Candilejas: La sonrisa de la tristeza.

Película: Candilejas (Limelights, EUA, 1952)

Director: Charles Chaplin
Actores. Charles Chaplin, Claire Bloom, Nigel Bruce, Buster Keaton, Sydney Chaplin, Marjorie Bennett.

Crítica: Chaplin nos sorprende de nuevo con esta magnífica tragicomedia.

El payaso retirado y alcoholizado Calvero (Charles Chaplin) salva del suicidio a Terry (Claire Bloom), una jovencita que desea ser bailarina, pero un psicológico parálisis en las piernas se lo impide. Calvero buscará que Terry se arrepienta de su intento de suicidio mostrándole lo bello de la vida. Estas reflexiones les cambiarán la vida a ambos y se dará una relación más allá de la amistad entre los dos, pero las barreras de la edad lo impiden.

Esta película está llena de sentimientos, nostalgia, tristeza y a la vez alegría de parte de Chaplin desencadenando en él su mejor y más grandioso trabajo en el que retrata de forma formidable la vida de las personas a través de sus variantes de edad, lo cambiante del mundo y el valor de la vida. Esta tragicomedia es una clara muestra de lo contrastante de la vida de una persona que provoca risas lo que detona más lo autobiográfico de Chaplin en la película (sin mostrar ideologías políticas tan plasmadas), donde se rememoran su enamoramiento con su esposa Oona O’Neill (que tenia 36 años menos que el cineasta) y la carrera de sus padres (se dedicaban al Music Hall). La película tiene una gran historia, es perfectamente llevada a la pantalla narrativa y técnicamente y contiene escenas inolvidables. Esta sería su última cinta en Estados Unidos, pues durante la gira de estreno de la cinta, Chaplin no pudo volver a entrar al país por decreto oficial y así se refugió en Europa.

Chaplin probablemente no actúa en la mayoría de la película pues es prácticamente él, un hombre que ama la vida, aunque esta le haya jugado malas pasadas; Claire Bloom además de ser una más de las bellas protagonistas femeninas de las cintas de Chaplin le imprime más que ninguna una gran honestidad y química con el personaje de Calvero; Buster Keaton aparece y al igual que Chaplin parece dejarles el lugar que el tenia de mito a las nuevas generaciones actorales. El resto del cast realiza muy bien sus papeles donde también cabe destacar la actuación de Sydney Chaplin, el tercer hijo de Charlie.

La dirección fotográfica de Karl Struss, con quien trabajo en El Gran Dictador logra el mejor trabajo de fotografía de una película de Chaplin a través de excelentes encuadres y un buen uso del movimiento y de las grúas para darle mucho mayor sentimiento a la escena, como lo hizo en otras cintas como Amanecer.
La música de Chaplin es su mejor composición y de nuevo nos encontramos con otro medio en el que le imprimió el mayor de los sentimientos a Candilejas: Amor y nostalgia.
A destacar también es la dirección artística de Eugène Lourié que le da un toque más expresionista a la película.
Con este su antepenúltimo trabajo como director y penúltimo como protagonista, Charlie nos regala lo mejor de él para esta película, donde más que nunca nos demuestra porqué se le llama Genio.

Calificación:

Dr. Insólito: Retratando lo absurdo de la Guerra Fría.

Película: Dr. Insólito (En España ¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú, en EUA Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb, me gusta más Dr. Strangelove, 1964)

Director: Stanley Kubrick

Actores: Peter Sellers, George C. Scott, Sterling Hayden, Slim Pickens, Peter Bull.

Crítica: Una gran comedia, inteligente y en su tiempo polémica, la visión satírica del holocausto nuclear, donde Kubrick explota todo su cinismo.

La película cuenta como el General Jack D. Ripper, un oficial importante manda a todas sus tropas aéreas atacar la URSS, cuando sucede esto, el gobierno de los Estados Unidos tratara de todas maneras evitar dicho ataque, ya que el fin del mundo sucedería si cayera a la URSS una sola bomba atómica, esto por la llamada Maquina del Día del Juicio, entre los que buscarán la solución al problema es el Dr. Insólito (o Dr. Strangelove).

Kubrick dirige de gran manera (ya he dicho eso mucho últimamente ¿no?) esta película, utilizando poca acción en una película prácticamente bélica, y que ubica su historia en solo 3 lugares: Las oficinas del General Ripper, la sala de Guerra y en el avión comandado por uno de los subordinados de Ripper, sin embargo el argumento hace que los pocos lugares no flojeen la historia, en esta historia Kubrick vuelve a retar a ciertos sectores, en este caso al ejercito mofándose de la estúpida Guerra Fría.

En cuanto a actores, lo hacen sumamente bien, algo poco visto en una película, el que obviamente sobresale es Peter Sellers, interpretando a 3 papeles, pero muy bien caracterizados, al Capitán Lionel Mandrake, al Presidente de los EUA, y al Dr. Strangelove, los 3 papeles los hizo de maravilla, aunque el personaje de Dr. Strangelove es demasiado extraño que llega a perder credibilidad a la historia, el personaje de Sterling Hayden, el General Ripper, hace una gran actuación en la que cada vez se vuelve más loco, George C. Scott crea al hombre común y corriente, pero sin embargo da más gracia que los demás, ya que es el mediador entre la locura de Ripper y el Gobierno, los demás actores lo hacen muy bien. La música es la más simple de una película de Kubrick, aun contando la no muy notable música de Gerald Fried, pero no significa que sea mala, es que solo utiliza dos canciones: The Bomb Run, que después se convirtió en un clásico de la música bélica y que en la película solo se utilizo en las escenas del avión, y la gran canción del final: We'll Meet Again de Vera Lynn, que da un sentido seductor a las bombas atómicas. La dirección de fotografía es muy simple, no tiene muchos movimientos, realmente pocos, donde hay más es en las escenas del avión, lo mismo sucedió con los efectos, adrede, Kubrick quiso hacer unos efectos visuales muy regulares para dar más gracia a la película, pero sin embargo la escena en que cae la bomba atómica con el Mayor Kong, una escena impresionante y muchas veces parodiada, quizá el momento clave del filme, otro aspecto importante es la gran secuencia inicial de créditos, donde Kubrick con la música Try a Little Tenderness de Laurie Johnson hace un gran contraste entre la música tranquila y el descenso de un avión hacia la guerra, donde te das cuenta del cinismo que manifiesta Kubrick desde el inicio hasta el final. Narrativamente es muy buena y visualmente muy simple, pero porque así lo ameritaba el filme. Definitivamente tienen que ver esta que es quizá una de las mejores comedias de todos los tiempos.

