La Pantera Negra: De platillos voladores, femme fatale, y Pedro Infante.

Película: La Pantera Negra (México, 2010)
Director: Iyari Wertta
Actores: Enrique Arreola, Laura de Ita, Mario Almanda, Fernando Ciangerotti, Ely Guerra, Dolores Heredia, Marius Biegai.

Crítica: Es un interesante retorno a las épocas de Oro en el inicio de una joven promesa.
Un día, Nico (Enrique Arreola), un detective algo decadente; recibe la llamada de alguien llamado Dios (Mario Almanda), quien le encarga encontrar La Pantera Negra, aunque luego una misteriosa mujer (Dolores Heredia) le contrata para matar a Pedro Infante, alegando que él sigue vivo. De no cumplir estas misiones Nico morirá por lo que deberá resolver estos acertijos junto con una "amiga" suya (Laura de Ita) a como de lugar.
Probablemente la historia no sea algo tan real o creíble, pero qué mejor en el cine que mostrar algo increible para dejar un mensaje como el que se muestra en la cinta, como los avatares del destino y el juego de la vida, con ciertas referencias religiosas y un inmenso tributo al cine tanto mexicano como el mundial, que provocan reminicencias a cintas como las de Pedro Infante, el cine negro del que me llegó un recuerdo a El Halcón Maltés, películas de ciencia ficción de los 50's-60's y a 8 1/2 de Fellini, todo esto dando como resultado un filme que rompe géneros, una buena señal para ser el primer largometraje del director Iyari Wertta, que también escribe y compone la música.

Las actuaciones no están nada mal, todo el cast realiza un papel estupendo, pues son personajes con muchos pero bien definidos matices, donde los personajes que más llaman la atención son los que interpretan Laura de Ita, Ely Guerra y Dolores Heredia.
La dirección de fotografía de Christian Rivera , junto con la edición de Yoame Escamilla, Luciana Jauffred Gorostiza, Francisco Rivera y Francisco X. Rivera dan un producto visual exquisito en blanco y negro que maneja efectivamente la unión viejo-nuevo.

La música de Wertta es primordialmente del estilo de espias, pero las melodías de solo de piano le dan un valor más dramático a un soundtrack muy interesante, y las canciones están muy bien compuestas e interpretadas.
Como me gusta decir en cada opera prima que veo que se ve un futuro prometedor en el realizador: ¡Sigue así Iyari Wertta!

Calificación:

La ilusión viaja en tranvía: Con ruta a los ideales.

Película: La Ilusión viaja en Tranvía (México, 1954)
Director: Luis Buñuel
Actores: Lilia Prado, Carlos Navarro, Fernando Soto, Agustín Isunza, Miguel Manzano.

Crítica: Buñuel nos embarca de nuevo en un transporte sólo que esta vez con consecuencias muy distintas.
El "Caireles" (Carlos Navarro) y el "Tarrajas" (Fernando Soto) son dos trabajadores de la empresa de tranvías de la Ciudad de México. Cuando arreglan el tranvía 133, recibirán la noticia que el vehículo no iba a circular más, por lo que el coraje y unas cuantas copas en una pastorela, deciden robarse el tranvía para así darle por la noche el uso que hubiera tenido; pero junto con Lupita (Lilia Prado), hermana del "Tarrajas" y que pretende el "Caireles", la última salida del 133 parece no ser lo que esperaban.
Don Luis Buñuel, al igual que en Subida al Cielo, pone como punto inicial un transporte público como mero centro de una gran serie de acontecimientos; en esta ocasión, a diferencia de la antes mencionada, utiliza la comedia para abrirle el paso a una aventura de lo más entretenida y enredosa, y un drama romántico con un simbolismo erótico muy bien guardado pero interpretado muy bien. Además aquí se destacan varías de las clásicas ideologías que mete en sus historias Buñuel de las distintas caras de la moneda de la sociedad mexicana a través de las creencias religiosas y las ideologías políticas haciendo un punto reflexivo del capitalismo como se ha visto en cintas como Metrópolis y Tiempos Modernos, por lo que podríamos decir que esta es la película industrial de Buñuel con las ; esto en base en un guión de Mauricio de la Serna, José Revueltas, Mauricio de la Serna, Luis Alcoriza y Juan de la Cabada, que de nuevo le da junto con el gran Revueltas una gran fidelidad a la forma de hablar del mexicano de los 50's con muy buenas frases.

El reparto protagonista realiza muy bien su caracterización: Prado, bellísima como siempre regalándonos sus encantadoras piernas y un papel duro pero no tanto; Navarro, romántico e idealista que no aparenta su edad junto con Soto hacen una especie de Gordo y Flaco, donde este último en ratos le roba cámara al Flaco por unos muy buenos y ocurrentes diálogos. En el resto del cast hacen un bueno pero no destacable trabajo y algunos niños sobreactuaron bastante.
La dirección de fotografía de Raúl Martínez Solares es muy buena y logra que el espectador se sienta dentro del tranvía como un pasajero más, fuera de él realiza buenos movimientos. La música de Luis Hernández Bretón es poca y probablemente hubiese sido recomendable musicalizar más, pero lo que si hay es efectivo para las escenas.
No es mala idea ver esta película en la que de nuevo Buñuel nos demuestra que puede con cualquier tipo de cintas.

Calificación:

Subida al Cielo: Odisea de camioncito.

Película: Subida al Cielo (México, 1951)
Director: Luis Buñuel
Actores: Esteban Márquez, Lilia Prado, Carmelita González, Roberto Cobo, Luis Aceves Castañeda.

Crítica: Es un fresco, divertido y cachondo ejercicio de Buñuel, sin olvidarse de su estilo.
En un pueblito del estado de Guerrero, Oliverio (Esteban Márquez) acaba de casarse con Albina (Carmelita González), pero tiene que cancelar su luna de miel debido a que su madre se encuentra moribunda y él tiene que ir a una ciudad en busca de un abogado que haga el testamento de su madre evitando que sus hermanos mayores hagan lo que quieran. Así se sube a un camión junto con varios de sus vecinos entre los que se encuentra la sensual Raquel (Lilia Prado), que se la pasa seduciendo a los hombres, sobre todo a Oliverio.
Basado en una idea que propuso el poeta y amigo Manuel Altolaguirre, Luis Buñuel, junto con Juan de la Cabada, Manuel Reachi y Lilia Solano Galeana escriben una historia cargada de un estupendo humor negro, unos personajes muy bien delineados y una estupenda representación de la sociedad mexicana a través de sus tradiciones, costumbres y su forma de hablar que no dejara uno de soltar carcajada, todo esto en una odisea de un camión a través de tormentas, ríos y tentaciones carnales. El sello de Buñuel también radica en mostrar de nuevo una sociedad dividida socialmente y no dejó pasar los momentos cumbres de sus películas: el surrealismo, que en esta ocasión es una espectacular escena llena de pasión y traición.

Las actuaciones son buenas para unos personajes que bien representan diversos aspectos de la sociedad, algunas resultan un poco sobreactuadas y eso disminuye un poco la credibilidad en la historia. A los que destacaría del cast son a Lilia Prado con su belleza y cinismo y a Luis Aceves Castañeda que es la cumbre de risas.
La dirección de fotografía de Alex Phillips tiene sus grandes momentos aunque algunas escenas la iluminación no es la adecuada que disminuye de excelente a muy bueno el trabajo de este importante cinefotografo del cine mexicano.
La música de Gustavo Pittaluga no es tan brillante como la de Los Olvidados pues le resta efecto a las escenas dramáticas (contrario a la antes mencionada) y le da más énfasis a las cómicas.
En conclusión no es tal vez una película básica de Buñuel pero si es una excelente tragicomedia en la que el español Buñuel reafirma que ya era totalmente mexicano.

Calificación:

Noticias de la Semana (19-24 julio 2010)

Inicia Expresión en Corto

El Festival Internacional de Cine Expresión en Corto que se celebrará del 23 al 27 de julio en San Miguel de Allende y del 28 al 1° de agosto en Guanajuato ha iniciado en San Miguel con un gran ánimo de festejar al cine y al bicentenario de la Independencia tanto aquí en México como en Argentina, que es el país invitado de Honor. Entre los eventos importantes además de las muestras de cortometrajes y operas primas de largometraje, se destacan la exhibición de las cintas Año Bisiesto, Los Labios y la edición restaurada de la versión de 140 minutos Metrópolis, además de la proyección de clásicos del cine nacional como argentino. Entre los invitados especiales están los argentinos Eugenio Subiela y Lucrecia Martel, el mexicano Alejandro González Iñárritu que dará una conferencia además de la presentación del libro Un Cine de Libertad, donde asistirá también Iñarritu y Subiela. La clausura será acompañada por el concierto de Jaguares y Fobia en la Expo Guanajuato Bicentenario. Estaremos en el festival del 28 al 1° informandoles sobre lo más importante de este evento fílmico de nivel internacional. Más cine por favor.

Guillermo del Toro se encargará de  La Mansión Embrujada

Tras salir de la dirección del proyecto de El Hobbit, Guillermo del Toro anunció durante la Comic Con en San Diego que su nueva película a escribir y producir será de Disney y será La Mansión Embrujada, en la que se basará en el juego de Disneylandia, solo que promete que no será como la versión de hace unos años que protagonizaba Eddie Murphy, pues dijo que esta dará miedo. Esperemos que sí.

Black Swan abrirá la Mostra

Black Swan, la próxima película del gran Darren Aronofsky será la encargada de abrir la próxima edición del Festival Internacional de Cine de Venecia. La película esta protagonizada por Natalie Portman. El filme también competirá por el León de Oro, pero el hecho que hace dos años lo haya ganado Aronofsky por Luchador le disminuye posibilidades.

El Topo: Western filosóficamente retorcido.

Película: El Topo (México, 1970)
Director: Alejandro Jodorowsky
Actores: Alejandro Jodorowsky, Mara Lorenzio, Brontis Jodorowsky, Bertha Lomelí, Paula Romo, Robert John.

Crítica: El Topo (Alejandro Jodorowsky), es un justiciero que junto con su hijo de 7 años (Brontis Jodorowsky) asesinan a todo aquel que haga alguna maldad. Uno de sus objetivos será eliminar a los cuatro maestros del revolver, para así convertirse en el mejor pistolero del mundo, cueste lo que cueste.
Probablemente sea una de las películas más polémicas del cine mexicano, pues como pocas también en el cine en general, esta película cuenta entre sus elementos una violencia extrema, desnudos, escenas sexuales con muy pocos tapujos y una historia con un contenido que muchos alegarían de obscena, pero esto es lo normal en una película de Jodorowsky, que si no es analizada correctamente sería como muchas de su tipo que han sido destrozadas por sectores públicos. El Topo es un ejercicio magistral en el que las imágenes que tienen una muy fuerte carga simbólica y varias estupendas escenas representan entre otras cosas referencias a diferentes creencias religiosas, sobre todo la cristiana y la budista y una representación del mito platónico de la caverna como ideología moral del protagonista, que a lo largo de este western algo retorcido, busca por medio de encontrar cierto apoteosis y más que nada darle sentido a su vida en un mundo dominado por la justicia. Además la cinta también hace referencia y crítica al capitalismo como un modo absurdo, represor e injusto a través de los personajes que están en contra de El Topo (el símbolo de la pirámide con un ojo dentro de él del pueblo mostrado en la segunda parte hace alusión total a Estados Unidos); además mostrado en uno de los géneros más representativos de Hollywood: El Western, género del que Jodorowsky también se mofa a modo de homenajey rompe sus esquemas.

Las actuaciones son estupendas y de los personajes principales a nadie destacaría de otro, pues realizan muy bien su papel en donde aparentemente son personajes que comparten características con los del cine de vaqueros, pero al verlos en acción son totalmente opuestos a ellos salvo algunas excepciones. Alejandro Jodorowsky fue el protagonista lo cual aumenta más la credibilidad por el hecho que al ser el director y el escritor (también encargado de música, diseñador de producción y de vestuario).

La dirección fotográfica de Rafael Corkidi es totalmente una fotografía dedicada al western, con los encuadres y movimientos clásicos de Tonino Delli Colli de los filmes de Sergio Leone, solo que visualmente la diferencian los psicodélicos decorados de Jodorowsky.
La música de Jodorowsky y Nacho Méndez igualmente utiliza ciertas notas clásicas de westerns pero aumentándole ciertas notas psicodélicas y orientales que dan un soundtrack muy interesante. Vale la pena mencionar que a John Lennon le encantó la película que fue el que ordenó a su manager que distribuyera la cinta. Es otra película en la que Jodorowsky no dejará de causar expectación nunca.

Calificación:

Fando y Lis: ¡Qué bonito es un entierro!

Película: Fando y Lis (México, 1968)

Director: Alejandro Jodorowsky
Actores: Sergio Kleiner, Diana Mariscal, María Teresa Rivas

Crítica: Fando (Sergio Kleiner) y Lis (Diana Mariscal) son una pareja que anda en busca de la ciudad de Tar, en donde encontrarán un verdadero paraíso y donde todos sus deseos se harán realidad; pero el camino hacia esa ciudad mágica cambiará demasiado sus mentes y su forma de ser.
Alejandro Jodorowsky es un artista de casi todas las artes en las que tiene como base primordialmente el esoterismo y crear imágenes con un gran valor simbólico y surreal, y en su opera prima en largometraje (en los 50's hizo un cortometraje) demuestra con una polémica pero estupenda manera esos elementos adaptando la obra teatral de su entonces amigo Francisco Arrabal (con quien fundó el movimiento Pánico, que manifestaba el terror, la fantasía y la comedia en el arte) además que hace una buena señal que la época que se vivía entonces era de varios cambios históricos e ideológicos, y esto combinado con las tradiciones mexicanas y cierta influencia de el cine expresionista, las películas de Buñuel y Fellini da como resultado una película difícil de ver pero con un trasfondo de lo más interesante.

Las actuaciones de Sergio Kleiner y Diana Mariscal probablemente carezcan de naturalidad pero la película no pretende ser natural ni sincera, por lo que es adecuada desde movimientos muy extravagantes hasta un acento de lo más exagerado; pero esto fue un muy buen trabajo además de lo que sufrieron (Desde comer flores reales, golpizas, escenas sexuales, y un largo etcétera.).
La dirección de fotografía de Rafael Corkidi y Antonio Reynoso son del tono expresionista pues no usan un modelo clave de filmación, usando tomas abiertas, cerradas, close-ups agresivos, movimiento de cámara irregulares, lo que da junto con el contrastante blanco y negro un aspecto visual más que experimental.
La música de Pepe Ávila, Mario Lozua y Hector Morely acrecientan el lado retorcido de la cinta pero también toman algo del estilo mexicano para situar más el contexto, además que la canción "¡Qué bonito es un entierro!" es fantástica.
No es una película muy digerible y mucho menos para su época (En su primer proyección en Acapulco estuvieron a punto de lincharlo) pero analizándola y conociendo lo que nos atenemos con Jodorowsky es un excelente filme experimental de los que sucedieron a finales de los 60's en México y el mundo.

Calificación:

Trailers: El Origen

Esta sección la he descuidado algo, y para revivirla era de vital importancia que anunciara esta película que seguramente será un éxito, o al menos eso lo han demostrado las críticas que lleva. Me refiero a El Origen (Inception, 2010), el nuevo filme de Christopher Nolan, el cual es un thriller ubicado en la arquitectura de la mente. Es protagonizado por Leonardo DiCaprio, Michael Caine, Ellen Page, Marion Cotillard, Joseph Gordon Levitt, Ken Watanabe, entre otros. En México se estrena este viernes 23, aunque yo creo poder verla hasta el lunes. Sin más disfruten el trailer.

El Sacrificio: La Última Voluntad de Tarkovsky.

Película: El Sacrificio (Offret, Suecia-Francia-Reino Unido, 1986)
Director: Andrei Tarkovsky
Actores: Erland Josephson, Susan Fleetwood, Tommy Kjellqvist, Guðrún Gísladóttir, Allan Edwall, Sven Wollter, Valérie Mairesse, Filippa Franzén.

Crítica: La última película de Tarkovsky es un impresionante cierre a la trayectoria de uno de los mayores poetas cinematográficos.
Alexander (Erland Josephson) es un escritor y actor retirado que vive feliz en una cabaña de una pequeña isla con su familia alejado de una sociedad que el considera amoral y descuidada del uso que le ha dado a la tecnología. Cuando la Tercera Guerra Mundial estalla, Alexander buscara que su familia no sufra los estragos de una guerra, sin importar el más grande sacrificio que tenga que realizar.
En esta película escrita solo por él, Andrei Tarkovsky persiste hasta su último filme logrando zafarse de la Unión Soviética para evitar el control que ejercían en su filmografía, trasladándose a Suecia y con la carga del inicio de un cáncer pulmonar realizar un filme sublime (no el mejor de su filmografía pero si para la historia del cine), en el que su estilo narrativo, técnico y moral se unen con la influencia cinematográfica que tuvo para ser lo que fue, pues además de mostrar otra historia en la que analice la situación del hombre con su carácter moral desde varios puntos de vista filosóficos (incluso aquí se habla de Nietzche), de nuevo hace énfasis en mostrar lo maravilloso de la naturaleza y su relación con el hombre y de utilizar los elementos técnicos que lo caracterizan es de destacar lo largas pero perfectamente bien realizadas que son las escenas en las que la naturalidad de la actuación hace que sintamos que estamos viviendo ese momento, pues el carácter de lo teatral trasciende. Como dije anteriormente aquí se luce más que en otro filme la influencia que tuvo Tarkovsky, como Ordet de Carl Theodor Dreyer, Nazarín de Buñuel y varias de Bergman, aunque esto ultimo sea más por el hecho que el crew también participará en cintas de aquel director y que además transcurra en las tierras del sueco.

Las actuaciones están muy bien, quizás quien sobreactua un poco y pierde un poquito la credibilidad es Susan Fleetwood, pero en lo general el cast es muy bien para los personajes que se manejan, en donde destacaría además de Josephson a Tommy Kjellqvist, Guðrún Gísladóttir y Allan Edwall.
La dirección de fotografía de Sven Nykvist es como siempre en los filmes de Tarkovsky estupenda, aquí hay muy buen equilibrio entre tomas abiertas y cerradas, donde las obras artísticas dentro de la casa además de convertirse en testigos de lo sucedido en la película son muy bien exhibidas y la casa misma se transforma en pinturas de una combinación entre lo minimalista y lo rústico, por lo que aquí conviene hablar de los decorados de Anna Asp.

La música usada primordialmente es "Erbarme dich mein Gott" de Bach, y la falta de esta como en Nostalgia provoca un poco mayor pesadez para la cinta, pero en comparación con la otra, El Sacrificio no pierde tanto, pero el uso que se le da a la canción es estupendo y glorifica al principio y al final de la obra. Es un cierre magnifico, de un director que la gente palomera no entendería ni soportaría, pero es un autor con toda la extensión de la palabra y solo me queda decir: ¡Gracias por todo Tarkovsky!

Calificación:

Nostalgia: Cuando los recuerdos invaden el alma.

Película: Nostalgia (Nostalghia, Italia-URSS, 1983)
Director: Andrei Tarkovsky
Actores: Oleg Yankovskiy, Domiziana Giordano, Erland Josephson, Patrizia Terreno.

Crítica: Este filme de Tarkovsky es una obra de arte a través de la artística Italia. En su viaje hacia Italia en busca de inspiración, el poeta Andrei Gorchakov (Oleg Yankovskiy), acompañado de la traductora Eugenia (Domiziana Giordano) recorrerá lugares en el que añorará su pasado, pero al conocer a Domenico, un hombre que le encarga realizar una misión, su vida tomará una gran reflexión. El guión de Tarkovsky y Tonino Guerra podría parecer complicado y en el filme se muestra así, pero razonándolo no tiene mucha dificultad, pues el estilo narrativo y visual de Tarkovsky es normalmente muy complejo y eso provoca cierta confusión en el espectador después de verla sobre si el mensaje era tan fácil o un enigma disfrazado; por lo que preferiré hablar de esta película más en lo técnico que en lo narrativo en esta ocasión. Tras un muy pesado proceso para llevar Stalker que tuvo que filmarse dos veces pues el rollo de la primera filmación se perdió por completo y las trabas que la Unión Soviética le ponía a Tarkovsky fue parte de lo que lo llevó a filmar esta película fuera de su país aunque aún con cierta presencia de la URSS, pero esto aumentó más a una mayor libertad de Tarkovsky para actuar. Tarkovsky se asocia totalmente a Italia pues el lado artístico italiano que de por sí es magnifico se glorifica con la película. Los errores principales de la película son una falta de ritmo que hace de esta la película más pesada de Tarkovsky y en las tomas nocturnas la iluminación no ayuda demasiado, pero son detalles no tan grandes.

La actuación de Oleg Yankovskiy es estupenda, en El Espejo hizo una corta pero fuerte aparición y aquí toma muy bien los rasgos de las películas tarkovskyanas: un hombre en busca de darle sentido a su vida o sus ideas a partir de lo sucedido en la película. Los actores que mayor participan (pues los demás son muy incidentales) son Domiziana Giordano y Erland Josephson, quienes poseen las mismas características del de Oleg pero manifestadas distintas y con desenlaces distintos pero igual de sorprendentes.

La fotografía de Giuseppe Lanci es estupenda y logra exaltar las locaciones italianas además que con la dirección de Tarkovsky logró crear escenas estupendas, aunque como dije antes, el problema es que es demasiado oscura y en las tomas nocturnas no se aprecia demasiado bien los acontecimientos.
La música no es original y muy escasa, lo que sea la primera causa que la película se sienta lenta, pero la música de Beethoven usada en la cinta es muy bien seleccionada y adecuada. Es quizás el peor largometraje de Tarkovsky, pero aún así su peor trabajo es una obra maestra.

Calificación:

Noticias de la Semana (13-18 julio 2010)

Hulk tendrá nuevo rostro.

Eric Bana y Edward Norton han interpretado a Hulk, siendo el último quien seguiría actuando en Los Vengadores y en una secuela de El Increible Hulk (2008), pero el actor renuncíó (o lo corrieron) a los siguientes proyectos del hombre verde, pues según Marvel necesitan "un actor que plasme la creatividad y espíritu colaborador de los demás miembros de nuestro talentoso reparto", según Norton "no funcionaría" interpretando de nuevo a Hulk. Se pensó que Joaquin Phoenix tomaría el papel pero todo parece indicar que quien tendrá el papel de Bruce Banner será Mark Ruffalo.

Se unen al reparto de X-Men First Class

Algunos nombres se han barajeado para el elenco de X-Men First Class y de ellos ya se han confirmado dos más aparte de James McAvoy que interpretará a Charles Xavier y Michael Fassbender que será Magneto. Los otros dos son Jennifer Lawrence que interpretará a Mistique y Kevin Bacon que será un villano, aunque no se sabe quien será. Del reparto también actuarán Alice Eve y entre los rumores están el lobito Taylor Lautner, Meagan Good, Aaron Johnson, Rosamund Pike y La película será dirigida por Mattew Vaughn y se estrenara a mediados de 2011.

Shrek Para Siempre: Digno final de la saga.

Película: Shrek para siempre (Shrek Forever After, EUA, 2010)

Director: Mike Mitchell
Voces (en inglés): Mike Myers, Eddie Murphy, Cameron Diaz, Walt Dohrn, Antonio Banderas.

Crítica: El capítulo final de Shrek (esperemos eso) es un digno episodio final en el que los chistes y personajes están vigentes.
Shrek (Mike Myers) no podría ser más feliz: Esta casado con Fiona (Cameron Diaz), convive excelentemente con sus amigos Burro (Eddie Murphy o Eugenio Derbez) y Gato (Antonio Banderas) y tiene tres hijos; pero esto se vuelve una rutina en Shrek lo que hará que añore los tiempos en que asustaba y no era una real celebridad, por lo que hace un trato con el bajito y tramposo Rumpelstinski (Walt Dohrn) para que un día vuelva a ser el de antes, sólo que Rumpel le tiende una trampa y lo transporta a un mundo paralelo donde el pequeño es el rey de Muy Muy Lejano. Shrek tendrá que buscar a sus viejos amigos y así recuperar su futuro.
Esta película es un mejor cierre para la saga del ogro verde que retó a los cuentos de hadas, pues la tercera parte tuvo una calidad un poco baja comparada con las primeras dos entregas, y la falta de ingenio de la tercera (no digo que sea mala, sólo que algunos gags o parodias no resultaron tan graciosos) al menos en mi detono ciertas dudas acerca de la cuarta parte pero me parece que lograron la calidad de las primeras dos donde el entretenimiento no para, los gags son buenos, los personajes son respetados a pesar de que la mayor parte están en un mundo alterno y usan muy bien una formula narrativa que ha sido utilizado varias veces en el cine y la TV en el modo de dejar cierto mensaje, por lo que podría decir que el director Mike Mitchell y los guionistas Josh Klausner y Darren Lemke dejan un buen trabajo.

Las voces como siempre son muy buenas tanto en inglés como en pero por lo que vale verla en español (en Latinoamérica) es Eugenio Derbez quien le imprime mucho mayor gracia a la cinta que Murphy. El nuevo personaje Rumpelstiltskin (en Shrek 3 también aparece pero muy incidental) es dotado de las características de la saga y me parece el mejor villano de la saga junto con la hada madrina de la segunda parte, además que su voz tiene las mismas características tanto en inglés como en español.
La fotografía de Yong Duk Jhun junto con los animadores y los encargados de efectos realizan un buen trabajo en el que los detalles de la animación han mejorado pero el estilo visual sigue ahí, además que el 3D no afecta demasiado a la historia.
La música de Harry Gregson-Williams no le aporta mucho al soundtrack de la saga pero es adecuada para las situaciones.
Es un buen cierre de una saga que nos hizo reír por 9 años. Ahora a ver si el gato con botas puede tener el mismo éxito sólo.

Calificación:

Stalker: ¿Cuáles son los mayores deseos del alma?

-CRÍTICA 100 DEL BLOG-

Película: Stalker (Сталкер, URSS-Alemania Occidental, 1979)
Director: Andrei Tarkovsky
Actores: Aleksandr Kaidanovsky, Anatoli Solonitsyn, Nikolai Grinko, Natasha Abramova.

Crítica: Internarse en la zona fílmica de Tarkovsky es un viaje de introspección a lo más profundo de nuestros pensamientos y esta vez nos acompañan tres personajes.
Un stalker (Aleksandr Kaidanovsky) es una persona que guía a personas que lo desean (y porqué no, le paguen) hacia La Zona, un lugar donde tiempo atrás cayó un meteorito, y donde existe una habitación en la que a las personas se les cumplen sus más anhelados deseos; pero el problema es que las personas que no saben cruzar el camino nunca han aparecido, por lo que la policía cerco la entrada, aunque los stalker encuentran el modo de adentrar a las personas, en el caso del filme serán un escritor (Anatoli Solonitsyn) y un profesor (Nikolai Grinko) quienes buscarán entrar a la habitación de la zona.

Basado en la novela “The Roadside Picnic” de los hermanos Boris y Arkadi Strugatsky (quienes también realizaron el guión adaptado), Andrei Tarkovsky (que también participo en el guión pero sin acreditarse) encontró otra historia en la cual se reflejen los aspectos de la sociedad que intervienen en nuestra mente y hacer un análisis junto con los personajes del filme de cuáles son los reales deseos de cada persona, por qué vivir y para quienes seguir viviendo, esto se complementa con las poesías del padre de Andrei, que en conjunto vuelve a realizar una historia de lo más compleja (al publico palomero le parecerá absurda) pero es un incesante deseo de Tarkovsky de mostrarnos una filosofía de vida por medio de escenas sucias, crudas pero a la vez increíbles, con lo que pasamos a lo técnico que hay que decir que a diferencia de Solaris logra traspasar los límites de la ciencia ficción y que técnicamente todo es perfecto para crear de nuevo escenas que dejan al espectador sin habla y sentido por un buen rato (Tarkovsky demostró que es uno de los maestros de los finales).
Las actuaciones siguen sin decepcionar en la filmografía del director soviético y de nuevo quien roba cámaras es Anatoli Solonitsyn que ya se convirtió en mi actor favorito. Para un reparto tan pequeño todos hacen muy bien su trabajo aunque si nos ponemos realmente exigentes a quien digo que le faltó tanto en interpretación es a Nikolai Grinko. La pequeña Natasha Abramova nos roba además un impacto sorprendente (al ver la película me darán la razón).

La dirección fotográfica de Aleksandr Knyazhinsky utiliza como es normal en las películas tarkovskyanas tomas estáticas y simples de movimiento sobre todo en primer plano, y al igual que en El Espejo, sólo que mucho más contrastante en el uso del Sepia y el Color para en este caso diferenciar las escenas dentro y fuera de la zona, o tal vez será la diferencia entre el mundo real y el fantástico, y esto complementado con los sucios y postapocalipticos decorados hechos también por Tarkovsky y Aleksandr Bojm. Visualmente también se vuelve a exaltar a la naturaleza, solo que aquí esta algo muerta.
La música de Eduard Artemyev igualmente esta muy enfocada a mostrar el misticismo natural que se encuentra en la cinta, y esto acrecienta más el impacto de la imagen en el espectador.
Esta misteriosa película en la que se retratan los misterios de la vida es una más del genial Tarkovsky que ningún cinéfilo de verdad puede pasar desapercibida.

Calificación:

El Espejo: Reflejos de Vida.

Película: El Espejo (Зеркало (Zerkalo), URSS, 1975)

Director: Andrei Tarkovsky
Actores: Margarita Terekhova, Ignat Daniltsev, Oleg Yankovskiy, Filipp Yankovsky, Anatoli Solonitsyn, Arseni Tarkovsky (Poemas), Innokenti Smoktunovsky (voz), Andrei Tarkovsky (sin acreditar)

Crítica: El cuarto filme de Tarkovsky es un magistral ejercicio de poesía autobiográfica.
La trama no es tan sencilla para hacer una sinopsis: Un hombre se encuentra en una delicada crisis debido a la separación de su esposa y de su hijo, dándose cuenta que el problema viene desde que nació, pues su vida fue muy dura por la ausencia de su padre y la segunda Guerra Mundial, que lo tocó en los primeros años de su vida.
Es la película más complicada de lo llevado en su filmografía, pues la película no contiene en un guión de él, una estructura narrativa plenamente definida: usa partes de la infancia del protagonista, partes de su presente en donde el protagonista no aparece en toda la pantalla y tomas de videos del acontecer mundial en los 40's ordenadas sin una linea y además contiene poesías escritas por el padre de Tarkovsky que por separado no parece nada pero en conjunto es una historia compleja pero brillante en la que Tarkovsky nos abre las puertas de su vida, sus imaginación y sus sueños. Tecnicamente la película cuenta con escenas sorprendentes (es la primera vez que veo una increíble representación de los 4 elementos de la naturaleza) que exaltan a la naturaleza.

Como ha demostrado Tarkovsky, su selección de actores rinde sus mejores frutos pues son realmente asombrosas para personajes realmente difíciles: Margarita Terekhova en un doble papel es magnífica, creíble y da gala de su cuerpo y de su talento, al igual que los niños que interpretan al protagonista en su infancia: Ignat Daniltsev y Filipp Yankovsky, el primero además hace un segundo papel como el hijo del protagonista, que si en este caso es Tarkovsky (que materializa al protagonista en algunas partes de su cuerpo pero solo se sabe si ves el trailer) se parece mucho a él, aunque lo lamentable es que eran jóvenes promesas que no actuaron en otra película. A destacar también el siempre fenomenal Anatoli Solonitsyn quien en una muy corta aparición vuelve a demostrar su capacidad actoral.

La fotografía de Georgi Rerberg logra con eficacia cumplir lo que probablemente quiso Tarkovsky, pues Vadim Yusov no se sintió capaz de realizar el trabajo que pedía el director, por lo que tuvo que cambiar, y como dije anteriormente Rerberg logra acercar al espectador con el entorno del protagonista que con el diseño de producción de Nikolai Dvigubsky junto con el ingenio de Tarkovsky permite crear escenas absolutamente hipnóticas.
La música de Eduard Artemyev creo que se excede un poco en espantar al espectador pero en general, junto con el uso de piezas clásicas de Bach y Henry Purcell es un trabajo sonoro estupendo. Es otra película básica a ver de Tarkovsky (aunque yo recomendaría ver todas) en la que el ruso nos regala una poesía cinematográfica.

Calificación:

Noticias de la Semana (4-12 julio 2010)

Roman Polanski ha sido liberado.

El director polaco Roman Polanski fue declarado en libertad este lunes por errores en los trámites de extradición al cineasta, por lo que le fue otorgada su libertad luego de casi un año de estar encerrado y sin poder promocionar su nueva cinta "El Escritor". Es un gusto que el director vuelva a las andadas.

Cambian reglas en los Óscares

Para la próxima entrega de los premios de la academia, la misma declaró nuevas reglas para las ternas a efectos visuales y a Mejor Película Animada. En cuanto a efectos en lugar de ser tres nominados serán cinco (algo que era necesario ante los excelentes efectos de varias cintas que no eran reconocidas por el número limitado) y en cuanto a animación, la Academia declaró que las películas que podrían ser nominadas en esa categoría pueden durar desde 40 minutos (un mediometraje).

Chris Columbus podría dirigir Superman.

El director de Harry Potter y la Piedra Filosofal, Chris Columbus es el primer candidato segun rumores de Empire a dirigir la nueva cinta de Superman, la cual será apadrinada por Christopher Nolan. Esperemos a alguna noticia oficial pero tampoco tomemoslo tan a la ligera por la fuente.

Batman 3 iniciará rodaje en abril.

Warner Bros. anunció que la próxima película de Christopher Nolan y tercer capítulo de la saga de Batman creada por él dará inicio de producción en el mes de abril de 2011, siguiendo con el objetivo de estrenarla en julio de 2012. Nolan reafirmó que no habrá más Guasón pero no informó quien o quienes serán los nuevos villanos de esta entrega.

Ian McKellen podría abandonar El Hobbit.

El carismático actor Ian McKellen, quien interpretó a Gandalf en El Señor de los Anillos, informó que de no concretarse nada podría abandonar el proyecto de El Hobbit pues no esta para que espere a una notificación mientras pierde ofertas o deseos de otros trabajos. Se ha rumorado que El Hobbit podría estrenarse hasta 2015 pues los problemas de MGM no parecen dar buenos resultados, pues incluso ya se canceló definitivamente la realización de un nuevo filme de James Bond.

Solaris: Inquietante viaje al centro de lo inimaginable.

Película: Solaris (Солярис (Solyaris) URSS, 1972)
Director: Andrei Tarkovsky
Actores: Donatas Banionis, Natalya Bondarchuk, Jüri Järvet, Anatoli Solonitsyn, Vladislav Dvorzhetsky, Nikolai Grinko, Sos Sargsyan.

Crítica: La incursión de Tarkovsky en la ciencia ficción es otro más de los ejemplos de la genialidad de este autor con un filme estupendo.
Kris Kelvin (Donatas Banionis) es un científico que viaja a la estación espacial del planeta Solaris para investigar la muerte de uno de los tripulantes, además de verificar si es cierto que en la estación están sucediendo unas manifestaciones totalmente extrañas.
En su tercer filme, Andrei Tarkovsky cambia al color en una película de ciencia ficción basada en la novela de Stanislaw Lem y escrita por él y Fridrikh Gorenshtein logrando un resultado realmente impresionante para el género, que quizás no trasciende tanto de él como en Andrei Rublev o La Infancia de Iván, pero logra hacer una excelente adaptación en un producto muy llamativo, con una impresionante carga de suspenso que se sobrelleva por los elementos narrativos (una estructura narrativa compleja y redonda), los técnicos (decorados que aumentan la confusión, una iluminación sorprendente, cambios del color al blanco y negro), su capacidad que sus películas trasciendan del tiempo por medio de escenas largas pero atrayentes y una dote actoral sorprendente para que la historia sea creíble y perturbadora. Además Tarkovsky a través de estos elementos hace una reflexión sobre el amor y sus límites, un afecto hacia lo conocido y el miedo a lo desconocido y esto se muestra a lo largo de la cinta hasta el increíble final. Tal vez sea una especie de respuesta a 2001: Odisea del Espacio, como muchos dicen, y tal vez lo sea pero muy al modo de Tarkovsky y con historias distintas.

Las actuaciones son estupendas y a pesar de lo complejos y extraño de todos los personajes logran hacerlos creíbles sin llegar al cliché, destacaría del cast a dos actores: a Natalya Bondarchuk y a Anatoli Solonitsyn.
La dirección fotográfica de Vadim Yusov tiene muy buenos movimientos y planos que con los sets del diseñador de producción Mikhail Romadin y los efectos especiales logran que visualmente se apoye a lo confuso pero grandioso de la historia además de mostrarnos un futuro no demasiado prometedor, innovador, pero no tan hermoso (a destacar la toma de la ciudad futurista que es hipnótica).

La música de Eduard Artemyev es una excelente composición psicodélica que juega un papel importantísimo en el impacto del espectador, y el uso de “Ich ruf' zu dir, Herr Jesu Christ" de Bach le da un toque más dramático a la película.
Estados Unidos realizó un remake muy regular 30 años después que no tiene caso ver.
En conclusión Solaris es una película compleja que todo cinéfilo debe ver, ya que es una obra cumbre de la ciencia ficción, del cine ruso y otra obra maestra del gran Tarkovsky.

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