Macario: el mexicano y la muerte.

Película: Macario (México, 1960)

Director: Roberto Gavaldón.
Actores: Ignacio López Tarso, Pina Pellicer, Enrique Lucero, Mario Alberto Rodríguez.

Crítica: Esta obra maestra del cine mexicano representa como pocas parte importante de la identidad del mexicano: su relación con la muerte.
Es la celebración del Día de Muertos (festividad tradicional mexicana en el que se recuerdan a los conocidos difuntos a través de coloridas ofrendas en panteones o hogares) a finales del siglo XVIII y Macario (Ignacio López Tarso), su esposa (Pina Pellicer) y sus hijos pasan aquella festividad y toda su vida en la miseria, con escasos alimentos para toda la familia. Un día Macario decide no comer más hasta tragarse un guajolote (pavo) el solito. Su esposa roba uno, lo cocina y se lo entrega para que vuelva a alimentarse. Antes de comerlo, Macario decide finalmente compartirle de su guajuolote a un huesudo y demacrado personaje: La Muerte (Enrique Lucero). Macario recibirá de su acompañante una recompensa por su actitud, aunque la recompensa le jugará sucio a Macario.
Basado en la gran novela de Bruno Traven (que a su vez se basa en un cuento de los hermanos Grimm), Roberto Gavaldón dirige y escribe junto a Emilio Carballido esta grandiosa pieza clave del cine mexicano (que es clásica en la programación televisiva del Día de Muertos), que incluso fue el primer filme mexicano en ser nominado al Oscar por Mejor Película Extranjera. En él se hace un gran retrato y reflexión acerca de una de las peculiaridades que tiene México en comparación con otros países: el distinto trato hacia la muerte, un culto a ella como a Dios o el diablo mismo; en Macario además de mostrarse la tradición del Día de Muertos, la religiosidad del mexicano que persiste hasta nuestros días y su punto de encuentro con el fanatismo, una cierta denuncia a la sociedad marginada del país y nos deja la pregunta retórica si es cierto que el mexicano no le tiene miedo a la muerte y cómo es el temor hacia aquella etapa de la vida, y esto además de ser contado en una de las épocas más dificiles, la colonización en el siglo XVIII cuando México era Nueva España. Técnicamente la película está muy bien realizada y adaptada a la época que retrata, además de dejar grandes escenas a la cinematografía nacional y mundial como el final.

Las actuaciones son más que estupendas a pesar de ser pocas intervenciones histriónicas en el filme, pero cada actor desempeña muy bien su papel. Ignacio López Tarso realiza su mejor papel hasta la fecha consagrandose como una de las mejores del país y su personaje junto al que interpreta Enrique Lucero son muy recordados por el público nacional.
La dirección de fotografía de Gabriel Figueroa impecable, hay que recordar que es el más grande cinefotografo que ha tenido este país (y de los mejores del mundo), cada uno de sus cuadros son grandiosas postales y los encuadres, movimientos y esto junto con la edición de Gloria Schoemann y los decorados de Manuel Fontanals dan un resultado visual más que agradable a la pupila.
La música de Raúl Lavista es muy interesante, pues además de ser la clásica de la época del cine de oro, aquí la banda sonora hace un juego muy importante con la música de las culturas prehispánicas con la desarrollada después de la conquista, como el mariachi.
Esta película debe ser vista en todo el mundo, pues la calidad de ella es un gran ejemplo de lo que es capaz de mostrar la producción mexicana.

Calificación:

El Escritor Fantasma: Polanski vuelve a las andadas.

Película: El Escritor Fantasma (The Ghost Writer, Francia-Alemania-Reino Unido, 2010)

Director: Roman Polanski
Actores: Ewan McGregor, Pierce Brosnan, Olivia Williams, Kim Cattrall, Robert Pugh, Tom Wilikinson.

Crítica: El probablemente más difícil proyecto que ha enfrentado Polanski desde El Bebe de Rosemary, es un ejemplo del amor por el cine de un autor que a pesar de grandes dificultades logró llevar a flote este excelente filme.
Un escritor fantasma (quien escribe sin crédito las autobiografías de gente famosa) es comisionado para escribir la autobiografía de Adam Lang, el exprimir ministro del Reino Unido. A lo largo del proceso se dará cuenta que esta supliendo a alguien que murió de una manera muy misteriosa relacionado con el libro, por lo que deberá tomar medidas para seguir vivo y resolver aquel complot.
Dejando de lado la controversia que surgió a lo largo del proceso de Postproducción (fue encarcelado y encerrado en su hogar durante casi un año por el crimen que cometió en los 70's y que lo obligó a abandonar Estados Unidos e impidiendo que asistiera a festivales como Berlín a recoger su premio a mejor director); tras un gran filme bélico (El Pianista) y uno familiar (Oliver Twist), Polanski nos regresa a lo mejor que mejor sabe manejar, el suspenso y misterio y al igual que en Barrio Chino nos presenta a un personaje que se adentra a una red de complots internacionales sin darse cuenta y con ello descubrir terribles verdades gubernamentales, esta vez basado en un best seller de Robert Harris (que adaptó el guión junto a Polanski) en el cual el espectador no sabe exactamente lo que sucede aunque se adentra al misterio, cuáles son las mascaras y los rostros de los distintos personajes que rodean al protagonista sin nombre, hasta un final más que inesperado. Es de destacar el estilo minimalista visual que le imprime Polanski a todo el filme, ejemplificando lo sucio de algo tan fino como el gobierno y en el cual como cierta venganza del director hace una interesante crítica al gobierno estadounidense. Podría recortar algunas escenas pues el ritmo del inicio va algo lento y ese sería el error del filme.

Las actuaciones de un magnífico reparto no dejan decepcionado a nadie: Ewan McGregor como casi siempre logra imprimirle la calidad y complejidad de su personaje, Brosnan y Williams realizan una de sus mejores interpretaciones en los últimos años (Brosnan la mejor desde que abandonara el rostro de James Bond), Cattrall realiza un personaje con variados matices bien desarrollados y evolucionados y el resto de actores secundarios como Tom Wilkinson y Eli Wallach engalanan con su presencia.
La fotografía de Pawel Edelman, en tonalidades azuladas nos adentra a un mundo de misterio, además a destacar el manejo de cámara en el cual el escritor fantasma se encuentra siempre presente, ya sea enfrente o detrás alguna parte de su cuerpo (manos, brazos o cabeza).
La música de Alexandre Desplat no es muy de su estilo pero sí de la música de los filmes de Polanski con un cierto tipo de Jazz misterioso y el tema principal logra brindarle gran intensidad a las escenas de suspenso.
No es la mejor película de la carrera de Polanski pero es un ejemplo más de la vigencia y talento que tiene el polaco.

Calificacion:

Trailers: Biutiful

El 22 de octubre se estrena en México la nueva película de Alejandro González Iñárritu: Biutiful, coproducción mexico-española que ha recibido el premio al Mejor Actor para Javier Bardem (protagonista del filme) en el Festival de Cannes, que ha cosechado estupendas críticas, ha estado presente en los mejores festivales y que se espera llegue a las nominaciones del Oscar. Uxbal (Javier Bardem) es un padre sacrificado que se siente perdido en medio de Barcelona, desequilibrado emocionalmente e intentando superar una dolorosa ruptura amorosa. Intenta cuidar de sus hijos, pero la tarea se complica cuando siente que la muerte ronda cerca. Debe proteger a los suyos, pero también salvarse a sí mismo.

Las noticias de las semanas (12 septiembre – 8 octubre 2010)

Fallecen Arthur Penn y Tony Curtis.

Dicen que siempre que se apagan estrellas, lo hacen varias a la vez y esta ocasión fueron dos grandes de la cinematografía estadounidense: Arthur Penn y Tony Curtis. El primero, uno de los fundadores del llamado "Nuevo Hollywood" director de las cintas Bonnie and Clyde (1967), Little Big Man (1970), The Miracle Worker (1962), Alice's Restaurant (1969), entre otras falleció el 28 de septiembre de causas desconocidas aún, aunque el portavoz de la familia informó que llevaba más de un año muy enfermo. Tony Curtis, actor de cintas como Espartaco (1960), Una Eva y Dos Adanes (1959) y Fugitivos (1958), esposo de Janet Leigh y padre de Jamie Lee Curtis falleció el 29 de septiembre de un paro cardiaco. Descancen en paz dos grandes mitos de Hollywood.

Zack Snyder dirigirá Superman.

El director de las excelentes 300 (2007), Watchmen (2009), recientemente Ga'Hoole y próximamente Sucker Punch, Zack Snyder será el encargado de dirigir la revitalización de Superman, en cuyo guión y producción intervino Christopher Nolan. Tras haberse rumoreado a Snyder, Darren Aronofsky, Matt Reeves y Tony Scott como candidatos a la silla de diector, el primero fue el elegido para dirigir este ambicioso proyecto en el que se unirán dos grandes talento como lo son Snyder y Nolan para darle la calidad que merece a un héroe como Superman. La producción tiene que comenzar este año por el peligro de perder los derechos del personaje. Natalie Portman se rumorea que interpretará a Lois Lane.

Hispanoamerica lanza sus candidatas al Oscar.

La carrera por el Oscar ha comenzado y ya se han anunciado los candidatos a la nominación por Mejor Película Extranjera y les mencionaremos cuáles películas representarán a algunos países de Iberoamérica: México competirá con Biutiful (a la que le veo más posibilidades), la nueva cinta de Alejandro González Iñarritu protagonizada por Javier Bardem y que fue coproducción mexico-española; España envió a la academia Tambien la lluvia de Iciar Bollain, protagonizada por Luis Tosar y Gael Garcia; Argentina a Carancho de Pablo Trapero, Venezuela a Hermano de Marcel Rasquín (Que ha sido uno de los mayores éxitos del cine venezolano), El Vuelco del Cangrejo de Colombia, de Perú por Contracorriente de Javier Fuentes León, Chile con La Vida de los Peces de Matias Bize, Del Amor y otros demonios de Hilda Hidalgo, Lula el hijo de Brasil por Brasil de Fábio Barreto. Algunas de otros países son Confessions de Tetsuya Nakashima por Japón, Des hommes et des dieux de Xavier Beauvois por Francia, Die Fremde ('When We Leave') de Feo Aladag por Alemania, Kraj ('The Edge'), de Alexey Uchitel por Rusia, Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives de Apichatpong Weerasethakul por Tailandia, Incendies de Denis Villeneuve por Canadá y muchísimas más.

Natalie Portman sustituye a Jolie en Gravity de Cuarón.

Tras la salida de Angelina Jolie de la nueva película de Alfonso Cuarón, Gravity, las esperanzas de otra protagonista que tuviera la misma o mejor calidad actoral que la Jolie se confirmaron con el hecho que Natalie Portman será quien tomará el protagonico de la cinta al lado de Robert Downey Jr.

Tim Burton tiene elenco vocal para Frankenweenie.

En 1984 Tim Burton realizó el estupendo cortometraje Frankenweenie en el que un niño trata de revivir a su perro de igual manera que lo hizo el Doctor Frankenstein sobre su monstruo. Ahora Burton quiere revisitar este cortometraje en el que mostraría al igual que en Vincent su estilo narrativo y visual, ahora en un largometraje animado, y ya tiene el reparto de voces: Winona Ryder, para el papel de Elsa, Martin Landau para el papel de Mr. Rzykruski, y Martin Short y Catherine O'Hara, que serán las voces de cinco personajes cada uno. La película se estrenará en 2012.

Comienza rodaje de Misión Imposible IV.

La producción de Misión Imposible IV, a cargo de Brad Bird ha comenzado a rodarse en la ciudad de Praga y se filmará en Dubai de igual manera. El rival de Ethan Hunt (Tom Cruise) será Michael Nyqvist, actor de la saga de Millenium (la original) y el reparto incluye también a Jeremy Renner, Maggie Q, Jonathan Rhys Meyers y Josh Holloway. La cinta se estrenará en diciembre de 2011.

Angelina Jolie prepara su debut como directora con todo y protagonista.

La película que dirigirá Angelina Jolie sobre la guerra entre Bosnia y Serbia y por la cual rechazó varios papeles ya cuenta con protagonista, se trata de la actriz bosnia Zana Marjanovi. El rodaje esta cerca de comenzar.

El Hobbit no sale de los problemas.

El Hobbit sigue dando de que hablar aunque sin algún fundamento totalmente bueno, Ian McKellen informó que el rodaje podría comenzar en enero de 2011, Peter Jackson dijo que le gustaría filmarla en Europa del Este pero por tener problemas con sindicatos de actores en Nueva Zelanda por irregularidades en sus contratos, los estudios de Wellington se incendiaron, MGM sigue en problemas financieros y es posible que se fusione a las productoras Lionsgate y Spyglass cuyos directivos están a punto de comprar acciones y pagar parte de la deuda y planea acogerse a la Ley de Quiebras el próximo 22 de octubre con lo que liberaría la deuda con lo que la productora se reestablecería, por lo que el Hobbit tiene más problemas y menos soluciones prontas.

Demian Alcazar pide una nueva legislación para el cine iberoamericano.

El actor de cintas como El Infierno, El Crimen del Padre Amaro y Dos Crimenes, Demian Alcazar durante el festival de San Sebastian exhorto a las autoridades de la Suprema Corte de Justicia a que para que el cine mexicano sea visto y no sea opacado por la baja calidad de la mayoría de las producciones estadounidenses que invaden las salas mexicanas, al menos en cada cine exista una sala donde se exhiban sólo películas mexicanas o iberoamericanas, que a pesar de su gran calidad y que varias han tenido buena recepción con el público, la falta de distribución ha afectado a la producción cinematográfica general.



Sin novedad en el frente: la real cara de la guerra.

Película: Sin novedad en el frente (All Quiet on the Western Front, EUA, 1930)
Director: Lewis Milestone.

Actores: Lew Ayres, Louis Wolheim, John Wray, Arnold Lucy, Ben Alexander.

Crítica: Es un impresionante ejercicio antibelicista en el que se trastocan los distintos sentimientos de una guerra.
La historia nos remite a los inicios de la Primera Guerra Mundial en Alemania, donde los jóvenes eran inducidos a participar en la guerra a través de sus profesores de escuela con la promesa de grandes victorias, gloria, libertad y ser considerados héroes; pero la verdad les será revelada en el campo de batalla.
Este gran filme de Lewis Milestone se ha colocado con justicia como uno de los mejores filmes de la primera guerra mundial (junto a otros como Lawrence de Arabia o Patrulla Infernal) por su estupenda manufactura técnica y por el mensaje antibélico del guión de Milestone, Maxwell Anderson, George Abbot, Del Andrews, C. Gardner Sullivan y Walter Anthony basados en la novela de Erich Maria Remarque el cual razonablemente manifiesta que la guerra no lleva más que a muerte y sufrimiento, no más, los hombres que luchan por ser recordados como héroes se transforman en hombres que se perciben fuera de la sociedad, tras participar en un evento en el cual el único fin es la sobrevivencia. La cinta tiene muy efectivas escenas de batallas con una gran precisión y credibilidad, además de dejarnos a la posteridad grandes escenas con un gran valor simbólico (como en la que el protagonista Paul (Lew Ayres) se encuentra escondido junto al cadáver de un enemigo que él mató, el cortejo entre los soldados alemanes con unas francesas y qué decir del magnifico cuadro final); también es destacable ver un filme en la visión del pueblo alemán, más no de su gobierno. Probablemente disminuiría un poco algunas subtramas para que el filme fuera impecable en cuanto a ritmo, pero es un error mínimo.

Las actuaciones no son destacables una de otra salvo la del protagonista Lew Ayres, pues en conjunto son las distintas caras del personaje principal: la guerra; aunque lo cierto es que cada actor le imprime credibilidad y buen trabajo a sus papeles logrando efectivamente mostrar el valor dramático del filme.
La fotografía de Arthur Edeson, con apoyo de Karl Freund tiene muy buena movilidad y acercamientos, a modo de un filme expresionista alemán que nos remonta más a la cultura alemana.
La única melodía de música original aparece al principio del filme y es compuesta por Lou Handman, el resto es el sonido producido de cánticos y melodías interpretadas por soldados y la sinfonía de las bombas y disparos.
Es un filme clásico del genero bélico que ha logrado conservarse con la misma calidad e impacto que hace 80 años.

Festivales: San Sebastian

El 58 Festival de Internacional de Cine San Sebastián Donostia Zinemaldia, el más importante de España junto al de Sitges y de prácticamente de la misma calidad que los festivales categoría A (Cannes, Venecia, Berlín) se llevó a cabo del 17 al 25 de septiembre de este año, y muchos han dicho que no ha sido la mejor edición, sin embargo hay cosas que contar como que Olivia Williams recogió el Gran Premio Fipresci en nombre de Roman Polanski por la película The Ghost Writer, la película inaugural fue la mexicana dirigida por Felipe Cazals Chicogrande que llevó buenas críticas, Abel de Diego Luna fue la película mexicana más importante de esta edición, la película Buried de Rodrigo Cortés impactó al público, Julia Robert además de promocionar su filme Eat Pray Love junto a Javier Bardém, recibió el premio Donostia por su trayectoria artística; la larga (dura 4 horas y media) producción portuguesa Mistérios de Lisboa de Raul Ruiz, que posteriormente se converitrá en miniserie, se llevó varios aplausos y rindió frutos a la hora de los premios. Otras películas que llamaron mucho la atención y fueron premiadas fueron Neds de Peter Mullan, Pa Negre de Agustí Villaronga y la película Pájaros de Papel de Emilio Aragón.

A continuación los ganadores de esta edición:

CONCHA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA: “NEDS” de PETER MULLAN (Reino Unido-Francia-Italia)
PREMIO ESPECIAL DEL JURADO: “ELISA K” de JUDITH COLELL y JORDI CADENA (España)
CONCHA DE PLATA AL MEJOR DIRECTOR: RAÚL RUIZ por “MISTÉRIOS DE LISBOA” (Portugal)
CONCHA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ: a NORA NAVAS por “PA NEGRE” (España)
CONCHA DE PLATA AL MEJOR ACTOR: a CONNOR McCARRON por “NEDS” (Reino Unido-Francia-Italia)
PREMIO DEL JURADO A LA MEJOR FOTOGRAFÍA a JIMMY GIMFERRER por “AITA” (España)
PREMIO DEL JURADO AL MEJOR GUIÓN: BENT HAMER por “HOME FOR CHRISTMAS“ (Noruega-Suecia-Alemania)
MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO: “A JAMA” de DAOUD AOULAD-SYAD (Marruecos-Francia)
PREMIO KUTXA–NUEVOS DIRECTORES: "LOS COLORES DE LA MONTAÑA", Carlos César Arbeláez (Colombia-Panamá)
MENCIÓN ESPECIAL: "LA VIDA ÚTIL", Federico Veiroj (Uruguay-España)
MENCIÓN ESPECIAL: "SMUKKE MENNESKER/NOTHING’S ALL BAD", Mikkel Munch-Fals (Dinamarca)
PREMIO HORIZONTES: "ABEL", Diego Luna (México)
MENCIÓN ESPECIAL: "A TIRO DE PIEDRA", Sebastián Hiriart (México)
PREMIO TCM DEL PÚBLICO: "BARNEY’S VERSION", Richard J. Lewis (Canadá-Italia)
PELÍCULA EUROPEA: "HOW MUCH DOES YOUR BUILDING WEIGH, MR. FOSTER?", Norberto López Amado, Carlos Carcas (Gran Bretaña-España)
PREMIO DE LA JUVENTUD: "ABEL", Diego Luna (México)
PREMIO TVE-OTRA MIRADA: "CERRO BAYO", Victoria Galardi (Argentina)
MENCIÓN ESPECIAL: "BLOG", Elena Trapé (España)
PREMIOS CINE EN CONSTRUCCIÓN
PREMIO CINE EN CONSTRUCCIÓN DE LA INDUSTRIA: "ENTRE LA NOCHE Y EL DÍA", Bernardo Arellano (México)
PREMIO CASA DE AMÉRICA: "ASALTO AL CINE", Iria Gómez Concheiro (México)
PREMIO CINE EN MOVIMIENTO: "SUR LA PLANCHE", Leïla Kilani (Marruecos - Francia)

Sed de Mal: Polémico retrato de la injusticia.

Película: Sed de Mal (Touch of Evil, EUA, 1958)

Director: Orson Welles

Actores: Charlton Heston, Janet Leigh, Orson Welles, Joseph Calleia, Akim Tamiroff, Marlene Dietrich.

Crítica: Tres minutos nos bastan para que Orson Welles nos atrape en este gran film noir.
Miguel Vargas (Charlton Heston) es un policía mexicano que se encuentra con su recién casada esposa estadounidense Susan (Janet Leigh) de luna de miel en un poblado de la frontera. Ambos son testigos del estallido de la explosión de un auto, en el que se encontraba un importante criminal relacionado con las ventas de drogas. Miguel deberá trabajar con Hank Quinlan (Orson Welles), un misterioso policía de la zona, para así encontrar al culpable de la explosión, que apunta a una gran red de crímenes y corrupción en el que la policía se encuentra inmiscuida.
Al igual que El Extranjero, Welles vuelve a darnos una impactante cátedra de realizar Cine y en el genero que mejor se explaya, el film noir. Como dije en la introducción, los primeros tres minutos, un plano secuencia de esa duración en el que se introducen a los personajes y al pueblo fronterizo son la muestra que los siguientes 108 minutos valdrán totalmente la pena con una historia basada en la novela de Whit Mastersone atrapante de principio a fin con personajes muy interesantes y complejos, una reflexión sobre las barreras sociales de México y Estados Unidos, un gran retrato de la injusticia y la corrupción; todo esto en una producción impecable en los aspectos visuales e histriónicos. Lo malo de este filme no es algo que hizo Welles sino lo que hizo Universal, al momento de su estreno modificaron el montaje eliminando la esencia del filme; por fortuna, a fines de los 90's se volvió a montar el filme con lo que estipulaba Welles; esto es una lástima, pues la película pudo haber tenido el valor que tenemos ahora de ella desde su estreno y donde la nariz de los productores arruinan las películas en otros casos como Érase una vez en América.

Las actuaciones de los protagonistas no decepcionan en lo absoluto: Charlton Heston físicamente pero no vocalmente se transforma en mexicano, esto no afecto a que su personaje fuera creíble; Orson Welles con Hank Quinlan le da al séptimo arte a uno de los policías villanos más memorables, un personaje intenso que infunde en el público un inmenso odio y desconfianza hacia él; Janet Leigh igualmente nos regala además de su belleza una convincente interpretación. Quien roba cámara es Marlene Dietrich con un personaje lleno de sensualidad, respeto y misterio.
La dirección de fotografía de Russel Metty es más que sobresaliente y catedrática, el manejo de la cámara logra tenernos como testigos de las acciones en la película, además que con una tonalidad de blanco y negro muy contrastante nos introduce al mundo de misterio y crimen sucio de aquel poblado.
La música de Henry Mancini es buena y nos remite a la música de los film-noir de finales de los cincuentas, como una mezcla de música de cabaret de la época, jazz e instrumentos de viento y percusión que le dan un entorno exuberante al criminal del filme, aunque podría decir que en ocasiones es algo ruidoso, por lo que este podría ser el defecto principal de esta cinta junto con el acento de Heston.
Es una película que recomiendo sin lugar a dudas y que motiva a seguir analizando la filmografía de este visionario autor.

Calificación:

¡Qué Verde era Mi Valle!: Cine Sobrevalorado.

Película: ¡Qué verde era mi valle! (How green was my valley, EUA, 1941)

Director: John Ford

Actores: Roddy McDowall, Walter Pidgeon, Maureen O'Hara, Anna Lee, Donald Crisp, Sara Allgood.

Crítica: Es una película bonita y con buenas intenciones, aunque creo que no es la grandiosa película que alardea la Academia.

La historia del filme esta contada a través de Huw Morgan, quien nos narra las vivencias de él y su familia en un valle de Gales en el siglo XIX, en donde la principal actividad laboral era la minería. La vida de Huw, la de su familia y del valle va pasando por varias desgracias, en las que la nostalgia de aquel valle verde se desarrollará en todos ellos.

En este filme, basado en la novela homónima de Richard Llewellyn y escrito por Philip Dunne, John Wayne realiza una película con una manufactura técnica muy bonita, una historia con unos personajes muy bien delineados, un análisis interesante de la familia tradicional y lo que a mí me llamó más la atención que fue que estuviera contada a través de un niño una historia de adultos; pero también tiene para mí puntos fuertes negativos como que algunas escenas tienen demasiada parafernalia en el aspecto musical que se le disminuye credibilidad, y el otro punto es que yo no le encontré una ideología concreta en la que se base el filme, pues en ratos se ve totalmente socialista y en otros extremadamente capitalista, cosa que en lo particular no provoca una concreta conclusión ideológica en cuanto al filme.

Las actuaciones son la base para que el filme hubiera logrado mayor interés por mi parte pues cada uno de los personajes del reparto principal realizan un estupendo papel, aunque el guión disminuyó en ellos un poco su resolución final. Del cast destacaría a Roddy McDowall por su edad y la credibilidad que le imprimió al personaje protagonista, a Walter Pidgeon, Donald Crisp, Sara Allgood.

La fotografía de Arthur C. Miller es lo mejor de la cinta, tiene muy buenos planos-secuencia y movimientos de cámara que junto con todos los espacios utilizados en la producción le dan el lado bello al filme.

La música de Alfred Newman es bonita pero creo que le pertenece más a una película tipo Blancanieves que a un drama.

Así pues creo que pudo ser un drama mejor llevado sin tanta exageración musical ni moralina empalagosa y con una ideología política concreta para así poder ser llamada Clásico, cosa que yo no la considero. Creo que desde ahí se nota lo irregular que ha sido la Academia al momento de elegir un ganador pues dos películas mucho mejores tenían más derecho que esta de ganar a Mejor Película como El Halcón Maltés o Ciudadano Kane. En lo particular me parece una buena película rescatada en el aspecto visual y el histriónico de su reparto, pero que al final resulta no ser memorable.

Calificación:

Rebelde sin Causa: El adolescente de la posguerra.

Película: Rebelde sin Causa (Rebel Whitout a Cause, EUA, 1955)
Director: Nicholas Ray
Actores: James Dean, Natalie Wood, Sal Mineo, Jim Backus, Ann Doran, Corey Allen, Dennis Hopper.

Crítica: El gran clásico de Hollywood que originó el mito de James Dean es una película de la que esperaría más por todos sus comentarios, aunque no hay que negar su excelente manufactura.
Jim Stark (James Dean) es el chico nuevo de la ciudad, sus padres se acaban de mudar ahí por los líos en los que se mete él. Ahora Jim tiene la difícil tarea de acoplarse a una nueva ciudad con nueva gente y tener nuevos amigos, aunque las circunstancias son algo adversas pues para lograrlo deberá pasar por una serie de riesgos que pondrán en juicio su estancia ahí y en peligro su vida.
Basandose en el libro Rebel Without A Cause: The Hypnoanalysis of a Criminal Psychopath del psiquiatra Robert M. Lindner; Stewart Stern, Irving Shulman y Nicholas Ray escriben, y este último dirige una película con un interesante análisis a la adolescencia, una gran época pero en la que la identidad y los sentimientos son puestos a prueba más de una vez y algunas con consecuencias más que peligrosas y que en esa época fue una etapa muy difícil por los cambios de ideas sucedidos en los cuales no concordaban entre padres e hijos provocando fuertes problemas en los jóvenes. El filme en sí es excelente y contiene escenas magistrales como la del duelo de autos el cual es una combinación de acción y suspenso magníficos, aunque creo que el título del filme da a desear algo más impactante que lo mostrado en la película. Lo interesante de esta película es que actualmente no se podría decir que su temática esta pasada de moda y por eso todo el éxito que se le ha rodeado aunque creo que se le ha exagerado un poco más.

Las actuaciones son impecables en general: James Dean, en el segundo y penúltimo filme que protagonizaría (una película más tarde ya no se encontraba entre nosotros pues murió en un accidente al terminar Gigante) realiza una interpretación magnífica, pues logra sintetizar ese joven con una complejidad psicológica entre si seguir sus ideales o los de los estereotipos. Natalie Wood realiza igualmente un muy buen papel que posee los mismos dilemas que Jim. Pero el que se lleva las palmas en actuación es Sal Mineo con un personaje de lo más intenso, y que lo logró materializar. También vale destacar a Corey Allen y Dennis Hopper.
La fotografía de Ernest Haller es muy bien llevada, realiza tomas con muy buenos ángulos y movimientos y un warnercolor muy bueno para la época. Tiene varias escenas que son cátedra de fotografía cinematográfica, aunque es lógico que el mismo fotógrafo de Lo que el viento se llevó realice excelentes trabajos.
La música de Leonard Rosenman es buena, aunque no muy destacable pues es prácticamente las mismas composiciones para toda la película.
Es un excelente filme que definitivamente recomiendo, sin embargo, la considero un poco sobrevalorada.

Calificación:

¡Primer Aniversario de La Zona Cine!

El 21 de septiembre de 2009 con curiosidad y algo de presión escolar por crear un blog llevaron a la realización de esta página web. Con poco tiempo me fue gustando más postear y transmitirles mis conocimientos en este arte que amamos: El Cine. Ahora, con un año cumplido en el que se crearon 211 entradas (incluyendo esta) me gustaría agradecer a todos los seguidores que ha tenido esta página, no sólo los seguidores públicos sino a todos los que han cooperado en la evolución de este blog con sus comentarios, votos y lecturas. Espero que sea el primer de muchos festejos de este blog. Este festejo es por, con y para ustedes. Si tienen alguna sugerencia para mejorarlo recuerden que pueden decirlo y su opinión será tomada en cuenta.

¡Feliz Cumpleaños La Zona Cine!