Calificación:

El Señor Verdoux: Gran comedia de asesinos.

Película: El Señor Verdoux (Monseiur Verdoux, EUA, 1947)

Director: Charles Chaplin

Actores: Charles Chaplin, Martha Raye, Mady Correll, Marilyn Nash, Isobel Elsom, Bernard Nedell

Crítica: Esta cinta es probablemente a la que más pasión y empeño le dio Chaplin.

Henri Verdoux (Charles Chaplin) fue un trabajador de un banco por mucho tiempo, pero por problemas financieros del mismo fue despedido; por lo que Verdoux tuvo que buscar la manera de que su esposa paralítica (Mady Correll) y su hijo (Allison Roddan) tuviesen dinero, y la encontró de una manera un tanto ingeniosa aunque de manera secreta: seducir a mujeres viudas o adineradas, casarse con ellas, obtener la posesión de todos sus bienes y finalmente matarlas. Pero algunos detalles que se le escapaban a Verdoux, y el hecho que la policía le esta pisando los talones pondrán en riesgo la extravagante empresa del Monseiur Verdoux.

A partir de una idea que el también maestro Orson Welles (El Ciudadano Kane) sugirió a Chaplin de llevar a la pantalla la vida de dos asesinos poligámicos franceses a principios de los 40’s, Charles Chaplin comenzó el guión de esta cinta, en la que pudo encontrar varios puntos para mostrar su enojo hacia un sistema político tan injusto y que lo había traicionado como lo es el Capitalismo que en la época que retrata el filme desató varios problemas, pues con un ligero absurdo narrativo logra con eficacia llegar a transmitir en el espectador lo que una persona es capaz de hacer en un sistema capitalista; lo que hace que Monsieur Verdoux sea una visión más cínica de lo que es en la realidad Charles Chaplin, detonando en esto una exposición autobiográfica magnífica, aunque algo maldita para el autor, pues Chaplin tuvo demasiados escándalos tanto personales como legales durante y después del rodaje de la película. Al igual que en Tiempos Modernos y El Gran Dictador, vemos en Chaplin a un valiente cineasta que no deja de transmitir sus pensamientos a pesar de la molestia de los demás. Técnicamente Monsieur Verdoux es una película con muy buenas escenas y muy buenas frases que logran entretener con un humor negro muy bien manejado. Las ligeras fallas de la cinta son algunas irregularidades en el guión que dejan algunos clavos sueltos, pero en general es una gran película.

Chaplin sigue regalándonos actuaciones espectaculares, esta vez alejándose totalmente del slapstick y guiándose por un humor más inglés; las mujeres de Verdoux en la cinta (Martha Raye, Mady Correll, Marilyn Nash, Isobel Elsom y otras más) son una muy buena representación de la mujer a través de sus etapas y características distintas, desde la lista, la tonta, la fiel, la enojona, etc.
La dirección de fotografía de Roland Totheroh y Curt Courant (este segundo no esta acreditado) es la mejor hasta el momento de Chaplin con muy buenos movimientos, encuadres que complementados con los decorados le dan un estilo europeo; aunque creo que eso se debe más a Courant que a Totheroh, por lo que siento que en las películas que han colaborado otros fotógrafos con Rollie es porque ellos le dan el estilo.
La música de Chaplin es igualmente excelente, sobre todo la parte final que le da muchísima intensidad a la escena.
Es una de las mejores películas de Chaplin donde más que nunca demuestra su autoría (por el momento).

Calificación:

El Gran Dictador: El Chaplin antifascista.

Película: El Gran Dictador (The Great Dictator, EUA, 1940)

Director: Charles Chaplin
Actores: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Reginald Gardiner, Henry Daniell, Maurice Moscovitch, Billy Gilbert, Jack Oakie.

Crítica: Este filme es una más que fina farsa en la que Chaplin se mofa y crítica al fascismo de una forma poco vista.

La historia transcurre entre las dos guerras mundiales y en dos personajes distintos: un barbero judío (Charles Chaplin) residente en el país ficticio Tomania que en la primera se convierte en el salvador de un dirigente muy importante (Reginald Gardiner), pero en la salvación pierde la memoria hasta recuperarse 20 años después, cuando Tomania es dominada por la dictadura de Adenoid Hynkel (Chaplin de nuevo), un ser siempre en busca de la superioridad de él y de la raza aria a la costa de lo que sea, inclusive maltratar a los judíos y con deseos de estallar una guerra para dominar el mundo. Cuando se entrecruzan la vida del Dictador y del Barbero, Tomania sufrirá una serie de cambios políticos y sociales.

Volviendo a tocar el cine bélico desde Armas al Hombro (1918) e incitado por un comentario en contra de él en un libro antisemita nazi y con el gran parecido entre Hitler y él, Chaplin crea otro trabajo de proporciones monumentales, donde da una increíble representación crítica del fascismo, y sobre todo del gobierno nazi, exponiendo lo mal de aquella ideología política y además de dar un mensaje antibelicista conmovedor sin dejar de producir una gran cantidad de gags efectivos destinados a burlarse de un sistema político y de lo ridículo de la guerra. La película es la primer totalmente sonora de Chaplin y logra por medio de excelentes y memorables escenas hacer un muy buen equilibrio técnico y narrativo. Este trabajo y sobre todo su conmovedor mensaje fue el que desembocó en el principio de lo que sería su exilio pues tuvo problemas con Comité de Actividades Antiestadounidenses, pero que mejor que un autor desafie a los sistemas para transmitir lo que siente.

Las actuaciones son más que sorprendentes: Chaplin en doble papel logra hacer una parodia increíble de Hitler además de su físico en su forma de ser, exagerándolo de gran manera; otra increíble parodia es la de Jack Oakie que hace referencia a Mussolini, un papel memorable que estalla en la discusión entre el y Hynkel; Paulette Goddard en la segunda y última actuación en un filme de su aún esposo (aunque ese mismo año se divorció de él) junto con Reginald Gardiner, Henry Daniell, Maurice Moscovitch crean una actuación más que convincente.
La dirección de fotografía de Roland Totheroh y Karl Struss logra hacer buenas tomas con muy buen dinamismo que sigue creciendo en las películas de Chaplin.
La música también de Chaplin y Meredith Willson es más que efectiva pues las situaciones que se muestran en la cinta son excelentemente bien musicalizadas y la pieza del final es más que emotiva.
Chaplin sigue evolucionando y con este gran filme antibelicista una vez más vuelve a colocar un nuevo vértice en su pirámide fílmica.

Calificación:

La Zona: Retrato crudo de una sociedad golpeada.

Película: La Zona (México, 2007)

Director: Rodrigo Plá
Actores: Daniel Giménez Cacho, Alan Chávez, Daniel Tovar, Maribel Verdú, Carlos Bardem, Marina de Tavira, Mario Zaragoza.

Crítica: Es una película cruda, incomoda pero que demuestra perfectamente la realidad social mexicana.

La Zona es un superlujoso conjunto residencial de máxima seguridad con centenares de cámaras alrededor y donde se vive en una gran paz y organización que esta ubicada en alguna parte de México, que tras sus muros se encuentra una pobre ciudad. Al caer un espectacular en los muros y romper parte de él, tres jóvenes entran a robar una casa, pero las cosas se salen de control y matan a la dueña de la casa. Los vecinos y los guardias logran matar a dos de ellos, pero uno (Alan Chávez) logra escapar, pero no de La Zona. Conociendo un sistema judicial tan ineficiente, los vecinos deciden tomar la justicia por su propia mano buscando al ladrón faltante y matarlo.

En la ópera prima del director Rodrigo Plá, éste crea a través de un guión de él y Laura Santullo basados en un cuento de ella una película más que efectiva en infundir suspenso mostrar de manera violenta y contrastante, la sociedad mexicana y de la mayoría del mundo, dominada por un sistema judicial sostenido por la corrupción, unos cuantos que tienen todo y unos tantos que tienen nada. Además nos deja una amplia reflexión sobre las tomas de decisiones ante temas de carácter delictivo. ¿Qué hacemos si la policía hará lo contrario? ¿Qué hacemos si los demás no nos harán caso? Actualmente las operas primas en México han logrado tocar el dedo en la llaga de un sistema político cuestionable como en Amores Perros, El Violín, entre otras además de La Zona, y esto parece ser el Cine que México debe realizar, un cine sociológico y de demanda a través de imágenes, el uruguayo pero de corazón mexicano Plá lo maneja de manera estupenda y se nota con los premios que ganó por este filme. El problema del filme son algunos errores en el guión que disminuyen un poco la credibilidad en la historia pero es un error mínimo.

Las actuaciones son más que estupendas: Daniel Giménez Cacho como siempre estupendo y duro, Alan Chávez y Daniel Tovar a pesar de su edad lograron interpretar efectivamente el papel además que sus ideologías se complementan en la que manifiesta el personaje de Maribel Verdú, como un personaje duro pero frágil a la vez. El resto del cast igualmente lo hace muy bien. Y pensar lo que le sucedió a Alan Chávez hace más pensar sobre lo mal del mundo (fue asaltado y asesinado el año pasado).
La dirección fotográfica de Emiliano Villanueva es igualmente muy buena a través de la división del uso de cámara en mano y el uso de las cámara de seguridad de La Zona que también surten efecto en el resultado emotivo del filme.
La música de Fernando Velázquez es eficiente para las situaciones de suspenso pero en las dramáticas le faltó un poco.
Es uno de los mejores trabajos del Nuevo Cine Mexicano, que a los más poderosos quizás golpee e incomode, pero a la sociedad plantada en el mundo real aplaudirá este retrato social.

Calificación:

Tiempos Modernos: Satirizando el sueño americano.

Película: Tiempos Modernos (Modern Times, EUA, 1936)
Director: Charles Chaplin.
Actores: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Tiny Sandford, Henry Bergman, Al Ernest Garcia.

Crítica: En esta película Chaplin manifiesta mucho mayor que antes una crítica social, produciendo el primer trabajo impecable que a mi gusto hizo en su carrera.
Charlot se encuentra trabajando en una fábrica, donde se mostrarán algunas de sus siempre clásicas torpezas, que provocan que sea despedido y después encarcelado. Un día conocerá a una huérfana que parece ser su alma gemela. Entre ambos ven un futuro de prosperidad económica en base de la búsqueda de un trabajo de parte de nuestro amigo vagabundo.
Chaplin siempre se distinguió por abogar por una sociedad mejor, la cual estaba dominada por la desigualdad, y en esta película logra plasmarla de una manera más que completa que sus filmes anteriores, donde además de ello, su estilo narrativo, ideológico y visual mejoran bastante en la muestra de una sociedad americana resentida por una fuerte crisis económica donde el futuro propuesto por el capitalismo parece ser la mayor ilusión de esa sociedad pero que no rinde efecto en la mayoría de la población cansada de vivir en estados de pobreza y planteada con los siempre excelentes gags de slapstick realizados por aquel vagabundo. Lo también interesante de esta obra es el paso intermedio que da entre el cine mudo y el sonoro que utilizará por completo en su siguiente filme; por medio de algunas secuencias de sonido escuchadas en el filme, otra muestra del avance tecnológico de aquella época. Siempre se ha dicho su influencia con Metrópolis de Fritz Lang, pero creo que más que tenga influencia ambas muestran una realidad social a través de una visión a futuro.

En su última actuación como el vagabundo Charlot, Chaplin nos regala momentos imborrables llenos de humor, pero a la vez de crítica. Paulette Goddard (quien luego se convertiría en esposa de Chaplin) realiza muy bien su papel y desarrolla la mejor química que haya tenido alguna mujer con Chaplin en su personaje de Charlot. El resto del cast lo hace bien, destacando al también clásico actor de las cintas de Chaplin, Al Ernest Garcia.
La fotografía de Roland Totheroh e Ira H. Morgan es al fin un trabajo más que respetable de una fotografía de un filme de Chaplin, donde el movimiento y los planos no decepcionan en lo absoluto.
La música de Chaplin es igualmente muy buena y lo destacable es la separación musical de algunas escenas y personajes, las cuales se complementan estupendamente.
En síntesis, la obra final de Chaplin como Charlot es el trabajo que finalmente me convenció de todo su talento.

Calificación:

 

Noticias de las semanas (7-21 junio 2010)

Una disculpa porque el blog se paró un poco estos días, pero las causas fueron escolares y sobre todo de tiempo, y de las noticias que sucedieron durante estos 15 días muy pocas fueron realmente llamativas:

Joseph Gordon-Levitt podría ser el Acertijo en Batman 3

Según una fuente cercana a Christopher Nolan, el director mencionó que no es seguro, pero que es casi un 100% de que Joseph Goedon-Levitt, quien actuó bajó su tutela en El Origen (Inception), podría interpretar al famoso villano de Batman "El Acertijo". Personalmente creó que no sería una mala elección pues ademas de ser un buen actor tiene un fisico adecuado para el personaje.

Sam Raimi trabaja en una precuela de El Mago de Oz.

Sam Raimi (Evil Dead, Spiderman) junto con Disney están en proceso de realizar Oz: The Great and Powerful, película que se desarrolla antes del clásico de 1939 El Mago de Oz y en la que se narrará la llegada de El Mago a la tierra de Oz. La película podría ser protagonizada por Robert Downey Jr. y será escrita por Mitchell Kapner y producida por Joe Roth. Llegará a las salas probablemente en 2013.

Spielberg tiene reparto para War Horse

Como reportamos hace unas semanas, Spielberg se encuentra en proceso de preproducción de su próxima cinta (no se desesperen los fans de Indiana Jones) War Horse, y ahora se han nombrado al reparto entre los que se encuentran Jeremy Irvine como Albert (el protagonista), David Thewlis, Emily Watson, David Kross y Petter Mullan.

El Hobbit sigue vivo.

Durante este tiempo surgieron varios rumores respecto a lo que sucederá con El Hobbit tras la renuncia de Guillermo del Toro, y entre lo más importante es que la dirección podría recaer de nuevo en Peter Jackson o en Neill Blomkamp (Sector 9). Por otra parte han circulado algunas fotos del set de lo que sería Hobbiton, señal de que el proyecto está en desarrollo.

En otras noticias Transformers 3 cerrará la saga en 3D, se planea una película de Cleopatra con Angelina Jolie de protagonista, Amanecer se dividirá en 2 copiandole a Harry Potter.

Toy Story 3: Asombrosamente nostálgica.

Película: Toy Story 3 (EUA, 2010)

Director: Lee Unkrich
Voces (en inglés): Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack, Ned Beatty, Don Rickles, Michael Keaton.

Crítica: Los 11 años de espera, y el tiempo en la fila del cine valió la pena más que nunca, ya que si creían que Toy Story 3 no conservaría la calidad de sus antecesoras están muy equivocados.
Andy (John Morris) tiene 17 años, está por irse a la universidad, y tiene que tomar la decisión de qué hacer con los juguetes que aún conserva: Woody (Tom Hanks), Buzz (Tim Allen), Jessie (Joan Cusack), El Señor y la Señora Cara de Papa (Don Rickles y Estelle Harris), Slinky (Blake Clark), Rex (Wallace Shawn), Hamm (John Ratzenberger), Barbie (Jodi Benson, quien fue guardada por la hermana de Andy) los Marcianitos (Jeff Pidgeon) y Tiro al Blanco. Decide llevarse con él a Woody y a los demás en el ático, pero por un error terminan siendo donados a una guardería, donde conocerán nuevos juguetes como Lotso (Ned Beatty) y Ken (Michael Keaton), pero se darán cuenta de lo terrible que es estar alejados de su dueño y de ese lugar donde los niños tratan como trapos viejos a los juguetes.
Como dije anteriormente Lee Unkrich (quien co-dirigió Toy Story 2, Monsters Inc. y Buscando a Nemo), en un guión de él, John Lasseter, Andrew Stanton y Michael Arndt logró que los personajes que nos robaron el corazón hace 15 años y con los que crecimos permanezcan vigentes y que además esta nueva aventura sea de la misma calidad que la primera e incluso superar a la segunda; además de que no es malo colocarla como una de las mejores terceras partes de la historia del Cine. Durante todo el filme, la historia nos hace reír, tener suspenso y sobre todo mucha nostalgia, que a más de uno lo transportará a su infancia e inclusive a más de uno le ganarán las lágrimas. La cinta además sigue conteniendo referencias a elementos de la cultura americana, y la historia es totalmente madura, pues parece más una cinta de cárceles que una infantil, en donde se logra crear una tensión sorprendente en lo que acontece a los personajes.

Es más que adecuado que las voces de las películas anteriores sean las mismas de las entregas anteriores (inclusive la de Andy es la misma), y de hecho los juguetes parecen haber nacido para tener las voces de todos esos actores; y los nuevos juguetes también, sobre todo la de Michael Keaton para Ken. Además esperen una gran sorpresa de Buzz Lightyear.
El departamento de arte (Bud Luckey y Juliet Pokorny), los efectos visuales, y el departamento de animación siguen creando en películas de Disney/Pixar un trabajo monumental, pues cada vez los detalles son más sorprendentes, ejemplo de ello son los personajes de peluche, quienes se notan con una gran naturalidad el movimiento de su pelaje; además que la película tiene una magnifica configuración para el 3D, la cual te transporta a la historia por la perspectiva creada, y lo mejor de todo es que no afecta en nada al desarrollo de la historia, pues no se busca que los personajes salgan de la pantalla, sino que los sientan cerca del espectador. Si así pensarán todas las películas creo que sería más que aceptable el 3D.
La música de Randy Newman que conocíamos de las películas anteriores como la canción “Yo soy tu amigo fiel” provoca que se te enchine la piel más de lo que te la enchina la historia, y crea una banda sonora magnifica para las situaciones aumentándolas. En definitiva es un soundtrack antológico.
Si eres niño te gustará mucho, si eres adulto te encantará, pero si la has seguido desde que tienes memoria la adorarás. De lo que va del año es lo mejor. No se pierdan una de las obras cumbres de la animación.

Calificación:

P.D. : No se pierdan el cortometraje Dia y Noche que aparece antes de la película, el cual es una excelente combinación de animación tradicional con la digital, que además te dejará un muy buen mensaje.

El Príncipe de Persia: Las Arenas del Tiempo: Buen espectáculo de aventuras.

Película: Príncipe de Persia: Las Arenas del Tiempo (Prince of Persia: The Sands of Time, EUA, 2010)

Director: Mike Newell
Actores: Jake Gyllenhaal, Gemma Arterton, Ben Kingsley, Alfred Molina, Richard Coyle.

Crítica: Esta película logra con efectividad entretener y hacer un buen producto salido de un videojuego tan famoso como el de Príncipe de Persia.

El Príncipe Dastan (Jake Gyllenhaal) de Persia, se dirige junto con sus hermanos a invadir Alamut, una ciudad que contaba con armas que podrían causar daño al imperio. Dentro de Alamut y después de haber derrotado a las fuerzas de la ciudad, Dastan encontrará una daga; pero esa daga parece ser más importante de lo que parece, pues detrás de ella se encuentran una serie de conspiraciones.

Siempre he escuchado que Mike Newell es un buen realizador y en la película se nota pues esta bien hecha para satisfacer al público entreteniéndolo muy correctamente durante 2 horas y siendo un producto clásico de los que produce Jerry Bruckheimer pero que carece de sello de autoria, y creo que hay algo de razón en eso, pues de las películas que he visto de él nunca he encontrado un punto de encuentro entre ellas, y en esta ocasión al igual que en su anterior blockbuster Harry Potter y el Cáliz de Fuego, logra una excelente adaptación del medio en que se basaba (en esta ocasión un famosísimo videojuego) con un guión de Boaz Yakin, Doug Miro y Carlo Bernard pero sin darle algo meramente de él pues inclusive algo que esta entre lo bueno y lo malo es que el estilo visual de la película parece más de videojuego que de película.

Las actuaciones están muy bien: Jake Gyllenhaal actúa con mucha naturalidad para un personaje de tanto calibre en el medio de las consolas además que los efectos lo hacen aún más creíble, a Gemma Arterton, que antes muchos la conocimos por la algo decepcionante Quantum of Solace muestra mucho mayor soltura que en aquella ocasión además que asoleada y de pelo negro se ve mucho más guapa, Ben Kingsley no demuestra nada que no haya demostrado siempre, pues sus actuaciones nunca llegan a decepcionar, aunque quizá ya se esta encasillando en los villanos; Alfred Molina, quien en ratos parece irreconocible, interpreta un papel que pocas veces vemos en él de buena manera. El resto del cast hace un buen trabajo.
La música de Harry Gregson-Williams es efectiva para el contexto y la acción mostrada en la película, pero no es novedosa, pues se ha escuchado en muchas más de temática árabe, sobre todo se parece a la de 300 y La Momia.
La fotografía de John Seale, quien igualmente no tiene tanto sello autoral, como dije antes crea una fotografía que en videojuegos es exquisita, pero que en cine no trasciende tanto, también se nota algo de influencia de la película de 300 para algunos encuadres.
En los demás aspectos a destacar son el diseño de producción de Wolf Kroeger y los efectos especiales y visuales que logran magníficamente crear ese mundo ancestral pero lleno de fantasía y acción.

Definitivamente es un blockbuster veraniego más que aprobable que te dejará dos horas de muy buen entretenimiento.

Calificación:

Luces de la Ciudad: Los ojos del amor.

Película: Luces de la Ciudad (City Lights, EUA, 1931)

Director: Charles Chaplin
Actores: Charles Chaplin, Virginia Cherrill, Harry Myers, Al Ernest Garcia, Florence Lee, Hank Mann.

Crítica: Esta comedia romántica es una clara muestra de lo que se hace por amor.
El vagabundo Charlot (Charles Chaplin) se encuentra en una gran ciudad; después de ser corrido de una estatua donde dormía, vagabundea buscando alguna oportunidad de vida con los deseos a través de los mostradores de las tiendas. En el camino se topa con una vendedora de flores, de la cual queda enamorado a pesar de su condición de ciega. Sabiendo de su deficiencia, hará lo posible porque aquella mujer tenga lo mejor. El destino se cruza con Charlot al rescatar del suicidio a un millonario, lo que le lleva a pensar en un futuro mejor para él y la vendedora de flores.
Chaplin dirige a través de un guión de él, Harry Clive y Harry Crocker; una obra maestra más en la que se hace un muy buen retrato social de la época y vigente hasta nuestra época, donde existe gente que tiene tanto y gente que tiene tan poco; y además de mostrarnos una muy bella historia de amor incondicional sin rayar en lo ridículo, y conservando los siempre magistrales gags a los que Charlie nos tiene más que acostumbrados de principio a fin en todos sus filmes. En esta ocasión Charlot se planta ya en lo visual de la época sonora pero no en lo sonoro, mostrándose en una mayor calidad en la puesta en escena de la película.

En cuanto a las actuaciones, Charles Chaplin nunca decae en su actuación y este filme es un ejemplo más, Virginia Cherrill conmueve y convence en su actuación de una mujer invidente, Harry Myers, quien tiene al personaje más interesante aunque un poco increíble de la cinta, sobrelleva muy bien su papel. El resto del cast lo hace bien aunque no son actuaciones notables.
La dirección de fotografía de Roland Totheroh (junto con Gordon Pollock) sigue en evolución a traves de mayores movimientos de cámara y mayores primeros planos y sigue situándose en la época, pues junto con el diseño de producción de Charles D. Hall y Alfred Reeves crean plásticamente una película de los 30’s, aunque lo que siento mal en eso es no un deseo de innovación que directores de fotografía del cine mudo europeo (como Karl Freund) consiguieron.
La música también de Chaplin es efectiva para las situaciones mostradas, pero eso no es nuevo. Lo nuevo es la correcta interpretación de La Violetera de José Padilla Sánchez, que en ese tiempo estaba muy de moda y que conservo de Raquel Meller, quien la interpretaba en ese entonces y Chaplin la quería para el personaje de la mujer ciega, pero que no pudo concretarse esa participación.
Es otra gran película que nos regala Chaplin y que es básica a ver de la cinematografía estadounidense.

Calificación:

Cómo entrenar a tu dragón: Filme honesto en tiempos del 3D

Película: Cómo entrenar a tu dragón (How to train your dragon, EUA, 2010)

Directores: Dean DeBlois, Chris Sanders
Voces (en inglés): Jay Baruchel, Gerard Butler, America Ferrera, Craig Ferguson.

Crítica: Es la mejor película animada de Dreamworks desde El Príncipe de Egipto.
Hiccup (Jay Baruchel) es el adolescente hijo del jefe vikingo (Gerard Butler) de una población. Su sueño siempre ha sido atrapar a un dragón y matarlo, pero cuando logra atrapar a uno vera que aquellos seres no son lo que aparentan, y ahora hara lo posible porque su pueblo cambie de pensamiento sobre los dragones, sin dejar que su padre deje de estar orgulloso de él.
Dean DeBlois y Chris Sanders dirigen con un guión de ellos y William Davies basados en la novela de Cressida Cowell, una película que logra trascender la historia sobre lo técnico y además que esta historia tenga un gran contenido ético sobre el respeto y además que la relación padre-hijo manejada en la historia es excelente. Como dije anteriormente, desde El Principe de Egipto, no sentia tanta honestidad en una historia de Dreamworks Animation, pues cintas como Shrek son buenas pero no llegan a lograr un planteamiento tan bueno como las dos mencionadas.

La película la vi en Español Latino, pero físicamente los actores que doblan en ingles a los personajes, son muy parecidos y como siempre cada idioma arrastra partes de su cultura, por ejemplo Furia Nocturna (el dragón principal) se llama Chimuelo.
La animación, compuesta de Diseño de Producción, Dirección Artística, Departamento de Arte, Efectos especiales y visuales logran que sea muy efectiva y creíble la animación, bien adaptada para el 3D. La definición de las películas de Dreamworks es cada vez mejor, además que la compañía ha mejorado al punto de estrenar tres filmes en un año (Shrek 4 y Megamind).
La música de John Powell es efectiva para las situaciones que se muestran en la cinta, sin embargo al principio la escuche un tanto ruidosa, por lo que creo que debía ser un poco menos brusca la orquestación en ese momento.
En conclusión es, antes del estreno de Toy Story 3, la película animada del año, que recomiendo mucho, pues yo me esperaba algo totalmente distinto.

Calificación:

Videotributos: Natalie Portman

Este día (9 de junio) esta bella y talentosa actriz cumple 29 años, y para celebrarlo qué mejor que con un videotributo. A mi parecer es la mejor actriz que ha existido en toda la cinematografía, pues su talento es innegable. Desde su debut en El Perfecto Asesino de Luc Besson, Natalie demotró una gran capacidad actoral que ha llevado a lo largo de todos sus proyectos en cine y en teatro. Para los que no la conozcan, ha actuado además de El Perfecto Asesino, en Fuego contra Fuego de Michael Mann, Star Wars: Episodios I, II y III de George Lucas, Regreso a Cold Mountain de Anthony Minghella, Closer de Michael Nichols (la nominaron al oscar y ganó el Globo de Oro), V de Venganza de James McTiegue, La Otra Reina, Goya y la Inquisición de Milos Forman, Mars Attack de Tim Burton, entre muchos otros. Happy Birthday dear Natalie!

El Circo: El espectáculo del espectáculo.

Película: El Circo (The Circus, EUA, 1928)
Director: Charles Chaplin
Actores: Charles Chaplin, Merna Kennedy, Al Ernest Garcia, Harry Crocker, Henry Bergman, George Davis.

Crítica: No es su mejor largometraje, pero no es mala idea verla.
El Charlot vagabundo se encuentra en un circo buscando algún modo de comer, y curiosamente mientras esta el espectáculo, Charlot entra a él cuando lo perseguía un policía; lo que sucede en esa escena hace reír más al público que el propio espectáculo; por lo que el dueño ve grandes posibilidades en aquel harapiento y bajito personaje. Charlot es contratado por el circo donde vivirá algunas aventuras y desventuras.
Charlot baja algo de calidad con esta película, donde la historia no trasciende tanto sobre los excelentes gags, a pesar de poseer un buen contenido sobre la explotación, el engaño y algo de violencia intrafamiliar; asi que hablamos de una película excelente, pero no de una obra maestra. Lo destacado del filme es un mucho mejor manejo de los aspectos técnicos. Esta película es la primera que realiza después de la aparición del cine sonoro, aunque sigue conservando el silencio, situación que no afecta porque nuestro querido vagabundo nunca tendrá voz y su modo de expresión serán sus geniales movimientos. Durante la filmación sucedieron cosas no tan buenas como la muerte de la madre de Chaplin, el segundo divorcio de Chaplin, y un incendio del estudio y varios retrasos, sin embargo Chaplin llevó bien este papel, y logró que esta cinta fuera una de las de mayor recaudación del cine mudo.

Bueno, luego de la descripción en el párrafo anterior no tiene caso repetir la inolvidable actuación de Chaplin. La actuación de Merna Kennedy es sólida y convincente, además de estar muy bonita. Quien realiza mejor su papel después de Chaplin es Al Ernest Garcia como una total antitesis de Charlot. El resto, como en un circo, hacen un buen trabajo actoral en conjunto.
La música de Chaplin es buena para el ambiente circense, y además la canción del inicio demuestra una vez más que es un gran compositor de canciones este señor.
La dirección fotográfica de Roland Totheroh tiene mayor movilidad y una correcta colocación de la cámara, ejemplo es la escena del cuarto de los espejos.
Otro aspecto a destacar es la edición también de Chaplin.
Es una película recomendable pero no básica en la carrera de Charles Spencer.

Calificación:

Noticias de la Semana (31 mayo-6 junio)

Guillermo del Toro deja la dirección de El Hobbit.

El director tapatio Guillermo del Toro renució a dirigir las dos partes de El Hobbit debido al gran número de retardos que ha sufrido la producción por problemas financieron con la productora MGM, además que Del Toro ha rechazado o postergado muchos proyectos cinematográficos por esta saga. Comentó que seguirá con el guión y será el primero en ver la cinta, pero no puede seguir con los problemas para arrancar el proyecto. Peter Jackson informó que por la salida de Del Toro, posiblemente él se encargaría de dirigirla.

Christopher Nolan revela información de Batman y Superman.

El director Christopher Nolan habló para la revista Empire acerca de su nueva cinta Inception, pero también reveló datos sobre Batman y Superman. Sobre Batman dijo que el guión esta en desarrollo, y que definitivamente no aparecerá el personaje del Guasón debido a rumores que circularon y que se ponia en duda por la muieerte de Heat Ledger. De Superman se limitó a decir que el guión contiene a un Superman adecuado para la época actual y que es muy respetable. Las dos cintas se estrenarán en 2012: Batman 3 en verano y Superman en invierno.

Se prepara Cristiada.

La cinta Cristiada, dirigida por Dean Wright que retratará escenas de la Rebelión Cristera en México, será protagonizada por Eva Longoria y Andy Garcia, y será rodada en su mayoría en el estado de Durango. La película es una coproducción mexico-estadounidense que contará con un presupuesto de 11 millones de años.

Muestran diseño de Capitan América y Thor.

 

En la semana Marvel mostró el diseño artistico de los trajes de los heroes Capitán América y Thor. A mi parecer el traje del Capitan América da algo que desear. Aqui están las imágenes.

Se dan los MTV Movie Awards.

Este premio, que cada vez parece más a los Razzie, se entregó este domigngo. Sin muchos comentarios aqui estan los ganadores.

Mejor Película: Luna Nueva

Mejor Actuación Femenina: Kristen Stewart - Luna nueva

Mejor Actuación Masculina : Robert Pattinson - Luna nueva

Mejor Estrella Revelación: Anna Kendrick - Amor sin escalas

Mejor Actuación Cómica: Zach Galifianakis - ¿Qué pasó ayer?

Mejor Beso: Kristen Stewart y Robert Pattinson - Luna nueva

Mejor Pelea: Beyoncé Knowles vs. Ali Larter - Obsessed

Mejor Actuación 'Scared-as sh**t': Amanda Seyfried - Diabólica tentación

Mejor Momento WTF: Ken Jeong - ¿Qué pasó ayer?

Mejor Villano: Tom Felton - Harry Potter y el misterio del prícipe

Mayor Estrella 'Badass': Rain

Superestrella Global: Robert Pattinson

La Quimera del Oro: La inocente pobreza.

Película: La Quimera del Oro (The Gold Rush, EUA, 1925)
Director: Charles Chaplin
Actores: Charles Chaplin, Georgia Hale, Mack Swain, Tom Murray, Malcolm Waite, Henry Bergman.

Crítica: Creo que esto esta sonando a cliché pero Chaplin sigue evolucionando en cada filme y este es prueba de ello.
Nuestro amigo vagabundo Charlot (Charles Chaplin) se dirige a las nevadas tierras de Alaska en busca de trabajar en alguna mina de oro o encontrar alguna beta que le de riquezas, pero en una tormenta de nieve se refugiará en una cabaña lo que le llevará consecuencias insospechadas.
En esta cinta Chaplin vuelve a darnos una gran historia sin dejar de relatarnos su denuncia a la pobreza de esos tiempos, los límites a los que se llegan a pesar que parezcan caricaturescos (Charlot comiendo un zapato para saciar su hambre), y un hombrecito con un gran corazón pero con unos pantalones que se caen al menor movimiento que se enamora de la primera mujer que observa sin importarle lo que piensan de él. Esta fórmula sigue siendo explotada inteligentemente por medio de una increíble serie de gags, de usar muy bien elementos dramáticos y hasta de suspenso y además de regalarnos grandes escenas que nunca se nos borrarán de la mente, y hasta que han sido usadas en la TV y el cine en varias ocasiones. En la edición que vi fue de 1942 y esta narrada por él y sin intertítulos, logrando un buen ritmo y además aumentarle el valor cómico a la obra. Aumentando a esto técnicamente también se supera Chaplin pues utiliza muy buenos efectos y una fotografía en evolución.

Después de la no tan buena recepción que tuvo Una mujer en Paris, Chaplin regresa con Charlot a las andadas protagonizando esta cinta sólo que ahora fuera del contexto que manejaba normalmente, y sigue sin decepcionar ni aburrir sino aumentar más el valor de este magnifico personaje. Georgia Hale y Mack Swain nos regalan también una muy buena actuación, de hecho Hale es un buen rostro que no afecta a que la protagonista mujer sea otro rostro y ya no el de Purviance; los que si pudieron dar más fueron Tom Murray y Malcolm Waite.
Como dije anteriormente, la fotografía de de Roland Totheroh va evolucionando y esta ocasión le da algo de movimiento a la cámara y hace mayor énfasis en los detalles y planos más cerrados que favorecen a las expresiones de los personajes, aunque no es un trabajo fotográfico antológico aún.
La música de Chaplin de 1942 es el mejor soundtracks que lleva hasta el momento.
Otra cinta básica a ver del genio de Walworth.

Calificación:

Una mujer de Paris: Impresionante melodrama infravalorado.

Película: Una mujer de Paris (A Woman of Paris, EUA, 1923)
Director: Charles Chaplin

Actores: Edna Purviance, Carl Miller, Adolphe Menjou, Charles K. French, Betty Morrissey.

Crítica: Esta película probablemente no sea del agrado de muchos pues no es algo convencional de Chaplin, pero no hay que negar que es una gran cinta dramática.

Marie St. Clair (Edna Purviance) es una jovencita francesa que planea con su novio Jean (Carl Miller) ir a Paris a casarse y vivir en aquella ciudad. El día de la partida, Jean no lo podrá hacer pues su padre acaba de morir. Al no enterarse de ello, desilusionada Marie parte hacia Paris. Un año después Marie es amante de un ricachón (Adolphe Menjou) y vive en las comodidades y el glamour; pero cuando se da cuenta que Jean ahora vive en Paris la vida de ambos tomará un rumbo distinto.

Después de haber realizado El Chico, Chaplin demuestra de nuevo su maestría a través de la realización de este intenso drama con un guión de él muy bien hecho, con una historia atrayente que además nos habla sobre la hipocresía y los estereotipos en un mundo de burguesía, unos personajes muy bien delimitados y haciendo un tributo al cine mudo europeo confirmando su talento, pues el drama y la comedia son dos de los géneros más difíciles de convencer. La cinta no tuvo una recepción en taquilla como era lo esperado probablemente porque no actuó Chaplin (hace un pequeño Cameo pero no cuenta), por lo que Chaplin vio que el público lo quería de los dos lados de la cámara, aunque creo que con esta cinta logró una mayor madurez profesional de la que tenía.

Las actuaciones son muy buenas: Edna Purviance, en un papel protagónico (y el último que realizaría con Chaplin por problemas personales) realiza una actuación sobria y creíble, sin llegar a sobreactuarle, como lo sentí en algunos trabajos posteriores con Charlie; Carl Miller también crea bien a su personaje aunque creo que el debió sobreactuar más; Adolphe Menjou es el que roba cámara cada vez que aparece, es la actuación más fuerte de la cinta aunado a la forma de ser del personaje. El resto del cast lo hace bien.
La dirección de fotografía de Roland Totheroh y Jack Wilson sigue evolucionando en los trabajos de Chaplin, pues a través del mayor uso de primeros planos y planos a detalles, dándole un mayor sentido expresionista.
La música compuesta como es común por Chaplin es efectiva para el drama aunque es algo repetitiva, pero tomando en cuenta que en la mayoría de las cintas mudas sucede lo mismo no es un problema real.
Chaplin demuestra su evolución con este gran melodrama que más gente debería ver.

Calificación: