Déjame Entrar: El renacer del vampirismo.

 Película: Déjame Entrar (Låt den rätte komma in, Suecia, 2008)

Director: Tomas Alfredson.

Actores: Kåre Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar, Peter Carlberg, Ika Nord, Patrik Rydmark.

Crítica: Una Nueva Maravilla del Cine, una película que ningún cinéfilo y menos un fanático de las cintas de terror puede pasar por alto. Damas y caballeros: el real vampirismo cinematográfico ha vuelto después de ser sepultado por vampiros light, Dráculas actualizados, y vampiros que solo utilizan pistolas; la pasión, el poder seductivo de estos, y sangre, sangre y más sangre; han vuelto a los vampiros en esta innovadora cinta sueca basada en el best-seller del mismo nombre de John Ajvide Lindqvist. La cinta, ambientada en un poblado de Estocolmo en los 80´s, narra la historia de los niños Oskar, un niño que sus divorciados padres no le hacen caso y sus compañeros de escuela lo reprimen golpeándolo; y Eli, una niña que llega al pequeño pueblo de Oskar, que no puede salir de día, viste muy ligera para el frío que hace ahí y que huele extraño. A la llegada de Eli y un extraño hombre con ella, que parece más un sirviente; crímenes que involucran a cadáveres sin sangre, y muertos de extraña manera ocurren. Todo el pueblo vive el miedo de ese asesino, pero Oskar, que se hace amigo de Eli, recibe mayor confianza en si mismo y comienza a defenderse de los bravucones de su escuela; ante esto; la relación entre Oskar y Eli se va acrecentando, pero también el descubrimiento de Oskar de lo que realmente es su nueva amiga.

Tomas Alfredson, quien ya era algo reconocido en Europa, logra; con un guión del mismo escritor de la novela Ajvide Lindqvist, el cual toma las ideas principales de la obra y elimina algunas subtramas; el éxito internacional y un impresionante logro al dirigir una historia nada sencilla de realizar, y que toma de la obra los elementos implícitos en ella, la disfuncionalidad, un ambiente que cambia de lo monótono a lo extraño, la extraña relación entre Oskar y Eli, la asimilación del público con la vida de Oskar, pero sobre todo, en un ambiente nevado y blanco, señales de vacío y de soledad, la soledad en Oskar, en Eli, en los padres de Oskar y en todos los habitantes. Además, otro logro de Alfredson es que logró que las actuaciones, principalmente de los niños, fueran impecables, llegando a convencer totalmente al espectador. Kåre Hedebrant interpreta a Oskar de manera impactante, llegando a mostrar todos los sentimientos encontrados en el personaje, y logra tener una gran química con Lina Leandersson, interpretando a Eli, ella cautiva con las espeluznantes escenas que realiza, la química entre estas jóvenes promesas es notable pues a su corta edad realizaron escenas algo incómodas; las demás actuaciones como dije antes no decepcionan en lo absoluto. La dirección de fotografía de Hoyte Van Hoytema es algo fantástico, a pesar de utilizar planos con poco movimiento, se logra transmitir el sentimiento, y, junto con la edición y el arte, hace de los colores una delicia visual, pues hay una gran combinación de estos para favorecer a la historia, destacando el blanco y el rojo. La música de Johan Söderqvist no es muy destacable pero favorece al solitario entorno y a las escenas donde se aplica el suspenso y el terror. En los demás aspectos técnicos se realiza un gran trabajo. Es lamentable que por culpa de cintas de “vampiros” que no cuenten con los elementos de estos, y que parece más una comedia romántica, el éxito de esta cinta no se haya hecho latente, esperemos que con el tiempo se de a conocer más esta obra maestra, que contiene escenas inolvidables y que revitaliza el género vampírico y establece un hito en la historia del terror y el cine en general.

Calificación

Nazarín: Jesucristo mexicano.

Película: Nazarín (México, 1959)

Director: Luis Buñuel.

Actores: Francisco Rabal, Marga López, Rita Macedo, Noé Murayama, Ignacio López Tarso.

Crítica: Algo curioso sucede con las cintas religiosas, las mejores y que realmente muestran el real sentido que Jesucristo quería mostrar en la Iglesia es mejor entendido por ateos, por ejemplo, Pier Paolo Passolini, totalmente anticatólico creo una de las cintas más recordadas de la vida de Jesús: El Evangelio según San Mateo, aunque 5 años antes el cineasta español Luis Buñuel; quien era ateo; refugiado en México crearía una obra maestra, pieza clave tanto en la cinematografía religiosa y en el cine mexicano: Nazarín. La cinta cuenta la historia del Padre Nazario (Francisco Rabal), un hombre que cansado del paganismo de la Iglesia como institución, en un acto considerado por muchos de rebeldía, huye de esto para en el campo tratar de profesar su modo de vivir: un modo muy semejante al de Cristo, durante su trayecto por el destino, Nazarín viajará al lado de dos mujeres desubicadas, una mujer que no ama su esposo (Marga López), y una prostituta y alcohólica (Rita Macedo) que le hace ver la realidad de la sociedad prejuiciosa contemporánea. La cinta es una gran crítica a la iglesia (como institución) por medio de la misma iglesia, mostrando lo alejada que está del verdadero objetivo de su iniciador. Buñuel; con un guión de él, Julio Alejandro y Emilio Carballido adapta a la cultura mexicana y a la época porfiriana (principios del siglo XX) la novela de Benito Pérez Galdós, la cual se desarrolla en Madrid. Buñuel demuestra con esta cinta haber adoptado la cultura mexicana; el actuar, el decir, la comida (nunca habia visto tantas tortillas en una cinta), y su historia, son bien contadas a los ojos de dos españoles (tanto actor como protagonista), y aunque es un tema religioso el relatado, su estilo surrealista nunca se pierde, pues los clásicos alucines en sus cintas se hacen presentes con un Jesucristo masoquista, unos labios ensangrentados por un beso vampírico, y una niña con su trapo caminando por la calle, son escenas perturbadoras, esto de la mano del gran cinefotógrafo Gabriel Figueroa.

Como en casi todas las cintas de Buñuel los personajes son fuertes y no caen en ser ni heroes ni villanos, son un espécimen más en la sociedad, y esto lo crean bien Paco Rabal, Marga López y Rita Macedo, quienes muestran una gran evolución en su carácter y en sus pensamiento. Otras actuaciones que no se dejan pasar son las de la española pero que residió hasta su muerte en México Ofelia Guilmain, como una madre dura, previa al adelísmo; y Ignacio López Tarso, interpretando a la encarnación de el ladrón bueno, acompañando al final del calvario de Nazarín, López Tarso demuestra la profesionalidad que se hace latente en Macario, y roba cámara en los aproximados 10 minutos que aparece. En esta cinta no hay música pero se compensa con las canciones de los vendedores de la Ciudad de México, remitiéndonos de nuevo a la humildad y pobreza que había en México (aunque lo siga habiendo). La fotografía de Gabriel Figueroa como siempre excelsa, plasma su estilo de mostrar el México como un personaje más y confidente de la historia, con planos adecuados a las situaciones. Un gran filme que no se debe dejar pasar, para Andrei Tarkovsky una de las 10 mejores películas de la historia (al menos lo que vivió), y una muestra de lo que debería y no es la Iglesia Católica, una vía de bien espiritual y no material.

Calificación:

Sector 9: Apartheid extraterrestre.

Película: Sector 9 (District 9, EUA-Nueva Zelanda, 2009)

Director: Neill Blomkamp.
Actores: Sharlto Copley, David James, Vanessa Haywood.

Crítica: ATENCIÓN: ESTA CRÍTICA ES SOLO PARA HUMANOS.

Una muy buena y entretenida cinta, de lo mejor que se ha visto en el 2009, y una nueva gran pieza en la ciencia ficción, sin embargo, en la pagina IMDB esta al momento entre el top 250 de las mejores cintas de la historia, la cual no puede ser catalogada como clásico, sí, es una gran cinta, pero no es la grañidísima obra maestra que muchos dicen. Hace poco más de 20 años en Johannesburgo una nave extraterrestre se quedó varada en esa ciudad sudafricana, al no poder ir a otro lado los humanos instalan a los nuevos seres en la tierra en un área donde vivirían y convivirían con los humanos, adaptándose tanto los extraterrestres como los humanos a esta situación. En el presente (al menos el presentado en la película), Wikus van de Merwe tendrá la misión de reubicar a los extraterrestres a otro lugar, pero al entrar a la casa de uno de ellos en el Sector 9, descubrirá un artefacto que le cambiara la vida a Wikus y a la historia de la humanidad. La cinta, basada en el cortometraje Alive in Joburg del mismo Blomkamp, y escrita por él y Terri Tatchell, es una clara muestra que Blomkamp es un director que promete, y lo original de la historia, y lo desarrollado en el cortometraje permitió obtener la confianza de una producción no tan grande pero no tan modesta (la cinta tuvo un presupuesto de 30 millones de dólares) y tener entre los productores a Peter Jackson, quien quería primero a Blomkamp para que dirigiera una adaptación del videojuego de Halo, pero al no concertarse la adaptación se le permitió producir esta historia, una pieza nueva entre lo mejor de la ciencia ficción.

El guión, muestra también un gran profesionalismo, al combinar el estilo documental y el estilo de ficción, además de dar una buena caracterización a los personajes, lograr hacer convincente la evolución psicológica de Wikus (y también evolución física), y tratar en la cinta temas como el racismo, que en Sudáfrica podría asemejarse con el Apartheid, la perdida de valores, el trato de hombres como mercancías por las empresas dominantes, etc. Las actuaciones no son la gran cosa; pero; el peso que carga Sharlto Copley al estar en casi todas las escenas, en algunas él solo, se logra llevar bien. La fotografía de Trent Opaloch, a colores cafés, da un tono apocalíptico, y logra crear; junto con los muy buenos efectos especiales; un entorno no ajeno al nuestro, muy realista, y que al igual que el guión combina bien el estilo documental y el estilo de ficción. La música de Clinton Shorter no tiene nada de interesante, pues solo participa en el ritmo de la historia. Es una película que merece ser recordada; quizá después se convierta en culto; y saber que fue el gran debut cinematográfico de la promesa Neill Blomkamp.

Calificación:

Vals con Bashir: La guerra jugando en nuestras mentes.

Película: Vals con Bashir (Waltz Im Bashir, Israel-Alemania-Francia-EUA, 2008)

Director: Ari Folman

Actores: Ari Folman, Miki Leon, Ori Sivan, Yehezkel Lazarov, Ron Ben-Yishai.

Crítica: La animación ha tomado parte importante de la representación de la guerra, cintas emblemáticas como Pink Floyd The Wall de Alan Parker, entre otras y recientemente Persépolis, y la película aquí mencionada. Vals con Bashir no es una película más de guerra, que aunque muestre los efectos colaterales de la guerra al igual que varias exitosas cintas, el elemento visual y la forma narrativa hacen de esta cinta una innovadora producción. La cinta, a manera de un documental animado, recrea, junto con el mismo director (Ari Folman), quien también funge en el papel protagónico, su pasado en la guerra del Líbano en 1982, Folman ha perdido el recuerdo de la guerra, y el sueño de un amigo suyo, despierta un sueño en él y la búsqueda de su pasado, el cual fue borrado por el trauma de la guerra. En el guión, Folman crea una historia en la cual mezcla de gran manera el realismo con el surrealismo, la realidad con la ficción, la vida y la significación de la muerte. La cinta no es tan sencilla de digerir, no se puede perder ningún detalle para no perder bien la historia, y muestra imágenes fuertes, las cuales, crean mayor expectación por medio de la animación. Lo que hace novedosa a la cinta es el juego que hace en la mente del espectador, el reunir piezas en un rompecabezas mental donde los sueños y las experiencias juegan un papel equitativo para el entendimiento de la historia, creando un documental con ficción real (sueños), la manera de contar un documental (por medio de la animación, yo definiría a la cinta como un juego animado de la mente.

Al ser un documental y la voz es la misma que de los personajes descritos en la cinta (a excepción de Miki Leon y Yehezkel Lazarov quienes crean a los amigos de Folman, Boaz Rein-Buskila y Carmi Cna'an respectivamente), aunque el proceso a la animación no perdió credibilidad en la historia. La cinta presenta imágenes que quedarán en la memoria como los sueños y alucinaciones y la impactante escena del Vals con Bashir, esto se logró con la gran animación dirigida por Yoni Goodman, muy bien lograda. La música es otro gran elemento, pues recolecta una buena partitura electrónica de mano de Max Richter y canciones ochentenas que hablan de la guerra, dando una mayor recepción a la cinta. En conclusión una película básica en la nueva década que juega un innovador papel para la posteridad.

Calificación

Los Olvidados: La mejor película mexicana.

 Película: Los Olvidados (México, 1950)
Director: Luis Buñuel
Actores: Alfonso Mejía, Roberto Cobo, Estela Inda, Miguel Inclán, Mario Ramírez, Javier Amézcua.

Crítica: La mejor película del Cine Mexicano. “Las nuevas ciudades modernas: Nueva York, Paris, Londres, esconden bajo sus magníficos edificios hogares de miseria y albergan niños mal nutridos, sin higiene, sin escuela, semillero de futuros delincuentes. La sociedad trata de corregir este mal, pero el éxito de sus esfuerzos es muy limitado. Solo en un futuro podrán ser reivindicados los derechos del niño y del adolescente, para que sean útiles a la sociedad. México, la gran ciudad moderna no es la excepción a esta regla universal, por eso esta película basada en hechos de la vida real no es optimista y deja la solución del problema a las fuerzas progresivas de la sociedad.” Así empieza esta obra de arte, en la cual el director español Luis Buñuel, en su tercera en México refugiándose del gobierno franquista, cuenta una historia que parece seguirse contando, la miseria, la pobreza, la ignorancia y la corrupción, y no solo en México, sino en todo el mundo, es por eso porque este filme ha sido alabado en todos lados, por su temática, la cual ha sido y seguirá siendo polémica, para representar estos males de la sociedad se cuenta la historia de Pedro (Alfonso Mejía), un niño ignorante, huérfano, sin ningún futuro, que al habitar en una comunidad de gente pobre no se exenta de los males que en ella habitan, el crimen, entre sus vivencias se encontrarán con el doble cara de El Jaibo, el jefe de su grupo criminal, quien al escaparse de la correccional para menores, cambia la vida de Pedro y de aquellos niños “Olvidados”.
 
 

 
Buñuel crea una historia convincente en la que se abordan todos los males de la sociedad tanto mexicana como mundial con un inteligente de él y Luis Alcoriza. En la cinta, a pesar de ser un poco documentalista mantiene el estilo surrealista de Buñuel, en un sueño de Pedro, la importancia de los animales, y algunas escenas que muestran la locura que ocultan los niños por todos los traumas de sus vivencias. Muy pocas veces un grupo de niños y adolescentes al protagónico logran convencer con sus actuaciones, en esta ocasión es todo lo contrario, hacen una actuación impecable todos, destacando Alfonso Mejía como Pedro, Roberto Cobo como “El Jaibo” y Mario Ramírez como “El Ojitos”, los tres mostrando una gran evolución a lo largo del filme, tanto en actuación como en el personaje. Estela India y Miguel Inclán, en el reparto adulto crean grandes personajes, la mujer deprimida que nunca saldrá de ella y Miguel Inclán como un ciego vengativo y conservador. La dirección de fotografía Gabriel Figueroa, quien es la real estrella del cine mexicano, es impresionante, mostrando buenos encuadres en movimiento, y como siempre en sus películas catalogando como un personaje más a México, en esta ocasión al México marginado. La música de Rodolfo Halffter y Gustavo Pittaluga es la mejor partitura del Cine Mexicano de Oro, con un tema inicial aterrorizante e impactante. La creación de los sets es igual magnifica creando sin exageraciones las casas que se ven en cualquier pueblito o en las pequeñas areas de las grandes ciudades, aun hoy. Para algunas salas se exhibió un final feliz alternativo para evitar tanto revuelo por parte del público y la crítica conservadora, aunque el final, tampoco es un final del todo alegre, este final se encuentra como material especial en todos los DVD´s que se le ha hecho a la película. La película más polémica de México es definitiva una película que no tiene edad, y un hito en la historia del cine nacional y mundial donde se muestra nada más y nada menos que la realidad a los ojos del surrealista Buñuel.
 

Calificación

Amanecer: El Ocaso del Silencio Hollywoodense

Película: Amanecer (Sunrise: A Song of Two Humans, EUA, 1927)

Director: F.W. Murnau
Actores: George O'Brien, Janet Gaynor, Margaret Livingston, Bodil Rosing.


Crítica: Una poesia del amor verdadero. Las películas románticas regularmente no son de mi agrado, pero hay unas cuantas que por un buen guión y no rayar en lo cursi llegan a ser impresionantes, un caso de eso es Amanecer, la primer película de Murnau en EUA, huyendo de los nazis por su religión, la historia es una clara mezcla del cine mudo americano (principalmente en temática) con el expresionismo alemán (principalmente en lo técnico). Esta película también fue el punto final para el cine mudo estadounidense, pues semanas después El Cantante de Jazz y el sonido con ella vendrían. La historia narra los problemas que se ocasionan en una familia de campesinos en la cual el hombre (George O'Brien) se enamora de una mujer citadina (Margaret Livingston) que pasa sus vacaciones en ese pequeño pueblo, los principales problemas cambian cuando la citadina le pide al granjero matar su esposa (Janet Gaynor), esto traerá como consecuencia un cambio para los tres, para algunos bueno, para otros malo.

En la cinta Murnau recrea a la vida misma, con momentos tristes y otros felices, contando una historia atrayente de la mano del gran escritor Carl Mayer basado en una historia de Hermann Sudermann, la historia esta bien contada y Murnau y Mayer vuelven a dar una atmosfera real y convincente. Las actuaciones son muy bien hechas y expresivas, sería la 3ª película sin maquillaje de cine mudo de Murnau (después de Tartufo y Fausto), quizá el personaje de Margaret Livingston pudo tratarse más pero no es un gran fallo. La fotografía esta vez no es de Karl Freund (pues trabajaba en otra gran cinta, Metrópolis), es de Charles Rosher y Karl Struss, la cual hereda muchos elementos de Freund, (movimiento en la cámara, fijación en los rostros, etc), que conjuntada con el hecho de estar rodada en exteriores crea un real ambiente campirano y citadino, esto, aunado a los impresionantes efectos especiales de Frank Williams da un resultado visual impactante. La música fue una gran innovación pues se dejaron de lado las pianolas y la música con pocos instrumentos para una mayor orquestación, la música que se vería en los 30´s, 40´s y 50´s iniciaba con Amanecer, el ocaso magistral (en Estados Unidos) de un gran estilo cinematográfico: El Cine Silente.

Calificación:

Los Fantasmas de Scrooge: El Espíritu Navideño para el 3-D

Película: Los Fantasmas de Scrooge (A Christmas Carol, EUA, 2009)

Director: Robert Zemeckis.
Voces: Jim Carrey, Gary Oldman, Colin Firth, Bob Hoskins.


Crítica: De la famosa novela “Cuento de Navidad”, desde 1901 se han hecho más de 70 adaptaciones al cine y a la televisión (y sin contar a la gran cantidad de parodias que se le ha hecho) de esta gran obra la cual la mayoría conoce; Michael Caine, George C. Scott, Albert Finney, Mickey Mouse y hasta Pedro Picapiedra han interpretado al mítico personaje Ebenezer Scrooge, y ahora le tocó a Jim Carrey en esta entretenida cinta de Robert Zemeckis, quien recupera su manera de filmar después de la decepcionante Beowulf (2007). Bueno, la historia todos la conocen, es acerca de cómo Scrooge, un hombre codicioso que odia la navidad es ayudado por 3 fantasmas, del pasado, presente y futuro, para que vuelva a recuperar ese espíritu navideño perdido como una piedra entre la nieve. Robert Zemeckis, a quien, con tres películas animadas (2 de ellas navideñas), ya se le considera este su estilo, el cual inició con El Expreso Polar, revolucionando el estilo animado por motion capture (Técnica de almacenar las acciones de actores humanos, y usar esa información para animar modelos digitales de personajes en animación 3D) para toda la película, y esta vez logró unificar esa técnica (adaptada ahora para verse en 3-D) con un guión bueno, no notable, pero bueno, en el cual no se notan situaciones chuscas ni gags anacrónicos, haciendo una comedia familiar sana.

En las actuaciones, Jim Carey se luce interpretando a un gran número de personajes, y crea bien al mítico personaje, aunque al parecer no puede salirse del personaje del enemigo de la navidad (primero en El Grinch y ahora interpretando a Scrooge), Gary Oldman se sale un poco del estándar de sus personajes para interpretar al empleado de Scrooge, Bob Cratchit, al examigo de Scrooge Marley y al pequeño e invalido Tim; Colin Firth interpreta al sobrino de Scrooge, personaje que no ha sido tan explorado del todo, pero que no sobra en la historia. La música de Alan Silvestri es buena, pero como en casi todas las películas que musicaliza no es tan notable, esta vez adapta con una gran instrumentación los clásicos villancicos, que no podían faltar en la película. La dirección de fotografía es interesante en estos tipos de formatos, y Robert Presley hace una buena dirección para darle mayor realismo a la cinta con encuadres que no parecen animados, y los que no se vieran muy falsos para la tercera dimensión. El departamento de arte y efectos también hicieron un gran trabajo recreando al Londres de mediados del Siglo XIX. No es una película navideña del montón, es una entretenida cinta que recoge de buena manera el clásico de Dickens.

Calificación:

Drácula de Tod Browning: El Origen del Vampiro

Película: Drácula (Dracula, EUA, 1931)
Director: Tod Browning
Actores: Bela Lugosi, Helen Chandler, David Manners, Dwight Frye, Edward Van Sloan, Herbert Bunston.

Crítica: No es la mejor adaptación de la obra de Bram Stocker, pero el valor histórico que ejerció para el terror hollywoodense es incomparable, ya que marcó el género de los vampiros, tal vez el problema radica en que antes de esta pieza había otra obra del conde llamada Nosferatu, muy superior a esta. La historia, por decisiones de presupuesto, era la adaptación de la obra de teatro (en la que también actuaba Lugosi) y no de la novela, en esta versión el papel más importante después del conde es Renfield y no hay mucha importancia a Jonathan Harker (que en esta cinta es John Harker) y a Mina, además que la sensualidad que emana Drácula en la novela, pero todos estos problemas fueron por el guión de Garrett Fort y Dudley Murphy. Tod Browning, de acuerdo al guión, realizó un buen filme, con los elementos clásicos de su filmografía, el suspenso, y tuvo el honor de inaugurar el sonido en un filme de terror en Hollywood, además que logró que Bela Lugosi, que no sabía ingles, pudiera decir muy bien sus diálogos, la forma de hablar de Lugosi y sus movimientos y expresiones son los que hicieron de Lugosi el eterno Drácula.

Además de Lugosi, quien hizo bien el papel de acuerdo al guión destaca Dwight Frye interpretando a Renfield, en quien se manifiesta la evolución del filme. La dirección de fotografía de Karl Freund (sí, otra vez él maestro de la fotografía) es lo más destacado del filme, dándole un toque expresionista al filme, la cual ayudo mucho a captar la esencia del conde y a mostrar la atmosfera, que combinada con el buen diseño artístico dan un rico recurso visual. La música no se presenta en la mayoría del filme, pero el tema inicial es muy bueno. Un cinéfilo debe verla para comprender la historia y el inicio legal de este personaje pero que no es la mejor historia del cine.

 

Calificación:

El Último Hombre: Magistral Murnau

Película: El Último Hombre (Der Letzte Mann, Alemania, 1924, conocida también como El Último y La Última Carcajada)

Director: F. W. Murnau.
Actores: Emil Jannings, Maly Delschaft, Max Hiller, Emilie Kurz, Hans Unterkircher.


Crítica: Un melodrama increíble de las manos de Murnau, un filme sostenible en Emil Jannings y una fotografía impresionante. La cinta narra la historia del portero de un hotel, el cual tiene una gran vida, orgulloso de su trabajo, su familia es contagiada con ese entusiasmo y hasta sus vecinos, pero cuando un día, por su vejez, un hombre más joven lo sustituye, y a este lo degradan a mozo de los baños, su vida cambiara por completo, aunque podría ser una metáfora de las distintas clases sociales. Murnau hace gala de su maestría al contar la historia, con un guión perfectamente bien estructurado, el cual al precisar bien cada acción de los personajes, y combinado con la implacable actuación de Emil Jannings, provocó que la cinta no contara con ningún intertítulo de diálogos, más que para textos y señalar la hora o un día. Las actuaciones son muy buenas, como dije antes Emil Jannings es el soporte del filme, ya que la mayoría de la cinta la cámara solo lo sigue, Jannings crea a un personaje bien hecho y caracteriza muy bien cada una de sus acciones y las emociones que tiene el personaje. La fotografía es impresionante, una de las mejores que he visto en una película, quizá he dicho en anteriores críticas que muy adelantada a la época, pero es porque el fotógrafo es Karl Freund (Metrópolis, Berlín: Sinfonía de una Ciudad, Tartufo, Drácula y otras obras maestras del cine más), con unos encuadres perfectos que nos adentran a la historia.

La música que escuché fue de Timothy Brock, una muy buena sinfonía que ayuda con la instrumentación a captar más la emoción. La dirección artística crea escenarios impresionantes, donde contrastan perfectamente los departamentos donde vive el portero con el hotel, pero dando una mezcla buena, el expresionismo alemán implicaba que los lugares sean un personaje más y aquí se cumple, esto a manos de Robert Herlth, Walter Röhrig y Alfred Hitchcock (este último sin acreditar). Los únicos fallos del filme son que el ritmo baja cada vez más, pero se justifica porque sentimos lo mismo que el portero, una profunda depresión, pero lo peor y que elimine de mi mente es el final, el cual fue obligado a ponerse por los productores, en donde se muestra a la perfección que el final no es de Murnau, así que si la ven no tomen en cuenta el final, hasta el minuto 80 se acaba la película. Definitivamente quitando el final es una impresionante película que no deben dejar de ver en su vida.

Calificación:

Quitandole el Final de los Productores

Con el final de los Productores:

El Romance Fracasado de Tillie: El Origen del Mito de Charlot

Película: El Romance Fracasado de Tillie (Tillie's Punctured Romance, EUA, 1914, en España Aventuras de Tillie, Mabel y Charlot)

Director: Mack Sennett.
Actores: Marie Dressler, Charles Chaplin, Mabel Normand, Mack Swain, Charles Bennett.

Crítica: El primer largometraje de comedia de la historia del cine (y investigando descubrí que era también el primer largometraje de Hollywood) no esta nada mal y comenzó con 4 grandes genios del Slapstick, la comedia del cine mudo por excelencia: Senntet, Chaplin, Normand y Dressler. Esta cinta es el inicio del mito de Charlot, que aunque en cortos dirigidos por Chaplin, no alcanzo la fama total hasta esta película, la historia trata de cuando Charlot (en la película llamado El Hombre de la Ciudad) conoce a Tillie, una obesa mujer pero que, al tener mucho dinero, éste la corteja para sacarle su dinero. Es un gran conjunto de situaciones cómicas donde Sennet reúne a su gran equipo de actores (Mabel y Chaplin), los cuales contienen características estilísticas muy parecidas en sus filmografías, todos rodeados por el Slapstick (para los que no conocen el termino es donde la trama gira en gags físicos muy divertidos), Dresser se une a este equipo y realiza un gran trabajo. El guión basado en la obra teatral de Edgar Smith se adapta totalmente a la pantalla grande, donde los personajes son bien descritos y las situaciones no pasan al absurdo total.

La fotografía y la música no destacan esta vez, en fotografía, es la clásica del Slapstick por Hans F. Koenekamp y Frank D. Williams, carece de movimientos pero se basa en las expresiones corporales de los personajes, y la música de William P. Perry (1972) es la clásica de pianola, aunque hay una parte que no se me quita de la cabeza y no paro de tararear. Es una cinta clave para entender el nacimiento de la comedia y de Chaplin como mito, muy entretenida aunque con un exceso de patadas.

 

Calificación: