Las Noticias de la Semana (21-27 febrero)

Información sobre la Quinta Muestra de Cine de Horror Aurora

La muestra de cine de horror Aurora, con sede en la bella ciudad de Guanajuato, México en su quinto año tendrá como país principal para la muestra a Inglaterra, informaron los organizadores de la muestra este jueves durante una conferencia de prensa en el Cineclub de Guanajuato. Entre las cintas que veremos destacan La Leyenda de la Casa del Infierno (John Hough, 1973), Hellraiser (Clive Barker, 1987), Repulsión (Roman Polanski, 1965), El Culto Siniestro (Robin Hardy), un día se presentarán tres de las más importantes cintas de Alfred Hitchcock (La Ventana Indiscreta, Los Pajaros y El Inquilino), entre otras. Entre las sedes más importantes se encontrarán el Museo del Pueblo, las Catacumbas del Mesón de San Antonio y el Panteón de la Iglesia de San Sebastían; además la muestra presentará el tradicional concurso de cortometrajes de terror y será la primera ocasión que abran un concurso de Cuento de Terror para estudiantes de la Universidad de Guanajuato. La muestra estará del 8 al 13 de marzo y La Zona Cine estará ahí.

La Cinta Blanca (Das Weisse Band) gana el ASC Award.

La cinta La Cinta Blanca (Das Weisse Band) de Michael Haneke ganó el ASC Award, el mayor reconocimiento para los cinefotógrafos, premiando a la mejor dirección de fotografía del 2009. Christian Berger (director de fotografía de La Cinta Blanca) recibió este premio que le dá la posibilidad de ganar el oscar en ese rubro compitiendo contra Avatar, Bastardos sin Gloria, Zona de Miedo y Harry Potter y el Misterio del Príncipe.

Cines europeos boicotean a Alicia en el País de las Maravillas.

Algunas cadenas de cine europeas planean no estrenar la cinta Alicia en el País de las Maravillas de Tim Burton debido a que Walt Disney notificó que la película saldrá en DVD y Blu-Ray tres meses después del 5 de Marzo (En junio), un mes menos del tiempo normal (4 meses). Las cadenas de cine sostienen que esto disminuira el tiempo en cartelera de la cinta. Esto podría afectar a lo obtenido en taquilla por parte de la cinta.

David S. Goyer escribirá The Man of Steel.

David S. Goyer, escritor de la impresionante Batman Inicia (Christopher Nolan) y la próxima cinta del hombre murcielago, aunque director de la mala La Profesía del No Nacido (2009), escribirá el guión de The Man of Steel, la reinvención del personaje de Superman, que ante el mal recibimiento de Superman Regresa (Bryan Singer, 2006), los estudios Warner planean que el superheroe tenga la misma calidad y recibimiento por parte de la crítica y el público como la saga de Batman de Christopher Nolan, por lo que creen que el guión de Goyer y la supervisión de Nolan. Aún no se sabe quién dirigirá esta cinta, pero lo que si sabemos es que no será Bryan Singer y que Brandon Routh no interpretará al Hombre de Acero.

Avatar es la película más taquillera de la historia de México.

La nueva cinta de James Cameron, que ya es la cinta más taquillera del mundo, se convirtió esta semana en la más taquillera de México reuniendo una recaudación de más de 547 millones de pesos (algo así como 46 millones de pesos), superando a La Era de Hielo 3 por tres millones de pesos.

Trailers: Alicia en El País de las Maravillas.

Ahora, iniciamos con los trailers de los estrenos más relevantes del 2010. Iniciamos con la última cinta de Tim Burton en la que se retoma el clásico de Lewis Carrol con la visión burtoniana. Se imaginan eso. Con ustedes el trailer de Alicia en el País de las Maravillas de Tim Burton con Mia Wasikowska, Johnny Depp, Anne Hathaway y Helena Bonham Carter.



Se estrena el 5 de marzo en Estados Unidos y México; en España en Abril.

El presidente de la república paseando a caballo en Chapultepec: La Primer Película Mexicana

En el video que les mostraré a continuación se presenta la primer película filmada en México, data de 1896 y está dirigida por Gabriel Veyre quien sugirió realizar este ejercicio cinematográfico cuando él vino a presentar el cinematografo a México de parte de los Hermanos Lumiere. Al ver Porfirio Díaz (presidente de México en ese entonces) la magia del cinematógrafo aceptó la propuesta de salir al bosque de Chapultepec y pasear mientras era filmado por Veyre, dando como resultado el inicio de la cinematografía nacional, en una época en la que el afrancesamiento era latente. Durante los siguientes meses Veyre filmó varias películas sobre México, sus ciudades y sus personajes (sobre todo Porfirio Díaz). También vale la pena comentar que México fue el primer país de América en hacer uso del cinematográfo como tal. Este video muestra la pequeña primer película mexicana (sólo dura 30 segundos).



Fuente:
Jesús Antonio Borja Pérez y cinemexicano.mty.itesm.mx

El Divo: Retratos del Poder

Película: El Divo (Il Divo, Italia-Francia, 2008)

Director: Paolo Sorrentino.
Actores: Toni Servillo, Anna Bonaiuto, Carlo Buccirosso, Massimo Popolizio, Giorgio Colangeli.

Esta es la primera vez que entro a una sala sin conocer de que trataba la cinta, sólo sabía que se había llevado el Premio del Jurado en el Festival de Cannes en 2008 y una nominación al oscar por Mejor Maquillaje, pero me lleve una grata sorpresa viendo esta muy buena cinta.
Il Divo retrata la vida política del varias veces primer ministro de Italia Giulio Andreotti (Apodado por algunos como “El Divo”), perteneciente al Partido Democristiano, haciendo énfasis en sus negocios sucios con la Cosa Nostra (Mafia Siciliana) y la Iglesia Católica.
En un guión del también director Paolo Sorrentino se encuentra una historia muy bien estructurada, entretenida, sin censura, con una correcta crítica política y en ratos graciosa; contada con un estilo semejante al de las cintas de Tarantino y Scorsese y con un personaje muy misterioso como lo era Andreotti que en ocasiones nos recuerda a Vito Corleone (El Padrino). Además de esto Sorrentino dirige muy bien a los actores y haciendo un buen equilibrio narrativo y visual empleando de excelente manera los recursos técnicos pues tiene una estética visual deliciosa (además del tributo visual que le hace a Tarantino).

Las actuaciones son buenas, nada del otro mundo, salvo la interpretación de Toni Servillo como Andreotti quien además de lograr transformarse por medio del muy buen maquillaje (merecedor de nominación al Oscar) al real Guilio Andreotti, crea un personaje misterioso y como dije antes parecido a Vito Corleone y hasta al Conde Orlok de Nosferatu.
La música de Teho Teardo es buena y uniéndola con la música clásica y moderna adicional se da un buen soundtrack.
La fotografía de Luca Bigazzi es lo mejor técnico de la cinta, pues se emplean correctamente los ángulos y algunas escenas en cámara lenta para crear un ambiente criminal en la cinta.
En lo demás técnico esta bien, sobre todo el antes mencionado muy buen maquillaje de Aldo Signoretti y Vittorio Sodano.
En conclusión una interesante cinta que retrata el poder y sus consecuencias de excelente manera.

Calificación:

Preciosa: Una vida de peso.

Película: Preciosa (Precious, EUA, 2009)

Director: Lee Daniels
ctores: Gabourey Sidibe, Mo'Nique, Paula Patton, Mariah Carey, Lenny Kravitz.

Crítica: Es una cinta increíblemente dura, realista que nos muestra un mundo de marginación universal.
En Harlem en 1987, Clarice Precious Jones es una joven de 16 años que a pesar de contar con una muy pobre educación y poseer un excesivo sobrepeso, como todas sueña en ser una estrella. Al ser expulsada de la escuela (en la que realmente no aprende mucho) por estar por segunda ocasión embarazada, producto de las violaciones de su padre, tiene que buscar la forma de eliminar su analfabetismo y a su vez cargar con sus hijos en un contexto en el que su egoísta madre no se preocupa y abusa físicamente de ella.
La historia quizá parezca un poco difícil de creer pero por cegarse de la triste verdad que padecen muchas personas y que muchas veces sus voces son silenciadas. En un guión de Geoffrey Fletcher basado en la novela Push de Sapphire (una de las novelas más admiradas por el público afroamericano), Lee Daniels logra transmitir todos los sentimientos de la protagonista (soledad, violencia física, sexual y emocional y más problemas) creando un sentimiento profundo de repulsión hacia la deplorable vida de Precious y un odio hacia los padres por parte del público, con escenas muy bien hechas y llenas de carga emocional.

Las actuaciones no están nada mal, logran transmitir todos los sentimientos. Destaca Mo’Nique en un papel brutal (se merece el oscar) y que dan ganas de hacerle algo a su personaje (la madre de Precious), Gabourey Sidibe en su primera actuación en cine (de un casting de 400 adolescentes que debían estar obesas, un signo de soledad en su rostro y mucho talento resulto ella) tiene la posibilidad de consagrarse como una gran promesa, ya que ya firmó para tres filmes más. El demás casting está muy bien, sobre todo por el efectivo hecho que se cambiaron todos los roles que nos tienen acostumbrados el reparto (Mo’Nique normalmente hace comedia, es irreconocible Mariah Carey interpretando a una mujer muy fea, o qué dicen de ver a Lenny Kravitz de enfermero).
La música de Mario Grigorov con canciones con ritmos afroamericanos logran que lleguemos a el contexto social en el que vive Precious además de ser un interesante soundtrack.
La fotografía de Andrew Dunn es efectiva para crear el ambiente sombrio en el que habita la protagonista usando ángulos, luces y movimientos de cámara adecuados.
Los demás aspectos técnicos están bien para que resultara efectiva la realización de la cinta, destacando el montaje de Joe Klotz.
En conclusión es una cinta triste, no muy innovadora en el género dramático pero que puede despertar un cierto sentimiento y acción para las situaciones mostradas en la cinta. Deben verla. Una de las mejores cintas del año pasado.

Calificación:

Trono de Sangre: Derramando Poder

Película: Trono de Sangre (蜘蛛巣城 Kumonosu-jô, Japón, 1957)

Director: Akira Kurosawa.
Actores: Toshirô Mifune, Isuzu Yamada, Takashi Shimura, Akira Kubo, Chieko Naniwa.

Crítica: Es una gran cinta que nos sigue mostrando que Akira Kurosawa es uno de los mejores directores de la historia del cine japonés y del mundo.

En un Japón feudal, Washizu (Toshirô Mifune) y Miki (Akira Kubo) son dos guerreros que lograron la victoria para el reino del Castillo Telaraña. En su camino al castillo se pierden en un bosque donde encuentran a una bruja que le menciona a Washizu que el rey le dará una hacienda y posteriormente será el dueño del castillo y a Miki que lo ascenderán a un fuerte mayor al que dirigía y su hijo sucederá a Washizu como dueño del castillo. Los guerreros no le creen, pero cuando el rey los asciende como predijo la bruja una hambre de poder dominará a Washizu en búsqueda de llegar a ser el señor del castillo.

Akira Kurosawa nos muestra en un guión de él, Shinobu Hashimoto, Ryûzô Kikushima y Hideo Oguni quizá la mejor adaptación de Macbeth de William Shakespeare; adaptándolo a la sociedad japonesa de la época medieval conservando la esencia de la obra teatral inglesa. Es una gran historia, bien contada, con un ritmo muy bueno que cualquier película de aventuras y fantasía envidiaría, tiene un muy buen equilibrio de los aspectos técnicos y los narrativos, con unas actuaciones también bien dirigidas. Desde el inicio (el juego de nieblas es excelentemente aplicado desde el inicio al final) se muestran escenas impresionantemente bien hechas.

Las actuaciones principales también están muy bien equilibradas, Toshiro Mifume nos demuestra que también es uno de los mejores actores de la historia del cine japonés mostrando un personaje totalmente contrastante a algunos otros que hizo como en Barba Roja o Los Siete Samurai. Otra también muy buena actuación es la de Isuzu Yamada como la esposa de Washizu que llega a infundir miedo hacia su personaje.

La música de Masaru Satô, logra transportarnos perfectamente a la época y a la historia por medio de música tradicional japonesa junto con coros militares dándole un punto mayor a la cinta.

La dirección de fotografía de Asakazu Nakai tiene muy buenos ángulos y como dije antes el juego fotográfico con la niebla es excelente convirtiéndolo en un fuerte elemento narrativo.

Los aspectos técnicos en general son muy buenos, para su época tiene buenos efectos visuales, un buen maquillaje y un excelente diseño de producción y vestuario de Yoshirô Muraki, logrando una impecable efectividad visual.

En conclusión una película básica de la filmografía de Kurosawa, del cine japonés y una muy buena adaptación de Macbeth.

Calificación:

Premios 2009: Ganadores WGA Awards.

Este sabado se dieron a conocer los premios a los mejores guionistas cinematográficos del 2009. Estos premios son los que abren la brecha para que ganen los oscares en las categorías de Mejor Guión Original y Adaptado. Los guiones ganadores son:

-Guión original: Zona de Miedo (The Hurt Locker) (Mark Boal)

-Guión adaptado: Amor sin escalas (Jason Reitman, Sheldon Turner).
-Guión documental: The Cove (Mark Monroe)

Premios 2009: Ganadores Premios BAFTA

Este domingo se entregaron los Premios de la Academia Britanica (BAFTA); en una noche que se llevó Zona de Miedo (The Hurt Locker) con los premios más importantes. Los BAFTA no siempre tienen la misma opinion que los oscares, pero es una mayor probabilidad que los ganadores aquí también se lleven la estatuilla dorada. Aquí se encuentra la lista de ganadores:

-Mejor Película: Zona de Miedo (The Hurt Locker)

-Mejor película de no habla inglesa: Un prophète.
-Mejor Actor: Colin Firth (A Single Man).
-Mejor Actriz: Carey Mulligan (An Education).
-Mejor Actor de Reparto: Christoph Waltz (Bastardos sin Gloria).
-Mejor Actriz de Reparto: Mo’Nique (Precious)
-Mejor Director: Kathryn Bigelow (Zona de Miedo)
-Sobresaliente debut de un escritor británico, director o productor: Moon (Duncan Jones (Director))
-Mejor Guión Original: Zona de Miedo (Mark Boal)
-Mejor Guión Adaptado: Amor sin Escalas (Jason Reitman, Sheldon Turner)
-Mejor Dirección de Fotografía: Zona de Miedo (Barry Ackroyd)
-Mejor Diseño de Vestuario: The Young Victoria (Sandy Powell)
-Mejor Sonido: Zona de Miedo
-Mejor Edición: Zona de Miedo (Bob Murawski, Chris Innis)
-Mejores Efectos Especiales Visuales: Avatar.
-Mejor Música: Up (Michael Giacchino)
-Mejor Cortometraje: I Do Air (James Bolton, Martina Amati)
-Mejor Corto Animado: Mother of Many (Sally Arthur, Emma Lazenby)
-Mejor Película Animada: Up (Pete Docter)
-Mejor Diseño de Producción: Avatar (Robert Stromberg, Kim Sinclair)
-Mejor Maquillaje y Peluqueria: The Young Victoria (Jenny Shircore)
-Mejor Película Británica: Fish Tank
-Estrella Revelación del Año: Kristen Stewart

Las Noticias de la Semana: Scorsese y sus próximos proyectos.

Esta semana quien se llevó las noticias importantes de cine fue Martin Scorsese quien causo controversia en Berlín hablando de sus próximos proyectos. Algunas noticias sobre ellos fueron estas:

¿Scorsese y Lars Von Trier revisitarán Taxi Driver?

En la Berlinale, Scorsese manifestó su deseo sobre visitar de nuevo a Travis Bickle (interpretado por Robert De Niro), personaje protagonista de su principal obra maestra Taxi Driver (1976); esta vez se buscaría que Lars Von Trier y él le apliquen una nueva visión a la película de los setentas, considerada como la mejor película sobre las crisis existensiales. Aún es un rumor esto, pero esto ha dado a entender a la posibilidad de un remake o una secuela. En lo particular no me agrada mucho la idea, veremos que sucede en un futuro.

Leonardo DiCaprio interpretará a Frank Sinatra.

Hace un tiempo Scorsese había manifestado interés por llevar al cine la vida del cantante Frank Sinatra. En Berlín confirmó que sí se realizará esa cinta y que Leonardo DiCaprio interpretará al famoso cantante de "New York, New York". Sobre el proyecto también se mencionó que la voz de Sinatra estará cuando DiCaprio "cante" sus melodías.

Robert De Niro volverá a trabajar con Scorsese.

Otro de los próximos proyectos en los que Scorsese mencionó trabajará se habla de una cinta de mafía más del director (su fuerte) y que Robert De Niro (con quien anteriormente colaboró en ocho ocasiones) podría volver a trabajar con él.  En este proyecto podrían participar tanto De Niro como DiCaprio, los actores que más han colaborado con él.

Festivales 2010: Festival Internacional de Cine de Berlín (Berlinale) 2010

La Berlinale es uno de los festivales de cine más importantes, con cada año grandes películas inundan las salas de Berlín. Este año según la crítica no fue la excepción y se mostraron excelentes cintas. Entre lo más sonado fue el estreno de The Ghost Writer de Roman Polanski, aplaudida en su totalidad y que le otorgó mayor impacto lo sucedido con el famoso director (Que actualmente se encuentra bajo arresto domiciliari); otro importante evento fue el estreno de La Isla Siniestra de Martin Scorsese. El evento que más interesó al público mexicano fue la premier de Revolución, cinta al estilo de Paris Te Amo dirigida por 10 de los mejores directores mexicanos, entre ellos Gerardo Naranjo, Rodrigo Plá, Amat Escalante, Gael Garcia, Mariana Chenillo y más. El día de hoy se entregaron los premios a lo mejor del festival, aquí está la lista de ganadores:

-Oso de Oro: Bal (Semih Kaplanoglu).
-Gran premio del Jurado: If I Want To Whistle, I Whistle (Florin Serban).
-Oso de Plata al Mejor Director: Roman Polanski (The Ghost Writer).
-Oso de Plata al mejor actor: Grigori Dobrygin y Sergei Puskepalis (How I Ended This Summer).
-Oso de Plata a la mejor actriz: Shinobu Terajima (Caterpillar).
-Oso de Plata a la Mejor Contribución Artística o Técnica: Pavel Kostomarov (Dirección de fotografía de How I Ended This Summer).
-Oso de Plata al mejor guión: Wang Quan’an y Na Jin (Tuan Yuan)
-Premio Alfred Bauer: If I Want to Whistle, I Whistle (Florin Serban).
-Premio FIPRESCI
· Sección oficial: En Familie (Pernille Fischer Christensen).
· Panorama: Parade (Isao Yukisada).
· Forum: El Vuelo del Cangrejo (Oscar Ruíz Navia).

Esta es la noticia de la semana.

Amor sin Escalas: El Vuelo Aleccionador.

Película: Amor sin Escalas (Up in the Air, EUA, 2009)

Director: Jason Reitman

Actores: George Clooney, Vera Farmiga, Anna Kendrick, Jason Bateman, Amy Morton, Melanie Lynskey.

Crítica: Es una excelente película que plantea de manera estupenda las relaciones sociales, la soledad y el real camino de la vida.

Ryan Bingham es un exitoso conferencista y trabajador en una empresa dedicada a despedir gente; acarreándole ambos empleos la necesidad de volar la mayor parte del año. Para Ryan su vida se encuentra en el cielo y los aeropuertos, manteniéndose siempre en movimiento sin pensar en alguien más (dígase esposa o hijos); pero cuando conoce en uno de sus viaje a Alex (Vera Farmiga) y cuando la joven Natalie Keener (Anna Kendrick) comienza a trabajar en su empresa la vida le jugara una serie de cuestiones que deberá resolver aunque cambie su estilo de vida.

Jason Reitman escribe (junto a Sheldon Turner basándose en la novela homónima de Walter Kirn) y dirige una muy buena cinta reflexionadota con el contexto de la crisis económica que pondrá a pensar al espectador en lo que realmente piensan de la vida y si están tomando el camino correcto, por medio de un excelentemente bien hecho guión, un buen ritmo desde los grandiosos créditos (me recordaron a Saul Bass), una excelente mezcla entre drama y comedia, una buena dirección de actores y extras y el buen uso de escenas documentales que hablan sobre el desempleo y demás situaciones.

Las actuaciones principales están muy equilibradas mereciéndose una justa nominación para los premios más importantes (Oscares, Globos de Oro, SAG Awards) para George Clooney, Vera Farmiga y Anna Kendrick. Los tres lo hacen excelente, los dos primeros demostrando que su carrera ha rendido frutos y a Kendrick de que su terreno actoral está en los papeles serios (y no en cosas como Crepúsculo). Los demás actores lo hacen también muy convincente.

La fotografía de Eric Steelberg no es la gran cosa pero no está nada mal, usando ángulos correctos y destacando los colores azul y blanco para la mayoría de las escenas.

La música de Rolfe Kent queda muy bien adaptada a las situaciones mostradas en la cinta, además de ser una música un poco alejada de las orquestaciones normales de una cinta del tipo.

Los demás aspectos técnicos son eficaces para lo que se buscaba mostrar en la pantalla.

En conclusión una excelente película sobria que dejará algo a pensar en el espectador.

Calificación:

Premios 2009: Ganadores ACE Eddie Awards

El día de ayer se entregaron los premios del Sindicato de Editores de América, en donde The Hurt Locker cada vez obtiene más liderato en las premiaciones, convirtiendose ahora en el favorito a llevarse la estatuilla dorada por Mejor Edición. Aquí se muestran los ganadores de todas las categorías:
-Mejor Edición en Película Dramática: The Hurt Locker (Bob Murawski, Chris Innis)
-Mejor Edición en Película Comedia o Musical: ¿Qué Pasó ayer? (Debra Neil-Fisher)
-Mejor Edición en Película Animada: Up: Una Aventura de Altura (Kevin Nolting)

-Mejor Edición Documental: The Cove (Geoffrey Richman)

Premios 2009: Ganadores Premios Goya

Esta tarde (noche en Madrid) se dió entrega de los Premios Goya, que premian a lo mejor del cine. En esta ocasión la cinta que se llevó los premios principales fue Celda 211 de Daniel Monzón quien gano en total 8, la segunda con más reconocimientos fue Agora (Alejandro Amenabar) con 7, en una gala que quiza haga historia por la aparición de Almodovar en la premiación (donde se reconcilia con la Academia Española). Aquí los ganadores:

-Mejor película: Celda 211
-Mejor dirección: Daniel Monzón (Celda 211)
-Mejor actor protagonista: Luis Tosar (Celda 211)
-Mejor actriz protagonista: Lola Dueñas (Yo, también)
-Mejor actor de reparto: Raúl Arévalo (Gordos)
-Mejor actriz de reparto: Marta Etura (Celda 211)
-Mejor actor revelación: Alberto Ammánn (Celda 211)
-Mejor actriz revelación: Soledad Villaamil (El secreto de su ojos)
-Mejor dirección novel: Mar Coll (Tres días con la familia)
-Mejor guión original: Mateo Gil y Alejandro Amenábar (Ágora)
-Mejor guíon adaptado: Daniel Monzón y Jorge Garricaechevarría (Celda 211)
-Mejor montaje: Mapa Pastor (Celda 211)
-Mejor música original: Alberto Iglesias (Los abrazos rotos)
-Mejor canción original: Yo también (Yo, también), de Guille Milkyway.
-Mejores efectos especiales: Cris Reynolds y Félix Bergés por (Ágora)
-Mejor diseño de vestuario: Gabriella Pescucci (Ágora)
-Mejor maquillaje y peluquería: Jan Sevell, Susan Suzann y Stokes-Muntón, por (Ágora)
-Mejor dirección artística: Guy Hendrix Dyas (Ágora)
-Mejor dirección de producción: José Luis Escolar (Ágora)
-Mejor fotografía: Xavi Giménez (Ágora)
-Mejor sonido: Sergio Burmann, Jaime Fernández y Carlos Farauolo (Celda 211)
-Mejor película de animación: Planet 51
-Mejor cortometraje de animación: La dama y la muerte
-Mejor cortometraje de ficción: Díme que yo
-Mejor documental: Garbo, el hombre que salvó el mundo
-Mejor película hispanoamericana: El secreto de sus ojos
-Mejor película europea: Slumdog Millionaire

Los Siete Samurai: Importante verla.

Película: Los Siete Samurai (七人の侍 Shichinin no samurai, Japón, 1954)

Director: Akira Kurosawa
Actores: Takashi Shimura, Toshiro Mifune, Daisuke Kato, Ko Kimura, Minuro Chiaki, Seiji Miyaguchi, Yoshio Inaba, Keiko Tsushima.

Crítica: Es una impresionante obra maestra, una cinta clave para el cine japonés y para la forma de hacer cine contada por el maestro Akira Kurosawa.
Una aldea japonesa del siglo XVI es constantemente atacada por unos bandidos que les quitan sus cosechas, dejándolos en la miseria y sin comer. Cuando los pobladores de la aldea conocen que pronto los 40 bandidos volverán a atacarlos deciden que deben enfrentarlos, pero ellos solo son unos campesinos y sólo samurais podrían defenderlos. El primer guerrero que accede a sus deseos es Kanbei (Takashi Shimura), quien ayuda a encontrar a los 6 faltantes para lograr deshacerse de aquellos criminales.
Akira Kurosawa, en un guión de él mismo, Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni crean una gran historia de aventuras, acción, romance, y ciertas dosis de comedia con el personaje Kikuchiyo (Toshiro Mifune); que aunque dura 3 horas y media ese tiempo “se pasa volando”, pues a la vez de ser entretenida esta perfectamente hecha, contada de una manera espectacular y con un muy buen desarrollo de los personajes. Además, Akira Kurosawa trata de forma discreta temas como la pobreza, la desigualdad, y conoce muy bien la temática samurai (tomando en cuenta que es descendiente de una línea de antiguos samurais), creando una de las obras principales de la cinematografía japonesa.

Las actuaciones son muy buenas, destacando Takashi Shimura con un gran personaje, también hace una muy buena actuación Toshiro Mifune con un personaje con muchos matices, a pesar de ser sangriento tiene un gran sentido del humor.
La música de Fumio Hayasaka es muy buena, con una combinación de lo tradicional con lo moderno (los 50’s), ya que se oyen desde temas clásicos de una cinta de la época, canciones con coros, instrumentos usados en la época de la cinta (siglo XVI), y hasta en algunas piezas se escucha algo parecido a Jazz. Es una banda sonora muy efectiva.
La fotografía de Asakazu Nakai es exquisita, pues se filmaron correctamente todos los ángulos, usando el movimiento adecuadamente, a la vez de escenas sin movimiento, y con un blanco y negro que ayuda a adentrarnos más en la historia, pues empieza con un tono grisáceo y termina igual.
El vestuario de Kôhei Ezaki y Mieko Yamaguchi y el diseño de producción de Hiroshi Nezu son dos aspectos también muy importantes pues se logra transportar al espectador a la época de la cinta.
Es como dije antes una pieza fundamental en la historia del cine japonés y mundial, pues de esta trama han salido títulos como Los Siete Magnificos (remake estadounidense), y hasta la cinta Bichos comparte características de la película, y muchas cintas de aventuras y acción tienen ciertas influencias de esta obra maestra que seguirá trascendiendo como un gran clásico.

Calificación:

Las Noticias de la Semana: Batman 3 confirmada e inicio de la Berlinale

En esta sección diremos las noticias de la semana que no correspondan a premiaciones. Hablaremos de los sucesos que marcarán al cine en el futuro aunque este muy próximo este. Aquí estan las noticias de la semana del 7 al 13 de febrero.

Batman 3 Confirmada

De acuerdo a una serie de entrevistas del New York Times a Jeff Robinov (presidente de Warner Bros.) y a Christopher Nolan, se confirmó por parte de ambos que ya se esta trabajando en la preproducción de la tercera parte del hombre murcielago. El guión de la tercer cinta de la saga de Batman de Christopher Nolan está siendo escrita por David S. Goyer, Jonathan Nolan y Christopher. Aún no hay información exacta de la trama de esta secuela de la aclamada Batman: El Caballero de la Noche, pero se mencionó que la cinta podría llegar a la pantalla grande en verano del 2011 y que Christian Bale, Michael Caine, Gary Oldman y Morgan Freeman repetirán sus papeles. Siguiendo hablando de Nolan, éste director supervisará la realización de la próxima película de Superman, a fin de que sea de la misma calidad con la que se realizo Batman Begins y El Caballero de la Noche.

Inicio de la Berlinale

La 60a edición del Festival Internacional de Cine de Berlin, conocido como la Berlinale, inció actividades el 10 de febrero y ya se hablan de grandes obras como Tuan Yuan de Wang Quan'an que abrió el festival, The Ghost Writer de Roman Polanski que cautivó a la crítica del festival aunado al acontecimiento del arresto de Polanski (que actualmente se encuentra en arresto domiciliario), Howl de Rob Epstein y Jeffrey Friedman que ha sido considerada como estupenda. También uno de los grandes eventos fue el estreno internacional de La Isla Siniestra de Martin Scorsese el día de hoy. En unos días más se proyectará la edición de Metrópolis encontrada hace un año en Buenos Aires y que contiene material nunca antes visto. El festival termina el 21.

Trailers: Algunas fuertes contendientes en la temporada de premios. Vol. 5

Con este último volumen de la serie de trailers que van como favoritas de muchos en la temporada de premios, les mostramos los trailers de dos películas hollywoodenses y una extranjeras.


Un Hombre Serio (A Serious Man, EUA, 2009) de los Hermanos Coen (Sin Lugar para los Débiles)


Nine (EUA, 2009) de Rob Marshal (Chicago)


La Teta Asustada (Perú, 2009) de Claudia Llosa

El Resplandor: Chorros de Sangre y Locura

Película: El Resplandor (The Shining, EUA-Inglaterra, 1980)

Director: Stanley Kubrick
Actores: Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd, Scatman Crothers, Philip Stone.

Crítica: A esta cinta, me aventuro a decir que es junto con El Exorcista (William Friedkin, 1973) la mejor película de terror de todos los tiempos, por su perfecta realización y porque no ha dejado de provocar gritos e imágenes pesadillescas en el público.
Jack Torrance (Jack Nicholson) es un escritor que es contratado para cuidar el Hotel Overlook durante el invierno, tiempo en el que es cerrado el lugar. El hijo de Jack, Danny (Danny Lloyd) posee un poder sobrenatural que le dice que no es buena idea el nuevo trabajo de papi, aunque no lo manifiesta. Así, Jack se muda junto con su esposa Wendy (Shelley Duvall) y Danny al hotel para que vivan en él cinco solitarios y nevados meses. Con el tiempo una fuerza extraña en el hotel afectará a la familia que tendrá consecuencias graves.
Stanley Kubrick fue un director que todo lo que tocaba lo convertía en oro, pues logró, en un guión de él y Diane Johnson superar a la obra del famoso escritor del género Stephen King, mostrando una historia terrorífica, con una increíble evolución psicológica de los personajes quienes logran transmitirnos sus sentimientos en la pantalla por medio de una increíble dirección de actores por parte de Kubrick y un muy buen cast logrando que nos den escalofríos con tan grandes escenas. Este fue la primer y única incursión de Kubrick al cine de terror y como siempre la convirtió en esencial del género. Kubrick siguió con su estilo de crítica social, una estética muy formal, y su obsesión para que las escenas quedaran realistas infundió una psicosis en los personajes haciendo que repitieran las escenas hasta que lograran transmitir miedo y locura, además de dejarnos una secuencia de créditos memorable y uno de los finales más perturbadores de todos los tiempos.

Las actuaciones como dije antes son fenomenales y son el mejor trabajo de su filmografía. Jack Nicholson explota todas sus capacidades actorales dando como resultado uno de los más psicóticos y violentos personajes de la historia del cine, así como una de las frases más famosas (Heeere is Johnny!!), Shelley Duvall, Danny Lloyd, Scatman Crothers brindan también una magnifica actuación.
La música de Wendy Carlos (quien también musicalizó Naranja Mecánica) y Rachel Elkind también favorece a enloquecer a los espectadores y a musicalizar el ambiente con una banda sonora de lo más psicodélica y sugestionante.
Otro gran aspecto del filme (y en general de las cintas de Kubrick) es la brillante dirección de fotografía de John Alcott (quien colaboró con Kubrick en 4 ocasiones), quien motivado por Kubrick fue uno de los precursores del uso en cine del Steadicam mostrándonos encuadres largos, con una gran movilidad, y muy bien realizados.
Los demás aspectos técnicos son buenos, sobre todo el también impactante montaje de Ray Lovejoy (quien colaboró también con Kubrick en 2001: Odisea del Espacio), que une muy bien las escenas.
En síntesis una sádica y perfecta cinta que impacta a todo aquel que la vea. ¡¡¡¡Redrum!!!!

Calificación:

Premios 2009: Nominaciones Premios Ariel.

Esta mañana se han dado a conocer las nominaciones a los premios Ariel, otorgados por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, en la que se gratifica a lo mejor del cine mexicano, en esta ocasión a las mejores películas mexicanas estrenadas en 2009 al menos en festivales. En su 52° edición, la más nominada es la aclamada 5 días sin Nora de Mariana Chenillo, alcanzando 11 nominaciones incluidas las nominaciones principales. Esta es la lista completa de nominados:

-Mejor Película: 5 días sin Nora, Corazón del Tiempo, Norteado.
-Mejor Dirección: Carlos Carrera (Blackyard, el traspatio), Mariana Chenillo (5 días sin Nora), Alberto Cortés (Corazón del Tiempo)
-Mejor Actor: Fernando Luján (5 días sin Nora), Silverio Palacios (Conozca la cabeza de Juan Pérez), Harold Torres (Norteado)
-Mejor Actríz: Azur Zágada (Blackyard, el traspatio), Paulina Gaytán (Cosas insignificantes), Teresa Ruiz (Viaje Redondo)
-Mejor Coactuación Masculina: Ivan Cortés (Blackyard, el traspatio), Enrique Arreola (5 días sin Nora), José Sefami (Conozca la Cabeza de Juan Pérez), Rodrigo Corea (Oveja Negra).
-Mejor Coactuación Femenina: Angelica Peláez (5 días sin Nora), Verónica Langer (5 días sin Nora), Sonia Couoh (Norteado).
-Mejor Guión Original: Mariana Chenillo (5 días sin Nora), Hermann Bellinghausen y Alberto Cortés (Corazón del tiempo), Edgar San Juan Rigoberto Perezcano (Norteado), Enrique Rivero (Parque Vía)
-Mejor Fotografía: Martín Boege y Everardo González (Blackyard, el traspatio), Marc Bellver (Corazón del Tiempo), Alejandro Cantú (Norteado).
-Mejor Edición: Oscar Figueroa y Mariana Chenillo (5 días sin Nora), Miguel Schverdfinger (Norteado), Joaquín Martí (Oveja Negra), Javier Ruiz y Enrique Rivero (Parque Vía).
-Mejor Música Original: Roque Baños (Amor, dolor y viceversa), Darío González Valderrama (5 días sin Nora), Steven Brown (El Informe Toledo).
-Mejor Sonido: Blackyard, el traspatio, Norteado, Parque Vía.
-Mejor Diseño de Arte: Gloria Carrasco y Lizette Ponce (Blackyard, el traspatio), Ana Solares (Corazón del Tiempo), Ivonne Fuentes (Norteado).
-Mejor Vestuario: Mariestella Fernández (Blackyard, el traspatio), Josefina Echecerría (Conozca la Cabeza de Juan Pérez), Laura García de la Mora (Espiral).
-Mejor Maquillaje: Mario Zarazúa y Alfredo Mora (5 días sin Nora), Elvia Romero (Espiral), Mari Paz Robles (Norteado).
-Mejores Efectos Visuales: Gretel (Conozca la Cabeza de Juan Pérez), Stephan Kosinski (Los Bastardos).
-Mejores Efectos Especiales: Alejandro Vázquez (Blackyard, el traspatio), Daniel Cordero (Conozca la Cabeza de Juan Pérez), Stephan Kosinski (Los Bastardos).
-Mejor Ópera Prima: 5 días sin Nora, Conozca la cabeza de Juan Pérez, Norteado.
-Mejor Largometraje Documental: El Viaje del Cometa, Flores para el soldado, Rehje.
-Mejor Cortometraje Ficción: El Horno, La Canción de los Niños Muertos, Los trashumantes.
-Mejor Cortometraje Animado: El Armadillo Fronterizo, Jaulas.
-Mejor Película Hiberoamericana: El Secreto de sus ojos, La Teta Asustada, La nana

Pequeña Miss Sunshine: Los perdedores ganan.

Película: Pequeña Miss Sunshine (Little Miss Sunshine, EUA, 2006)

Directores: Jonathan Dayton y Valerie Faris.
Actores: Abigail Breslin, Greg Kinnear, Toni Collette, Alan Arkin, Steve Carell, Paul Dano.

Crítica: Es una excelente cinta con una fina reflexión sobre la familia, el triunfo, la vanidad y la superación.

Pequeña Miss Sunshine nos muestra a la familia Hoover: Richard (Greg Kinnear), un hombre obsesionado por la victoria como principal meta en la vida y que odia a los perdedores; Sheryl (Toni Collette), una madre preocupada por el bienestar de su familia; el abuelo Edwin Hoover (Alan Arkin), veterano de la guerra que ve sus ultimos días para disfrutarlos viviendo de los excesos; Frank, el hermano de Sheryl (Steve Carell), un escritor que se intenta suicidar porque su pareja lo deja; Dwayne (Paul Dano), fanático de Nietzsche que hace un voto de silencio para entrar en la Fuerza Aerea; y Olive (Abigail Breslin), una niñita que quiere ser ganadora de un concurso de belleza infantil. Cuando Olive es convocada al certamen de la Pequeña Miss Sunshine, toda la familia se dirige hacia el concurso en una combi amarilla que les llevará a mostrarles su destino en la vida.

Jonathan Dayton y Valerie Faris nos dan una gran cinta bien hecha escrita por Michael Arndt, quien realizó un impresionante guión en el cual se describen perfectamente a los personajes (con sólo 10 minutos de cinta ya conocemos a los personajes) y su lucha personal por sobrevivir en un mundo vanal donde se piensa que la victoria y un buen físico es el camino para vivir bien; el guión y la película son la perfecta crítica de la sociedad estadounidense (y a los concursos de belleza) actual por medio de una de las familias más disfuncionales de la historia del cine. Volviendo a la dirección, Dayton y Faris manejan muy bien el guión terminando con una cinta con un buen ritmo y una estupenda dirección de actores, sin embargo, técnicamente, la cinta se nota con un fuertísimo estilo televisivo, haciendo que parezca más un telefilm que una cinta de 35 mm.

El reparto es después del guión lo mejor de la cinta, se notan muy reales en sus papeles a pesar que cada personaje representa un mal en la sociedad, aunque destaca claramente (y que por su actuación obtuvo el oscar) Alan Arkin en un personaje amado y odiado a la vez.

La música está muy bien para el ambiente y el contexto del filme, equilibrándose bien la banda sonora original de Mychael Danna y la adicional en la que destaca el grupo DeVotchKa.

La fotografía de Tim Suhrstedt esta bien para la televisión, porque le faltan algunos encuadres clave cinematográficos, aunque tomemos en cuenta que su mayor participación ha sido en la televisión, pero es un buen trabajo, destacando el uso del color amarillo para la mayoría del filme.
Los demás aspectos técnicos como dije antes tienen estructura de serie de televisión, y eso le resta puntos a esta cinta, que con una dirección y técnicos meramente cinematográficos hubiera dado una obra maestra como resultado. Aun así es una gran tragicomedia que puede reflejarse en la vida de muchas personas.

Calificación:

Videotributos: Martin Scorsese (Y trailer de La Isla Siniestra).

Este gran director es uno de los más influyentes y admirados cineastas estadounidenses. En su filmografía uno encuentra un gran análisis de la sociedad, muchas películas son basadas en un personaje de la vida real y casi siempre usa de contexto a Nueva York (de donde es originario), y regularmente trabaja con el mismo cast (En el siglo XX los actores con los que más actuó eran Robert De Niro y Joe Pesci, y en el siglo XXI ha colaborado cuatro veces con Leonardo DiCaprio). Su filmografía esta compuesta de un gran número de obras maestras (principalmente en el género gangsteril), entre las que se encuentran Taxi Driver (1976), Toro Salvaje (1980), La Última Tentación de Cristo (1988), Buenos Muchachos (1991), Casino (1995), Pandillas de Nueva York (2002), El Aviador (2004), Los Infiltrados (2006). En marzo veremos su próxima y esperada cinta La Isla Siniestra (Shutter Island), en la que incursiona en el terror psicológico. Este videotributo fue hecho para los Globos de Oro de este año, durante el cual recibió el premio Cecil B. DeMille por su trayectoría y en el cual al final aparece un avance de La Isla Siniestra. Disfruten el video:

Premios 2009: Ganadores Annie Awards.

La cinta animada Up, que no lleva ni un solo premio en la categoría de mejor película animada en los premios entregados en Estados Unidos, sigue con esa racha triunfando el 6 de febrero en los Annie Awards, que premian a lo mejor del cine animado estadounidense, en este caso a las mejores del 2009. Con este galardón no cabe duda que Up se lleva el Oscar a Mejor Película Animada. Entre los nominados para mejor película animada se encontraban Up, La Princesa y el Sapo, El Fantástico Sr. Zorro, Lluvia de Hamburguesas, Coraline y la Puerta Secreta y la que dicen sorpresiva The Secret of Kells. Aquí se muestran todos los ganadores:


-Mejor Película Animada: Up
-Mejor Dirección: Pete Docter (Up)
-Mejor Guión: Wes Anderson y Noah Baumbach (El Fantastico Sr. Zorro)
-Mejores Efectos de Animación: James Mansfield (La Princesa y el Sapo)
-Mejor Música: Bruno Coulais (Coraline y la Puerta Secreta)
-Mejor Diseño de Personajes: Shane Prigmore (Coraline y la Puerta Secreta)
-Mejor Diseño de Producción: Tadahiro Uesugi (Coraline y la Puerta Secreta
-Mejores Storyboards: Tom Owens (Monstros vs Aliens)
-Mejor Actuación Vocal: Jennifer Cody (La Princesa y el Sapo)

Las Fórmulas del Cine.

El otro día escuche en un programa muy popular de radio, que mucha gente comparaba a Avatar (James Cameron, 2009) con Pocahontas (Mike Gabriel, Eric Goldberg, 1995) por el parentesco de esta. Y me puse a pensar que porqué comparar dos películas que tienen la misma estructura en la historia, cuando hay montón de películas con una historia muy semejante a Avatar, Pocahontas y demás, y yo a ese tipo de historias similares como una formula del cine. En este artículo les comparto las dos fórmulas más importantes en el medio cinematográfico. Advierto que este artículo cuenta con muchos spoilers.


Fórmula del Héroe Arrepentido:

Esta fórmula es en la que entrarían Avatar y Pocahontas, y el punto central en la historia es que una persona llega a un lugar por azares del destino, al principio no le tiene un mínimo sentimiento a ese lugar o a los habitantes de este. Con el tiempo va adquiriendo enseñanzas y aceptación por parte del lugar que tanto odiaba y al final lucha por la protección de este. Si les sonó esta historia quizá recordaron a cintas clásicas como La Misión (Roland Joffé, 1986), Lawrence de Arabia (David Lean, 1962), Atrapado sin Salida (Milos Forman, 1974), Nido de Ratas (Elia Kazan, 1954) un poco Espartaco (Stanley Kubrick, 1960) y algunas más como El Último Samurai (2003) y Diamantes de Sangre (2006), estas dos últimas de Edward Zwick y hasta la comedia Una Noche en el Museo (Shawn Levi, 2006). Esos son algunos ejemplos pero podría nombrar más.

Fórmula del Ascenso y Caída:

Esta fórmula quizá es la más usada en el cine sobre todo en el cine de gángsters y en algunas de aventuras. La trama de estas cintas normalmente es de un hombre que poco a poco lucha hasta tener el mayor poderío de un sistema (gubernamental o económico primordialmente) hasta que los vicios o una serie de circunstancias terminan dejándolo sin ese poder, algunas veces tiene un final feliz, otras no. Esta fórmula completa se ha usado en cintas clásicas como El Ciudadano Kane (Orson Welles, 1941), la saga de El Padrino (Francis Ford Coppola, 1972, 1974, 1990), las dos versiones de Scarface (la de Howard Hawks de 1932 y la de Brian de Palma de 1983), Buenos Muchachos (Martin Scorsese, 1990), Casino (Scorsese, 1995), El Último Hombre (F.W. Murnau, 1924), Érase una Vez en América (Sergio Leone, 1984. A esta formula si se le quita o disminuye la caída, logrando que con este ascenso a un poder el protagonista logre salvar algo podríamos referirnos a sagas como Harry Potter y El Señor de los Anillos.

El Ladrón de Bagdad: Marcando estándares en la aventura cinematográfica.

Película: El Ladrón de Bagdad (The Thief of Bagdad, EUA, 1924)

Director: Raoul Walsh
Actores: Douglas Fairbanks, Snitz Edwards, Charles Belcher, Julanne Johnston, Sojin, Anna May Wong.

Crítica: Un entretenido cine de aventuras en sus inicios. No es la primer película de aventuras, pero el actor protagónico es el que realmente origino el cine de aventuras, hablo de Douglas Fairbanks, quien hizo de El Zorro en la primera de aventuras, y en esta interpreta a un ladrón de poca monta en la esplendorosa ciudad de Bagdag, un antihéroe al principio por sus métodos, pero que al final es un héroe, éste ladrón encuentra como su mayor tesoro a la hija del califá, en la cual no encuentra un objeto material, sino uno de deseo, uno de amor, y hará todo por conseguirlo, cruzar mar, fuego y montañas, y esto diciéndolo literalmente, aunque los problemas radican en que los pretendientes nobles de otros países también la buscan, otros por relaciones diplomáticas, otros como un malvado mongoles como un dominio a Bagdag. La historia está llena de magia, que en los 20’s hubiera sido ver todo lo que alguien hubiese soñado. El prestigiado director estadounidense Raoul Walsh realiza junto con el guión del también protagonista (Fairbanks) y de Achmed Abdullah, James T. O'Donohoe y Lotta Woods, una buena adaptación de “Las Mil y una Noches”, con personajes bien descritos y con los estándares que se volverían obligatorios en las cintas de aventuras (El héroe fortachón, la damisela en peligro y el feo malvado). Además, Walsh logró, con un presupuesto con el sorprendente presupuesto para ese momento (2 millones de dólares), darle credibilidad a la historia en los aspectos técnicos.

La actuación de Fairbanks es buena y lográ expresar muy bien sus escenas, pero la que se roba las escenas en las que actua es Anna May Wong, como una espía del emperador mongol, creando un personaje muy fuerte. La fotografía de Arthur Edeson no es notable pues hay muy poco movimiento en sus tomas, la dirección de arte es impactante (recreando a la ciudad de Bagdag en sus grandes tiempos (principios de la edad media), junto con los maravillosos efectos especiales para su tiempo. La música de Carl Davis, a pesar de no utilizar muchos instrumentos ayuda a recrear sonoramente cada momento, por ejemplo, pone música del estilo de Oriente cuando hace sus maldades el emperador mongol. Definitivamente una cinta de aventuras clásicas, pero que sin ella, muchas no hubieran existido (¿alguien dijo Indiana Jones?).

Calificación:

Sherlock Holmes: Elemental mi querido Ritchie.

Película: Sherlock Holmes (EUA-Alemania, 2009)

Director: Guy Ritchie
Actores: Robert Downey Jr., Jude Law, Rachel McAdams, Mark Strong, Eddie Marsan.

Crítica: Sherlock Holmes es el detective más famoso de la ficción literaria, y en esta cinta al estilo de Batman Inicia, se retoma un nuevo origen para el personaje de Arthur Conan Doyle, sin embargo la cinta se queda un poco corta para lo que Ritchie es capaz.

En esta cinta, Sherlock Holmes (Robert Downey Jr.) junto con su fiel amigo John Watson (Jude Law) investigan una serie de hechos delictivos que apuntan a una secta de magia oscura que busca obtener poder.

Guy Ritchie no se aleja de su estilo violento del todo: Muertes, peleas, artes marciales (que Holmes sí sabía y se menciona en una de las novelas) y nos da una cinta con una gran carga de acción. El guión de Lionel Wigram, Michael Robert Johnson, Anthony Peckham y Simon Kinberg muestra parte de los elementos básicos de Sherlock Holmes (su poder deductivo, su habilidad con el disfraz, su conocimiento de artes marciales, su poco cuidado por la limpieza, etc.), quitando algunos (su refugio en las drogas) y entablando como temática principal la relación amistosa entre Holmes y Watson. Pero el principal problema de la cinta se encuentra en el guión que no llega a transmitirle nada al espectador más que al momento, teniendo una historia que pudo haber dado para más, eso se levanta por el ritmo de Ritchie, lo bien técnicamente de la cinta y las buenas actuaciones.

Las actuaciones como mencioné anteriormente son buenas, Robert Downey Jr. muy bien como siempre y con un muy buen acento inglés, Rachel McAdams en su mejor papel interpretando a la sensual Irene Adler, Jude Law evita que su personaje caiga al cliché del amigo del héroe, pero el que no se salva del cliché (lamentablemente por el guión) es Mark Strong, quien con una actuación decente se convirtió en el clásico archienemigo.

Los aspectos técnicos son lo mejor de la cinta; la fotografía de Philippe Rousselot con escenas con eficaz movilidad que favorecen en el ritmo de la trama sin que se pierda el estilo fotográfico de la época victoriana.

La música de Hans Zimmer, como siempre es excelente y en esta cinta hace una combinación de sus trabajos en Piratas del Caribe (Instrumentalmente) y en Batman: El Caballero de la Noche (Rítmicamente).

Otro aspecto a destacar es el diseño de producción de Sarah Greenwood y los efectos visuales que lograron recrear excelentemente bien la época victoriana.

En resumen, una cinta de entretenimiento de calidad, que a pesar de un regular guión logra ser salvada por la dirección, actuación y los elementos técnicos.

Calificación:

Barba Roja: Cada enfermo tiene una historia.

Película: Barba Roja (Akahige, Japón, 1965)

Director: Akira Kurosawa
Actores: Toshirô Mifune, Yûzô Kayama, Terumi Niki, Reiko Dan, Yoshio Tsuchiya.

Crítica: Pocas películas llegan a producir un profundo impacto ético en el espectador, el cine oriental ha aportado algunas de esas cintas y Akira Kurosawa con Barba Roja lo logra.
Barba Roja narra la historia del doctor Noboru Yasumoto, un joven que es enviado aparentemente por equivocación a trabajar en el hospital del Dr. Kyojô Niide conocido como Barba Roja. El hospital esta lleno de miseria, con muy pocos cuidados, pocos doctores y muchos enfermos. En el transcurso del tiempo Yasumoto convivirá con situaciones que nunca había vivido siguiendo los pasos del veterano dueño de aquel humilde hospital.
El gran director Akira Kurosawa regala una obra excepcional, muy bien realizada técnica y narrativamente, con un gran mensaje en el que se realiza una gran reflexión de la pobreza, la humildad, la caridad y una fina crítica a las injusticias de las fuerzas gubernamentales (sin analizar específicamente a algún régimen, dejándolo a la universalidad). El guión de Masato Ide, Hideo Oguni, Ryûzô Kikushima y Kurosawa está lleno de tramas, subtramas y personajes bien hechos con un buen ritmo (3 horas y 5 minutos muy disfrutables), basándose en la novela “Akahige shinryô tan” de Shûgorô Yamamoto.

Las actuaciones también muy disfrutables que personifican bien a sus papeles sin llegar al cliché (que pudieran haber caído, pero no), destacan Toshirô Mifune (Interpretando a Barba Roja), Yûzô Kayama (Yasumoto), Terumi Niki (Otoyo, la mayor carga emotiva en el filme), Reiko Dan (Osugi) y Yoshio Tsuchiya (Dr. Mori).

La fotografía de Asakazu Nakai y Takao Saitô es bellísima, con un muy fino blanco y negro, grandes y bien movidos encuadres.
La música de Masaru Satô es igualmente bellísima, una gran combinación de música de orquesta y la tradicional japonesa, estilo utilizado en la mayoría de las cintas de la isla de esa época.
También es de destacar el gran Diseño de Producción y Artístico de Yoshirô Muraki con muy bellos sets.
Finalizando, digo que es una bella cinta que nos enamora del cine japonés y la filmografía de Kurosawa.

Calificación:

Trailers: Trailers: Algunas fuertes contendientes en la temporada de premios. Vol. 4

En esta penúltima edición de trailers de películas que podrían llevarse algún premio en esta temporada e inclusive algún premio Oscar, les presentamos a las siguientes cintas que estan nominadas respectivamente a Mejor Película y Actriz, a Actor y Actriz de Reparto y a Mejor Película Extranjera.

Un sueño Posible (The Blind Side), la cinta que le quito la nominación de Mejor Película a Invictus de John Lee Hancock con Sandra Bullock


Crazy Heart de Scott Cooper con Jeff Bridges y Maggie Gyllenhaal


El Secreto de sus ojos de Juan José Campanella con Ricardo Darín y Soledad Villamil

Premios 2009: Nominaciones a los Oscar

Esta mañana Anne Hathaway y el presidente de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas Tom Sherak. dieron a conocer los nominados a los Premios de la Academia llamados comúnmente como los “Oscares” en esta, su octogésimo segunda edición. Para los que no lo sepan (que no lo creo) los Oscares son los más influyentes premios entregados por la industria cinematográfica. En esta ocasión los más nominados son Avatar y The Hurt Locker con 9 nominaciones ambos. La sorpresa mayor fue encontrar entre las 10 nominadas a Mejor Película a The Blind Side y no a Invictus, y otra cinta sorpresa (aunque no tanto) en Mejor Película es Up, que se convierte en la única cinta animada en estar nominada a Mejor Película desde La Bella y la Bestia. En general me esperaba un poco más de estas nominaciones. Ahora sólo queda esperar al 7 de Marzo para conocer los ganadores. Aquí la lista completa de nominados.


• Mejor película: Avatar, The Blind Side, Sector 9, Enseñanzas de Vida (An Education), The Hurt Locker, Bastardos sin Gloria, Precious, Un Hombre Serio, Up, Amor sin Escalas (Up in the Air).
• Mejor Dirección: James Cameron (Avatar), Kathryn Bigelow (The Hurt Locker), Quentin Tarantino (Bastardos sin Gloria), Lee Daniels (Precious), Jason Reitman (Amor sin Escalas)
• Mejor Guión Adaptado: Sector 9 (Neill Blomkamp y Terri Tatchell), Enseñanzas de Vida (Nick Hornby), In the Loop (Jesse Armstrong, Simon Blackwell, Armando Iannucci, Tony Roche), Precious (Geoffrey Fletcher), Amor sin Escalas (Jason Reitman y Sheldon Turner)
• Mejor Guión Original: The Hurt Locker (Mark Boal), Bastardos sin Gloria (Quentin Tarantino), The Messenger (Alessandro Camon y Oren Moverman), Un Hombre Serio (Hermanos Coen), Up (Bob Peterson y Pete Docter)
• Mejor Actor: Jeff Bridges (Crazy Heart), George Clooney (Amor sin Escalas), Colin Firth (A Single Man), Morgan Freeman (Invictus), Jeremy Renner (The Hurt Locker)
• Mejor Actor de Reparto: Matt Damon (Invictus), Woody Harrelson (The Messenger), Christopher Plummer (The Last Station), Stanley Tucci (The Lovely Bones), Christoph Waltz (Bastardos sin Gloria)
• Mejor Actriz: Sandra Bullock (The Blind Side), Helen Mirren (The Last Station), Carey Mulligan (Enseñanzas de Vida), Gabourey Sidibe (Precious), Meryl Streep (Julie & Julia)
• Mejor Actriz de Reparto: Penélope Cruz (Nine), Vera Farmiga (Amor sin Escalas), Maggie Gyllenhaal (Crazy Heart), Anna Kendrick (Amor sin Escalas), Mo’Nique (Precious)
• Mejor Película de Animación: Coraline y la Puerta Secreta (Henry Selick), El Fantástico Sr. Zorro (Wes Anderson), La Princesa y el Sapo (John Musker y Ron Clements), The Secret of Kells (Tomm Moore), Up (Pete Docter)
• Mejor Dirección Artística: Avatar (Rick Carter, Robert Stromberg, Kim Sinclair), The Imaginarium of Doctor Parnassus (Dave Warren, Anastasia Masaro, Caroline Smith), Nine (John Myhre, Gordon Sim), Sherlock Holmes (Sarah Greenwood, Katie Spencer), The Young Victoria (Patrice Vermette, Maggie Gray)
• Mejor Fotografía: Avatar (Mauro Fiore), Harry Potter y el Misterio del Principe (Bruno Delbonnel), The Hurt Locker (Barry Ackroyd), Das Weisse Band (Christian Berger), Bastardos sin Gloria (Robert Richardson)
• Mejor Diseño de Vestuario: Bright Star (Janet Patterson), Coco antes de Chanel (Catherine Leterrier), The Imaginarium of Doctor Parnassus (Monique Prudhomme), Nine (Colleen Atwood), The Young Victoria (Sandy Powell)
• Mejor Largometraje Documental: Burma VJ, The Cove, Food, Inc., The Most Dangerous Man in America: Daniel Ellsberg and the Pentagon Papers, Which Way Home
• Mejor Corto Documental: China’s Unnatural Disaster: The Tears of Sichuan Province, The Last Campaign of Governor Booth Gardner, The Last Truck: Closing of a GM Plant, Music by Prudence, Rabbit à la Berlin
• Mejor montaje: Avatar (Stephen Rivkin, John Refoua y James Cameron), Sector 9 (Julian Clarke), The Hurt Locker (Bob Murawski y Chris Innis), Bastardos sin Gloria (Sally Menke), Precious (Joe Klotz)
• Mejor Película Extranjera: Ajami (Israel), El secreto de sus ojos (Argentina), La Teta Asustada (Perú), Un Prophete (Francia), Das Weisse Band (Alemania)
• Mejor maquillaje: Il Divo (Aldo Signoretti y Vittorio Sodano), Star Trek (Barney Burman, Mindy Hall y Joel Harlow), The Young Victoria (Jon Henry Gordon y Jenny Shircore)
• Mejor Música: Avatar (James Horner), El Fantástico Sr. Zorro (Alexandre Desplat), The Hurt Locker (Marco Beltrami y Buck Sanders), Sherlock Holmes (Hans Zimmer), Up (Michael Giacchino)
• Mejor canción original: “Almost There” de La Princesa y el Sapo Música y Lletra de Randy Newman, “Down in New Orleans” de La Princesa y el Sapo Música y Letra de Randy Newman, Loin de Paname de Paris 36 Música de Reinhardt Wagner y Letra de Frank Thomas, Take It All de Nine Música y Letra de Maury Yeston, The Weary Kind de Crazy Heart, Música y Letra de Ryan Bingham y T. Bone Burnett.
• Mejor cortometraje de animación: French Roast, Granny O’Grimm’s Sleeping Beauty, The Lady and the Reaper, Logorama, A Matter of Loaf and Death.
• Mejor Cortometraje: The Door, Instead of Abracadabra, Kavi, Miracle Fish, The New Tenants.
• Mejor Sonido: Avatar (Christopher Boyes y Gwendolyn Yates Whittle), The Hurt Locker (Paul N.J. Ottosson), Bastardos sin Gloria (Wylie Stateman), Star Trek (Mark Stoeckinger y Alan Rankin), Up (Michael Silvers y Tom Myers)
• Mejor Montaje de Sonido: Avatar (Christopher Boyes, Gary Summers, Andy Nelson y Tony Johnson), The Hurt Locker (Paul N.J. Ottosson y Ray Beckett), Bastardos sin Gloria (Michael Minkler, Tony Lamberti y Mark Ulano), Star Trek (Anna Behlmer, Andy Nelson y Peter J. Devlin), Transformers: La Venganza de los Caidos (Greg P. Russell, Gary Summers y Geoffrey Patterson)
• Mejores Efectos Visuales: Avatar (Joe Letteri, Stephen Rosenbaum, Richard Baneham y Andrew R. Jones), Sector 9 (Dan Kaufman, Peter Muyzers, Robert Habros and Matt Aitken), Star Trek (Guyett, Russell Earl, Paul Kavanagh y Burt Dalton).

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