Nostalgia: Cuando los recuerdos invaden el alma.

Película: Nostalgia (Nostalghia, Italia-URSS, 1983)
Director: Andrei Tarkovsky
Actores: Oleg Yankovskiy, Domiziana Giordano, Erland Josephson, Patrizia Terreno.

Crítica: Este filme de Tarkovsky es una obra de arte a través de la artística Italia. En su viaje hacia Italia en busca de inspiración, el poeta Andrei Gorchakov (Oleg Yankovskiy), acompañado de la traductora Eugenia (Domiziana Giordano) recorrerá lugares en el que añorará su pasado, pero al conocer a Domenico, un hombre que le encarga realizar una misión, su vida tomará una gran reflexión. El guión de Tarkovsky y Tonino Guerra podría parecer complicado y en el filme se muestra así, pero razonándolo no tiene mucha dificultad, pues el estilo narrativo y visual de Tarkovsky es normalmente muy complejo y eso provoca cierta confusión en el espectador después de verla sobre si el mensaje era tan fácil o un enigma disfrazado; por lo que preferiré hablar de esta película más en lo técnico que en lo narrativo en esta ocasión. Tras un muy pesado proceso para llevar Stalker que tuvo que filmarse dos veces pues el rollo de la primera filmación se perdió por completo y las trabas que la Unión Soviética le ponía a Tarkovsky fue parte de lo que lo llevó a filmar esta película fuera de su país aunque aún con cierta presencia de la URSS, pero esto aumentó más a una mayor libertad de Tarkovsky para actuar. Tarkovsky se asocia totalmente a Italia pues el lado artístico italiano que de por sí es magnifico se glorifica con la película. Los errores principales de la película son una falta de ritmo que hace de esta la película más pesada de Tarkovsky y en las tomas nocturnas la iluminación no ayuda demasiado, pero son detalles no tan grandes.

La actuación de Oleg Yankovskiy es estupenda, en El Espejo hizo una corta pero fuerte aparición y aquí toma muy bien los rasgos de las películas tarkovskyanas: un hombre en busca de darle sentido a su vida o sus ideas a partir de lo sucedido en la película. Los actores que mayor participan (pues los demás son muy incidentales) son Domiziana Giordano y Erland Josephson, quienes poseen las mismas características del de Oleg pero manifestadas distintas y con desenlaces distintos pero igual de sorprendentes.

La fotografía de Giuseppe Lanci es estupenda y logra exaltar las locaciones italianas además que con la dirección de Tarkovsky logró crear escenas estupendas, aunque como dije antes, el problema es que es demasiado oscura y en las tomas nocturnas no se aprecia demasiado bien los acontecimientos.
La música no es original y muy escasa, lo que sea la primera causa que la película se sienta lenta, pero la música de Beethoven usada en la cinta es muy bien seleccionada y adecuada. Es quizás el peor largometraje de Tarkovsky, pero aún así su peor trabajo es una obra maestra.

Calificación:

8½: La imaginación en lo “desinspirado”.

Película: 8½ (Italia-Francia, 1963)

Director: Federico Fellini
Actores: Marcello Mastroianni, Anouk Aimée, Sandra Milo, Claudia Cardinale, Guido Alberti, Barbara Steele, Madeleine Lebeau.

Crítica: Con esta cinta que retrata la perdida de inspiración, “El Maestro” nos regala una película fantástica, mostrando su capacidad de imaginante.
Guido Anselmi, un importantísimo director de cine prepara su próxima película, pero las presiones que sufre por su esposa, su amante, sus productores, actores y más provocaran una crisis de imaginación en Guido. Anselmi buscará encontrar a través de sus recuerdos y sueños aquel punto que logre solucionar su problema.
Federico Fellini, tomando para el título su número de películas antes de ella y el medio es el segmento que hizo en Bocaccio ‘70 da una vez más muestra de su maestría en la dirección desde el inicio con esta cinta llena de escenas surrealistas de tintes autobiográficos, con una trama muy interesante, un muy buen ritmo, una gran reflexión en cuanto a la toma de decisiones, cierta crítica a la iglesia católica, una muestra del proceso creativo cinematográfico, una unión de aspectos narrativos, técnicos y psicológicos tremenda a través de un guión escrito por él, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli y Brunello Rondi, donde ademas, se materializa de una gran forma el sarcasmo de Fellini, pues en una cinta que se relata cómo un director pierde la imaginación aquí el real da muestra de toda la que contiene y cómo lo lleva a 35 mm. La verdad cuando veo una película de este calibre no se cómo expresar la maestría con la que se realizó esta película.

Las actuaciones son excelentes y ninguna sobresale sobre otra, salvo obviamente, Mastroianni. Todas las mujeres mostradas en el filme que tienen relación con Mastroianni en la cinta (Anouk Aimée, Sandra Milo, Claudia Cardinale, Madeleine Lebeau, Barbara Steele, Eddra Gale) tienen una gran química con él, química que se concreta en una escena que aparecen ellas como un tipo de esclavas de él, una escena impresionantemente loca y bien hecha.
La dirección de fotografía de Gianni Di Venanzo logra transmitir lo que Fellini nos quería mostrar: escenas bellísimas, algunas grotescas pero efectivas al momento de transmitir imágenes poco usuales para que se queden en nuestra cabeza.
La música de Nino Rota, junto con algunas piezas de la música clásica nos regala una producción musical carnavalística que nos adentra al carnaval de ideas y problemas que se presentan en Guido; un muy buen soundtracks.
Cómo diría la periodista y crítica de cine Dorothy Kilgallen “Corre –no camines- a ver 8½”

Calificación:

La Dolce Vita: El Lado Oscuro del Glamour.

Película: La Dolce Vita (Italia-Francia, 1960)

Director: Federico Fellini.
Actores: Marcello Mastroianni, Anouk Aimée, Yvonne Furneaux, Anita Ekberg, Alain Cuny, Annibale Ninchi, Walter Santesso, Magali Noël.

Crítica: Es sin duda una excepcional cinta, que personalmente me dejo con varios sentimientos encontrados luego de verla.
Marcello Rubini (Marcello Mastroianni) es un reportero de espectáculos, quien quiere pasar de esa faceta a la de escritor, pero un conflicto psicológico en él le impide ese paso, pues no ama a su novia Emma (Yvonne Furneaux) y la engaña con un sin fin de hermosas celebridades. Para encontrar la solución a eso, Marcello se refugia en los brazos del vicio, enjaulándose en “La Dolce Vita”.
Con esta cinta, Fellini, además de dar un salto del neorrealismo al simbolismo, y de que con esta película se acuño el término paparazzi; nos muestra en un guión de él, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli, Brunello Rondi y Pier Paolo Pasolini un muy interesante retrato de la moral en declive actual, sobre todo de la Italia de finales de los 50’s, tomando como puntos principales las banalidades y la incomunicación (desde el inicio hasta el final se hace un muy usual ejemplo de esto) social con una tensión sexual muy latente como telón de fondo, ideología que dejará a más de uno analizándola por un buen rato. Además de esto, Fellini, quien ya no era un novato en esos tiempos, realiza un estupendo trabajo en la dirección pues mantiene a flote todo el tiempo la historia con un muy buen ritmo, con escenas muy bien hechas y cuidadas en aspectos técnicos y narrativos.

Las actuaciones son muy buenas, Marcello Mastroianni realiza un papel asombroso con una muy fuerte carga emocional, el trabajo de las actrices Anouk Aimée, Yvonne Furneaux, Anita Ekberg como las mujeres de Marcello es igualmente impresionante, sobre todo por Aimée y Furneaux, pues Ekberg en ratos se siente un poco sobreactuada, además que su personaje esta un poco sobrevalorado, pues es secundario y aparece en la mayoría de los posters o fotografías, siendo que lo podrían ocupar ese espacio Aimée o Furneaux. Otra persona a destacar es la muy atrayente interpretación de Alain Cuny como Steiner, el mejor amigo de Marcello.
La dirección de fotografía de Otello Martelli es asombrosa pues logra por medio de interesantes tomas con variado estilo que la imagen capte los problemas existenciales del personaje en un elegante blanco y negro, que además acrecienta todos los sentimientos encontrados en aquellas parrandas del espectáculo italiano.
La música de Nino Rota, por medio de los estilos del momento, logra captar el ambiente mostrado en la cinta de forma excelente.
Estas críticas me sirven mucho pues a través de ellas logro captar la esencia de la cinta que no había tenido con anterioridad, y concluyo que es una obra inigualable, un tanto perturbadora, además de la mano del magnifico Fellini, de quien estoy comenzando a analizar su filmografía como director.

Calificación:

El Desierto Rojo: Existencialismo carmesí.

Película: El Desierto Rojo (Il deserto rosso, Italia-Francia, 1964)

Director: Michelangelo Antonioni.

Actores: Monica Vitti, Richard Harris, Carlo Chionetti, Valerio Bartoleschi.

Crítica: Es una película que debería analizarse toma por toma, pues de ese modo y con la estética narrativa y visual que maneja Antonioni nos trae un producto excelente y lleno de metáforas.

Giuliana, (Monica Vitti), una mujer de buen estatus económico, casada y con un hijo (Valerio Bartoleschi), lleva poco tiempo de haber sufrido un accidente que la marcó psicológicamente provocando en ella un desacuerdo con su forma de vivir. Un día conoce a un socio de su esposo (Carlo Chionetti) llamado Corrado Zeller (Richard Harris), con el cual logrará desahogar sus penas y preocupaciones, pero empezara a ver más turbia su vida.

Con esta cinta, Antonioni realiza su primer trabajo en color y lo utiliza de una manera excelente pues el uso del color para determinadas escenas hace empatia con la confusión presentada en la protagonista, destacando el rojo, el azul y el blanco. En un guión de él mismo y de Tonino Guerra, Antonioni muestra además ciertas ideologías políticas y sociales con una crítica muy bien estructurada, y en cierto sentido el contexto en que se desarrolla en la cinta también hace una referencia ecológica. Desde la secuencia de créditos, se muestra una cinta que heredó aspectos del neorrealismo y el surrealismo, una película con cierta complejidad pero atrapante por el uso de la imagen y el sonido. Aunque lo malo de la cinta es que después de los 15 minutos flojea demasiado y después de la hora la historia vuelve a estar a flote logrando sus mejores escenas en ese lapso.

Las actuaciones son excelentes: Vitti logra mostrar la complejidad del personaje plantando con su interpretación la ideología de Antonioni, Harris igualmente realiza un buen papel como la antitesis psicológica del personaje de Vitti pero que se complementa con ella y ella con él, Valerio Bartoleschi es quien actúa mejor que todos después de Vitti y sorprende su capacidad actoral a su edad.

El mejor trabajo en la cinta es el de la fotografía de Carlo Di Palma, quien con cuadros eficaces instala los colores en los decorados para atraer al espectador de gran manera.

La música instrumental de Giovanni Fusco, junto con la electrónica de Vittorio Gelmetti y los cánticos hacen acentuar el estilo experimental técnico de la cinta.

En conclusión un trabajo interesante que merece verse por lo que se muestra en el aspecto técnico.

Calificación:

La Tierra Tiembla: Cine Marxista.

Película: La Tierra Tiembla (La terra trema: Episodio del mare, Italia, 1948)

Director: Luchino Visconti

Actores: Antonio Arcidiacono, Giuseppe Arcidiacono, Nelluccia Giammona, Agnese Giammona.

Crítica: Esta cinta, además de ser uno de los mejores trabajos del neorrealismo italiano, es una excelente representación de lo que Karl Marx habla del capitalismo.

Ntoni (Antonio Arcidiacono) vive con su familia en un Acitrezza pequeño pueblo siciliano, donde la actividad que ejercen casi todos los hombres es la pesca, la cual está controlada por tres personas, quienes les pagan muy poco a los pescadores, entre ellos Ntoni, sus hermanos y su abuelo. Un día, Ntoni decide hipotecar su casa para comprar un bote y poder pescar y comerciar independientemente; pero no se da cuenta de los problemas que podría acarrear esa decisión.

Luchino Visconti, en un guión de él y Antonio Pietrangeli (quienes también fungen como narradores), basado en la novela “I Malavoglia” de Giovanni Verga, da una cinta muy interesante, con un buen ritmo, un buen uso de los recursos técnicos y narrativos, y en la que se demuestra su ideología marxista, retratándola a la perfección en una historia humana en la pantalla grande (se muestra de gran manera la explotación del hombre por el hombre, la lucha de clases, la plusvalía, la búsqueda de un socialismo y demás puntos de la teoría de Marx), creando una tragedia de la vida real.

Las actuaciones no están nada mal para ser la única vez que actuaron en su vida, la mayoría de Acitrezza interpretó algún papel. Antonio Arcidiacono, quien interpreta al protagonista brinda una actuación sobresaliente, igual o mejor que muchos actores profesionales.

La dirección de fotografía de Aldo Graziati está muy bien, logrando exaltar los paisajes y deprimiendo con la pobreza mostrada en Acitrezza.

La música de Willy Ferrero es escasa pero efectiva para instalarnos en un ambiente de tristeza, soledad y desesperanza por medio de instrumentos de cuerda.

Los demás aspectos técnicos no son muy importantes, pues en el neorrealismo se busca ser realistas y utilizar locaciones reales sin usar aspectos técnicos innecesarios.

Es un filme desgarrador, con amplia reflexión que todo cinéfilo debe ver.

Calificación:

El Divo: Retratos del Poder

Película: El Divo (Il Divo, Italia-Francia, 2008)

Director: Paolo Sorrentino.
Actores: Toni Servillo, Anna Bonaiuto, Carlo Buccirosso, Massimo Popolizio, Giorgio Colangeli.

Esta es la primera vez que entro a una sala sin conocer de que trataba la cinta, sólo sabía que se había llevado el Premio del Jurado en el Festival de Cannes en 2008 y una nominación al oscar por Mejor Maquillaje, pero me lleve una grata sorpresa viendo esta muy buena cinta.
Il Divo retrata la vida política del varias veces primer ministro de Italia Giulio Andreotti (Apodado por algunos como “El Divo”), perteneciente al Partido Democristiano, haciendo énfasis en sus negocios sucios con la Cosa Nostra (Mafia Siciliana) y la Iglesia Católica.
En un guión del también director Paolo Sorrentino se encuentra una historia muy bien estructurada, entretenida, sin censura, con una correcta crítica política y en ratos graciosa; contada con un estilo semejante al de las cintas de Tarantino y Scorsese y con un personaje muy misterioso como lo era Andreotti que en ocasiones nos recuerda a Vito Corleone (El Padrino). Además de esto Sorrentino dirige muy bien a los actores y haciendo un buen equilibrio narrativo y visual empleando de excelente manera los recursos técnicos pues tiene una estética visual deliciosa (además del tributo visual que le hace a Tarantino).

Las actuaciones son buenas, nada del otro mundo, salvo la interpretación de Toni Servillo como Andreotti quien además de lograr transformarse por medio del muy buen maquillaje (merecedor de nominación al Oscar) al real Guilio Andreotti, crea un personaje misterioso y como dije antes parecido a Vito Corleone y hasta al Conde Orlok de Nosferatu.
La música de Teho Teardo es buena y uniéndola con la música clásica y moderna adicional se da un buen soundtrack.
La fotografía de Luca Bigazzi es lo mejor técnico de la cinta, pues se emplean correctamente los ángulos y algunas escenas en cámara lenta para crear un ambiente criminal en la cinta.
En lo demás técnico esta bien, sobre todo el antes mencionado muy buen maquillaje de Aldo Signoretti y Vittorio Sodano.
En conclusión una interesante cinta que retrata el poder y sus consecuencias de excelente manera.

Calificación:

Roma Ciudad Abierta y el Neorrealismo Italiano

Película: Roma Ciudad Abierta (Roma Citta Aperta, Italia, 1945)

Director: Roberto Rossellini
Actores: Aldo Fabrizi, Anna Magnani, Marcello Pagliero, Vito Annichiarico, Harry Feist, Francesco Grandjacquet.


Crítica: Gran cinta clave del neorrealismo italiano, que muestra una amplia crítica y reflexión a la ocupación nazi en Italia, la crueldad de estos y las vivencias de las víctimas: el pueblo.
La historia esta basada en hechos reales, aunque con nombres distintos,;trata la historia de Don Pietro Pellegrini, un sacerdote (Aldo Fabrizi); Giorgio Manfredi, un hombre importante en un partido socialista durante la ocupación (Marcello Pagliero) a quien un oficial nazi (Harry Feist) busca para hacerlo hablar; Pina (Anna Magnani), mujer comprometida con otro miembro del partido de Manfredi (Francesco Grandjacquet); y Marcello (Vito Annichiarico), el hijo de Pina, quien busca defender a su país. La historia de estos personajes se vera entrelazada cuando Manfredi se refugia en casa de Pina para que los oficiales nazis no lo encuentren.
En esta cinta, considerada por muchos como la real inauguración del Neorrealismo Italiano, Rossellini muestra de gran manera una historia que había vivido meses antes y en un guión de él, Federico Fellini y Sergio Amidei, la historia de varios habitantes de la Roma corrompida por las tropas alemanas, y crea, con imágenes duras, realistas y sin exageración a la real Roma, una desprotegida y con la búsqueda de la libertad, basada en el apoyo de todos sus habitantes; ideas muy alejadas a las romas de gladiadores que ha acostumbrado Hollywood. Además, Rossellini logró captar la emoción en los actores y en escenas muy bien hechas, sobre todo (SPOILER) en la que Pina corre hacia su prometido Francesco gritando cuando este es arrestado, una escena brutal en la que se reúne la magia de la cinta (¡Francesco! ¡Francesco!) (FIN DE SPOILER).

Las actuaciones de Fabrizi, Magnani y Feist son muy buenas, aunque su labor no fue tan difícil como la de los demás, ya que ellos sí eran actores profesionales y los demás no. Y aunque no eran profesionales, el resto del reparto realiza una buena actuación, sobre todo la del pequeño (en ese entonces) Annichiarico quien se roba la cámara en las escenas que aparecen, además de ser pieza clave en la serie de sucesos en la cinta, logra imprimirle un gran sentimiento poco usual en muchos niños que no hayan llevado su vida para la actuación.
La dirección de fotografía de Ubaldo Arata es una buena combinación en blanco y negro de la cámara documentalista y la de ficción, con escenas que parecen grabadas en realidad y no en cine, esta es otra característica del Neorrealismo Italiano.
La música de Renzo Rossellini, hermano del director, contiene grandes piezas que sirven para mostrar la angustia, el misterio, el temor mostrado en la cinta.
Otro aspecto a destacar y que es clave en el neorrealismo italiano, es que la cinta se filmó mayoritariamente en exteriores, mostrando las edificaciones de la Italia de la Posguerra.
Una cinta clave para la cinematografía italiana que ningún cinéfilo debe dejar perder.

Calificación:

El Cartero (Poesia y Cine)

El Cartero (Il Postino, Italia-Francia, 1994)

Director: Michael Radford

Actores: Massimo Troisi, Philippe Noiret, Maria Grazia Cucinotta, Renato Scarpa, Linda Moretti.

Crítica: Una poesia hecha realidad, un cine romántico que deberia verse más comunmente. Este gran filme retrata la vida de Mario Ruoppolo, un hombre que a mitad del siglo XX vive en muy mala situación económica, cuando el poeta chileno Pablo Neruda llega a vivir a su ciudad para exiliarse de las autoridades chilenas, Mario es contratado como cartero personal del poeta. Cada vez que le entrega cartas al poeta, se va forjando poco a poco una gran amistad, que les cambiara la vida a ambos, pero más a Mario. En esta cinta italo-francesa, la cual fue nominada al oscar por mejor película (y no extranjera), Michael Radford nos regala 115 minutos de mucha emoción, de un gran conjunto de cosas, que dan como resultado una gran película, recrea muy bien a pesar de no ser italiano, la sociedad de la Italia de mediados del siglo pasado, nos logra transmitir por medio de un buen conjunto de actores grandes emociones y poemas, los cuales nunca los habia sentido asi, nunca habia estado tan atento a las poesias de Neruda, y creo que despues de esto, me interesare más por su obra. El guión, hecho por 5 personas entre las que estan aparte de Radford y Troisi, ademas de Anna Pavignano, Furio Scarpelli y Giacomo Scarpelli basandose en la novela "Ardiente Paciencia" de Antonio Skármeta, el cual se nota bien hecho y estan bien adecuadas las escenas que incluyen los poemas de Neruda, además de buenas y graciosas frases.

Las actuaciones son más que buenas, Massimo Troisi crea un buen personaje, ingenuo e inseguro, que madura con el paso de su amistad con Neruda; Philippe Noiret, el cual pense que no lograria hacer algo igual a lo que hizo en Cinema Paradiso, y lo iguala con su gran interpretación del poeta, no solo física, sino en su forma de ser se parecen a como dicen que era Neruda, un amante del mundo; Maria Grazia Cucinotta además de ser hermosa logra hacer una buena interpretación de una mujer puramente Italiana, y la que en ratos se roba camara es Linda Moretti, como la tia de Beatrice, graciosisima por su forma de ser y un fiel retrato de la sociedad conservadora italiana. La música de Luis Enríquez Bacalov (compositor argentino) es excelente, la senti como una combinación entre música de Sudamérica (Chile y Argentina) e Italia, con un gran uso de los instrumentos que se manejan. Otro grana aporte es la bella fotografia de Franco Di Giacomo, que muestra unos paisajes bellisimos. La dirección de arte destaca en lo demás tecnico. Definitivamente una gran película, deben verla los amantes de la literatura y el cine.

Calificación: