo (SPOILER) en la que Pina corre hacia su prometido Francesco gritando cuando este es arrestado, una escena brutal en la que se reúne la magia de la cinta (¡Francesco! ¡Francesco!) (FIN DE SPOILER).



Las actuaciones de Fabrizi, Magnani y Feist son muy buenas, aunque su labor no fue tan difícil como la de los demás, ya que ellos sí eran actores profesionales y los demás no. Y aunque no eran profesionales, el resto del reparto realiza una buena actuación, sobre todo la del pequeño (en ese entonces) Annichiarico quien se roba la cámara en las escenas que aparecen, además de ser pieza clave en la serie de sucesos en la cinta, logra imprimirle un gran sentimiento poco usual en muchos niños que no hayan llevado su vida para la actuación.
La dirección de fotografía de Ubaldo Arata es una buena combinación en blanco y negro de la cámara documentalista y la de ficción, con escenas que parecen grabadas en realidad y no en cine, esta es otra característica del Neorrealismo Italiano.
La música de Renzo Rossellini, hermano del director, contiene grandes piezas que sirven para mostrar la angustia, el misterio, el temor mostrado en la cinta.
Otro aspecto a destacar y que es clave en el neorrealismo italiano, es que la cinta se filmó mayoritariamente en exteriores, mostrando las edificaciones de la Italia de la Posguerra.
Una cinta clave para la cinematografía italiana que ningún cinéfilo debe dejar perder.

Calificación: