El Desierto Rojo: Existencialismo carmesí.

Película: El Desierto Rojo (Il deserto rosso, Italia-Francia, 1964)

Director: Michelangelo Antonioni.

Actores: Monica Vitti, Richard Harris, Carlo Chionetti, Valerio Bartoleschi.

Crítica: Es una película que debería analizarse toma por toma, pues de ese modo y con la estética narrativa y visual que maneja Antonioni nos trae un producto excelente y lleno de metáforas.

Giuliana, (Monica Vitti), una mujer de buen estatus económico, casada y con un hijo (Valerio Bartoleschi), lleva poco tiempo de haber sufrido un accidente que la marcó psicológicamente provocando en ella un desacuerdo con su forma de vivir. Un día conoce a un socio de su esposo (Carlo Chionetti) llamado Corrado Zeller (Richard Harris), con el cual logrará desahogar sus penas y preocupaciones, pero empezara a ver más turbia su vida.

Con esta cinta, Antonioni realiza su primer trabajo en color y lo utiliza de una manera excelente pues el uso del color para determinadas escenas hace empatia con la confusión presentada en la protagonista, destacando el rojo, el azul y el blanco. En un guión de él mismo y de Tonino Guerra, Antonioni muestra además ciertas ideologías políticas y sociales con una crítica muy bien estructurada, y en cierto sentido el contexto en que se desarrolla en la cinta también hace una referencia ecológica. Desde la secuencia de créditos, se muestra una cinta que heredó aspectos del neorrealismo y el surrealismo, una película con cierta complejidad pero atrapante por el uso de la imagen y el sonido. Aunque lo malo de la cinta es que después de los 15 minutos flojea demasiado y después de la hora la historia vuelve a estar a flote logrando sus mejores escenas en ese lapso.

Las actuaciones son excelentes: Vitti logra mostrar la complejidad del personaje plantando con su interpretación la ideología de Antonioni, Harris igualmente realiza un buen papel como la antitesis psicológica del personaje de Vitti pero que se complementa con ella y ella con él, Valerio Bartoleschi es quien actúa mejor que todos después de Vitti y sorprende su capacidad actoral a su edad.

El mejor trabajo en la cinta es el de la fotografía de Carlo Di Palma, quien con cuadros eficaces instala los colores en los decorados para atraer al espectador de gran manera.

La música instrumental de Giovanni Fusco, junto con la electrónica de Vittorio Gelmetti y los cánticos hacen acentuar el estilo experimental técnico de la cinta.

En conclusión un trabajo interesante que merece verse por lo que se muestra en el aspecto técnico.

Calificación:

Noticias de la Semana (18-26 abril 2010) Un poco retrasadas!

Óscar Janeada interpretará a Cantinflas.

El actor español Óscar Jaenada será quien se encargará de interpretar a Mario Moreno "Cantinflas" en el biopic de la vida de este gran comediante. La cinta, que será dirigida por Alejandro Gómez Monteverde (Bella) se buscará estrenar el 12 de agosto de 2011, día en que se celebrará elcentenario del nacimiento del mítico actor de cintas como Ahi esta el Detalle, El Padrecito, El Extra y La Vuelta al Mundo en 80 días. Respecto a la decisipon de que Janeada interprete a un actor mexicano siendo español ha causado cierta controversia, por lo que se contestó que Janeada es un actor camaleónico y los acentos no serán una barrera para él. Esperemos por su bien que sí. Ahora bien, tiene un buen parecido con Cantinflas.

Queda estancado Bond 23.

La nueva cinta de 007 parece retrasarse una vez más debido a los problemas económicos que siguen resintiendo la compañia productora MGM. Por el momento aun la batuta como director de la cinta recae en Sam Mendes y en Daniel Craig como el protagonista, sin embargo el protagonista podría abandonar el proyecto debido a los retrasos y lo podría sustituir Sam Worthington.

Harán Hombres de Negro III

Durante mucho tiempo se había rumorado sobre una tercera parte de la saga de ciencia ficción, comedia y acción Hombres de Negro. El director de las anteriores entregas, Baryy Sonnenfield aseguró que Tommy Lee Jones y Will Smith participarían en ella. La cinta podría estrenarse en Verano de 2011 y se realizará en 3-D.

Nuevas noticias sobre Avatar.

La semana pasada Avatar volvió a ser causa de muchas noticias. La primera porque se adjudicó un nuevo record como la cinta más vendida en DVD y Blu-Ray en su primer día a lo largo de todo el mundo. La otra noticia fue que se reveló que la segunda parte de la obra de James Cameron se basaría en el oceano de Pandora.

Trailers: Iron Man 2

Iron Man 2 es el blockbuster de superheroes del año, y la secuela de la para mí mejor película de un heroe de Marvel junto a Spiderman 2. Esta cinta, muy esperada desde que fue anunciada vuelve a ser dirigida por Jon Favreau y además de volver a contar con Robert Downey Jr. y Gwyneth Paltrow, entrarán a la saga Scarlett Johansson, Mickey Rourke, Don Cheadle, Sam Rockwell, Samuel L. Jackson, Paul Bettany entre otros; un cast multiestelar. Para que les cuento la historia, disfruten el trailer de esta película que es de las que más espero de este verano junto a Inception, Toy Story 3 y otras. En Argentina se estrena el 29 de abril y el 30 en México, día en que al igual que hace 2 años, "coincidirá" con el Día del Niño.

Las Señoritas de Wilko: Mujeres al borde de un ataque de celos.

Película: Las Señoritas de Wilko (Panny z Wilka, Polonia-Francia, 1979)

Director: Andrzej Wajda
Actores: Daniel Olbrychski, Christine Pascal, Anna Seniuk, Maja Komorowska, Stanislawa Celinska, Krystyna Zachwatowicz.

Crítica: Es una excelente película en la que se hace una interesante reflexión acerca del ser de la mujer.
Wiktor Ruben (Daniel Olbrychski) pasa como receta médica para reponerse de la muerte de un amigo, vacaciones al pueblito de Wilko, donde antes vivía con sus tíos (Bialoszczynski y Zofia Jaroszewska) y donde también unas vecinas estaban enamoradas de él. Pero como al volver han pasado 15 años la vida de todo el pueblo de Wilko ha cambiado, pero el amor de las señoras y señoritas de Wilko hacia Wiktor se despertará de una larga hibernación.
El director polaco Andrzej Wajda crea por medio de un guión de Zbigniew Kaminski basado en un cuento de Jaroslaw Iwaszkiewicz, una cinta “bonita” en el plano narrativo y técnico analizando el amor en sus diversos aspectos así como las características de las mujeres, reflejadas en cada una de las señoritas de Wilko: mujeres rebeldes, tímidas, feas, bonitas, felices, enojonas, con diversos intereses; pero que se reducen todas a la búsqueda de alguien con quien pasar su vida. Además Wajda plasma la cinta con buenas actuaciones en un contexto más que precioso que generalmente se asocia a un filme europeo (hermosos paisajes, historia de época y de amor, pero con un buen guión).

Las actuaciones son excelentes y ninguna podría superar a las otras: Daniel Olbrychski, además de que quizá muchos podríamos envidiarlo por el pegue que se carga en la cinta, realiza un personaje con diversos matices sin llegar al cliché, al igual que Christine Pascal, Anna Seniuk, Maja Komorowska, Stanislawa Celinska y Krystyna Zachwatowicz que convencen, algunas divierten, algunas dan miedo y otras pena, pero interpretan muy bien a sus papeles; Tadeusz Bialoszczynski y Zofia Jaroszewska como los tíos de Wiktor realizan una corta pero buena actuación.
La música, una canción de Karol Szymanowski (que no esta acreditada en la cinta, o al menos no en IMDb) es una pieza interesante orquestada que plasma sonoramente la confusión en el personaje; algunos dirán que es repetitiva y si lo es pero es efectiva.
La fotografía de Edward Klosinski es lo mejor de la cinta, ya que crea un aspecto visual envidiable por medio de tomas bien hechas, hermosos paisajes y un color sepia que hace lucir al diseño de producción de Allan Starski y al vestuario de Wieslawa Starska que nos transporta a la época (situada entre los 50’s y 60’s).
Es una película que recomiendo para pasar un día muy agradable.

Calificación:

Las Noticias de la Semana (11-17 abril 2010)

Sam Rockwell y Scarlett Johansson protagonizarán cinta escrita por Stanley Kubrick

Hace unos días se informó que los actores Sam Rockwell y Scarlett Johansson, quienes actuaron en Iron Man 2 juntos, protagonizarán 'Lunatic At Large', una cinta que fue escrita en los 50's por el gran Stanley Kubrick (La Naranja Mecánica, 2001: Odisea en el Espacio) y que fue abandonado porque Kubrick comenzó a filmar Espartaco y el proyecto se perdió traspapelado en el estudio de Kubrick y fue descubierto después de la muerte de este por el yerno del cineasta, Philip Hobbs. Será muy gratificante ver un trabajo más que provenga de este Dios del Cine.

Polémica en Cannes

El festival de Cannes fue clave de mucha polémica por dos causas: La primera por el hecho que se sospecha que el festival firmó exclusividad con la cadena de televisión Canal Plus y el operador de telecomunicaciones Orange, lo que provocará molestia por parte de los medios de comunicación internacionales. La otra causa es por la selección de cintas a competir por la palma de Oro, en la que se encuentran Tournée’, de Matthieu Amalric, ‘Des hommes et des dieux’, de Xavier Beauvois, ‘Hors-la-loi’, de Rachid Bouchareb, ‘Biutiful’, de Alejandro González Inárritu, ‘Another Year’, de Mike Leigh, ‘La princesse de Montpensier’, de Bertrand Tavernier, ‘Fair Game’, de Doug Liman, ‘Utomlyonnye solntsem 2’, de Nikita Mikhalkov, ‘You: My Joy’, de Sergei Loznitsa, ‘Un homme qui crie’, de Mahamat-Saleh Haroun, ‘La nostra vita’, de Daniele Luchetti, ‘Uncle Boonmee’, de Apichatpong Weerasethakul, ‘Poetry’, de Lee Chang-dong, ‘The housemaid’, de Im Sang-soo, ‘Outrage’, de Takeshi Kitano y ‘Copie conforme’, de Abbas Kiarostami. Entre los títulos fuera de la selección oficial están Robin Hood de Ridley Scott, You Will Meet a Tall Dark Stranger de Woody Allen, Wall Street: Money Never Sleeps de Oliver Stone. El jurado está compuesto por Tim Burton como presidente y, Víctor Erice, Kate Beckinsale, Giovanna Mezzogiorno, Alberto Barbera, Emmanuel Carrere, Benicio del Toro, Shekhar Kapur.

Cría Cuervos: ¿Por qué te vas?

Película: Cría Cuervos (España, 1976)

Director: Carlos Saura
Actores: Ana Torrent, Geraldine Chaplin, Florinda Chico, Mónica Randall, Conchita Pérez, Mayte Sanchez, Héctor Alterio, Mirta Miller, Germán Cobos.

Crítica: Es una película sobresaliente, con una historia que llega al corazón de cualquiera por lo fuerte de su temática y por su realización.
La cinta, utilizando parte de la frase “Cría Cuervos y te sacarán los ojos” nos relata la historia de Ana (Ana Torrent), quien junto con sus hermanas Irene (Conchita Pérez) y Maite (Mayte Sanchez) acaban de perder a su padre (Héctor Alterio), pero con anterioridad igualmente murió su madre (Geraldine Chaplin). Debido a su orfandad, las niñas serán cuidadas por su tía Paulina (Mónica Randall) y su sirvienta Rosa (Florinda Chico). Ana será la más afectada por la muerte de sus padres, ya que empieza a tener visiones de su madre y una visión confusa acerca de la muerte, por medio de cada recuerdo de su vida.
Carlos Saura, en un guión escrito por él dirige una cinta magnifica llena de simbolismos tanto personales como políticos, con escenas muy bien hechas e impactantes, una buena dirección de actores, un excelente ritmo, un buen uso de los recursos técnicos. La forma en que Saura maneja la muerte pocas veces es tratada en un filme de ese gran modo, mostrando todo el dolor y el traumatismo físico y psicológico, sobre todo en los niños. El lado político tiene cierta relación con la muerte del padre soldado que bien sería parte de una cinta que despide al franquismo.

Las actuaciones simplemente son impecables: Ana Torrent, quien con solo 9 años crea una actuación sobresaliente que logra transmitir todos los sentimientos encontrados de su personaje que creo que si no fuera duro lloraría; Geraldine Chaplin quien funge en doble papel realiza también una actuación excelente con escenas duras de realizar mostrándonos que el talento sí se hereda (es hija de Charles Chaplin); el resto del cast, como ya lo dije realiza un trabajo estupendo sobresaliendo aparte de Torrent y Chaplin a las niñas Conchita Pérez y Mayte Sanchez que logran una actuación más que convincente.
La dirección de fotografía de Teodoro Escamilla con planos bien realizados y poco difíciles es muy efectiva.
La música es una selección de las piezas "Canción y Danzas N.6" de Federico Mompou que es un solo de piano que favorece a la situación de tristeza para los personajes, “Porque te vas” escrita por José Luis Perales e interpretada por Jeanette favorece con su letra a ver la canción como una llamada de la hija a la madre, y la instrumentación sirve para situarnos en el contexto setentero.
En síntesis un impresionante ejercicio cinematográfico, una obra maestra que se debe ver a fuerzas.

Calificación:

El Imaginario Mundo del Doctor Parnassus: Introduciendose a la imaginación.

Película: El Imaginario Mundo del Doctor Parnassus (The Imaginarium of Doctor Parnassus, Reino Unido-Canadá-Francia, 2009)

Director: Terry Gilliam
Actores: Christopher Plummer, Heath Ledger, Lily Cole, Tom Waits, Verne Troyer, Andrew Garfield, Colin Farrell, Jude Law, Johnny Depp.

Crítica: La última cinta de Terry Gilliam y la última actuación de Heath Ledger es una excelente escultura a la imaginación.
Mil años después de haber hecho un pacto con Mr. Nick, el Diablo (Tom Waits) para ser inmortal, el Doctor Parnassus (Christopher Plummer) es el jefe de una compañía teatral a través de la cual los espectadores pueden acceder a sus mayores deseos usando la imaginación. Aunque ahora, al tener una hija llamada Valentina (Lily Cole) que pronto cumplirá 16 años, esta, por el trato con Mr. Nick le pertenecerá a este. El Doctor Parnassus, con ayuda del enano Percy (Verne Troyer), el joven Anton (Andrew Garfield), y Tony (Heath Ledger, Colin Farrell, Jude Law, Johnny Depp) un personaje muy misterioso con un oscuro pasado; a evitar que Mr. Nick se lleve a su hija.
Terry Gilliam, en su película más difícil (por el hecho de la muerte Heath Ledger a la mitad del rodaje en enero de 2008) realizo un muy buen trabajo conservando el estilo fantástico y cómico que lo caracteriza y siguiendo utilizando las temáticas como la libertad, y como punto central de la trama la perdida de imaginación a través de los años en un guión de él y Charles McKeown. Con un presupuesto de treinta millones de dólares Gilliam logra crear además un aspecto técnico muy decente y efectivo para lograr introducirnos a ese mundo de lo más extraño.

Las actuaciones son excelentes: Heath Ledger, a quien fue dedicada la película y hasta en donde normalmente diría un filme de Terry Gilliam, dijo Un filme de Heath Ledger y sus amigos, realiza una excelente actuación siguiendo mostrando el excelente futuro que conseguiría durante más años; el veterano Christopher Plummer igualmente consigue una efectiva actuación convincente; Tom Waits, Verne Troyer, Andrew Garfield, Colin Farrell, Jude Law y Johnny Depp igualmente realizan un estupendo trabajo, sobre todo los últimos tres que lograron seguir fielmente la interpretación de Ledger; la que quizá pudo haber dado un poco más es Lily Cole.
La música de Jeff y Michael Danna es efectiva para el ambiente imaginario de la cinta, sin embargo no recuerdo una partitura que sea recordada para la historia del soundtrack.
La dirección de fotografía de Nicola Pecorini (quien con anterioridad había trabajado con Gilliam) realiza una buena ubicación de cuadros, con variedad de estilos, con una coloración estupenda y que con los efectos, la dirección artística y el diseño de producción crean lo más importante de filme: una estética visual de lo más interesante.
En síntesis un excelente viaje a través de la imaginación y la mente de Gilliam, la recomiendo a los fans del género, del director y de Ledger. Quizá no es básica en ninguno de ellos, pero es excelente.

Calificación:

Premios: Ganadores Premios Ariel.

sta noche se llevó a cabo la 52a Entrega de los Premios Ariel, que premia a lo mejor del cine mexicano,  en la que la máxima ganadora fue 5 días sin Nora de Mariana Chenillo con 7 premios. De las ganadoras creo que Blackyard se lo merecia menos que Norteado. Aquí la lista de ganadores:

-Mejor Película: 5 días sin Nora

-Mejor Dirección: Carlos Carrera (Blackyard, el traspatio)
-Mejor Actor: Fernando Luján (5 días sin Nora)
-Mejor Actríz: Azur Zágada (Blackyard, el traspatio)
-Mejor Coactuación Masculina: José Sefami (Conozca la Cabeza de Juan Pérez)
-Mejor Coactuación Femenina: Angelica Peláez (5 días sin Nora)
-Mejor Guión Original: Mariana Chenillo (5 días sin Nora)
-Mejor Fotografía: Martín Boege y Everardo González (Blackyard, el traspatio)
-Mejor Edición: Miguel Schverdfinger (Norteado)
-Mejor Música Original: Darío González Valderrama (5 días sin Nora)
-Mejor Sonido: Blackyard, el traspatio
-Mejor Diseño de Arte: Gloria Carrasco y Lizette Ponce (Blackyard, el traspatio)
-Mejor Vestuario: Josefina Echecerría (Conozca la Cabeza de Juan Pérez)
-Mejor Maquillaje: Mario Zarazúa y Alfredo Mora (5 días sin Nora)
-Mejores Efectos Visuales: Gretel (Conozca la Cabeza de Juan Pérez).
-Mejores Efectos Especiales: Daniel Cordero (Conozca la Cabeza de Juan Pérez)
-Mejor Ópera Prima: 5 días sin Nora.
-Mejor Largometraje Documental: Flores para el soldado
-Mejor Cortometraje Documental: Sólo pase la persona que se va a retratar.
-Mejor Cortometraje Ficción: La Canción de los Niños Muertos.
-Mejor Cortometraje Animado: Jaulas.
-Mejor Película Hiberoamericana: El Secreto de sus ojos

Cuchillo en el Agua: Los pininos de Roman Polanski.

Película: Cuchillo en el Agua (Nóz w wodzie, Polonia, 1962)

Director: Roman Polanski
Actores: Leon Niemczyk, Jolanta Umecka, Zygmunt Malanowicz.

Crítica: Es un excelente debut de un gran director como lo es Roman Polanski.
Durante el trayecto hacia un puerto donde tienen un yate suyo donde pasarían un día para relajarse y a tomar el sol, Andrzej (Leon Niemczyk) y Krystyna (Jolanta Umecka) invita a un joven desconocido (Zygmunt Malanowicz) a acompañarlos. Durante su día en el lago donde se encuentra una fuerte lucha por parte de los dos hombres para demostrar su superioridad, y algo despertará entre Krystyna y el joven que llegará a un punto desequilibrante para los tres.
Un director cualquiera quisiera tener una opera prima tan buena como esta, tras 13 cortometrajes, Polanski concreta en esta película el estilo que seguirá manejando hasta nuestros días, con temáticas del estudio de la psicología del hombre, con sus trastornos, y que magnificado en otras de sus cintas. En un guión de él, Jakub Goldberg y Jerzy Skolimowski; Polanski logra crear una cinta interesante, con una buena dirección para los actores quienes solo los 3 sobrellevaron todo el filme y con un buen uso de los recursos técnicos. Sus defectos podrían ser un poco de inestabilidad en el ritmo (en ratos la película se torna un poco lenta) y una ausencia de música en espacios que se pudiesen utilizar.

Las actuaciones tanto de Leon Niemczyk, Jolanta Umecka y Zygmunt Malanowicz son excelentes para que solo ellos actúen durante toda la cinta, pero el que tal vez sobresalga más es Zygmunt Malanowicz, quien logra matizar excelentemente a el personaje creando una gran intriga hacia él y sus posesiones que suben al yate.

La dirección de fotografía de Jerzy Lipman es muy efectiva pues hace un buen trabajo en espacios extremadamente abiertos y en muy cerrados, sin dejar de mostrar todo lo que Polanski quisiera que se mostrase. Además el blanco y negro, con el estilo social de Andrzej y Krystyna y la música crea un ambiente atractivo y elegante.
La música de Krzysztof T. Komeda como dije anteriormente crea una música atractiva y elegante utilizando el jazz que es efectivo para la tensión tanto de suspenso como sexual de la cinta, aunque como dije también anteriormente pudo haberse utilizado un poco más de ella.
Los demás aspectos técnicos están muy bien como el diseño de producción de Boleslaw Kamykowski.
En síntesis una cinta indispensable para los fanáticos de Polanski, del cine de arte y el suspenso en general.

Calificación:

Noticias de la Semana (4-10 abril 2010)

Emily Blunt en líos de superheroes.

La actriz inglesa Emily Blunt, quien ya había sido considerada para interpretar a la novia del Capitan América en la cinta basada en los comics de ese heroe, abandono esta producción, cosa que se extrañaria de no ser que según fuentes informan que le gustaría actuar en la próxima película de Batman interpretando a Catwoman. Les seguiremos informando sobre estas dos producciones.

Brad Bird dirigirá Misión Imposible IV

Brad Bird, director de las exitosas películas animadas El Gigante de Hierro, Ratatouille y Los Increibles será el encargado de seguir la saga de Misión Imposible. Hace un tiempo se tenía confirmado el proyecto con Tom Cruise de nuevo como protagonista, pero no se sabía quien seguiría la saga que han construido Brian de Palma, John Woo y J. J. Abrahams, pero ahora se confirmó que este director mas conocido por sus trabajos en animación realizará esta película en acción real. Actualmente Bird tambien dirige 1906, una cinta que retratará el temblor de San Francisco en ese año, esta película tambien la produce Pixar

Pickpocket: El Arte del Carterismo.

Película: Pickpocket (Francia, 1959)

Director: Robert Bresson
Actores: Martin LaSalle, Marika Green, Pierre Leymarie, Jean Pélégri, Kassagi.

-Crítica dedicada al cinéfilo y mentor Jorge R. Pantoja Merino-

Crítica: Es un interesantísimo thriller que ubicado en la búsqueda de la satisfacción.
Michel (Martin LaSalle) es un solitario y desempleado hombre, quien tiene a su madre (Dolly Scal) con muy mala salud y al cuidado de Jeanne (Marika Green) (quien además de cargar con la madre de Michel cuida a su alcohólico padre y a su hermana, por el abandono de su madre), su único amigo es Jacques (Pierre Leymarie). Cuando Michel, a falta de dinero, un día comienza a robar, y tras comenzar a ser cleptómano buscando cada vez realizar mejores golpes, cambiará el rumbo de él, Jeanne y Jacques.
Robert Bresson crea una muy interesante película de suspenso, que aunque el no lo aceptaba como tal sino como una cinta de uniones, lo es porque además de manejar una historia criminal logra la expectación en el público a lo largo del filme de excelsa manera. En un guión de él y Odette Lemarchand basado en la novela "Prestupleniye i nakazaniye" de Fyodor Dostoyevsky, Bresson crea un gran filme clave para los siguientes años por su estructura narrativa y visual (la atención que genera en el espectador por las manos del personaje es espectacular), además de retratar bien la soledad y las necesidades hasta llegar a cuestiones éticas. Quizá el único fallo sea en el ritmo.

Las actuaciones son en general muy bien hechas: Martin LaSalle (su primer actuación en uno de sus pocos papeles en Francia ya que después emigraría a México) interpreta muy bien a este antihéroe logrando llevar los sentimientos del personaje, al igual que Marika Green, quien además de estar bellísima (si no supiera que es de los 50’s juraría que es Natalie Portman pues esta igual a ella, al menos en esta película) logra hacer un callado pero buen papel. El resto del elenco también lo hace bien.
La dirección de fotografía de Léonce-Henri Burel es el mejor aspecto técnico en la cinta, ya que logró como dije antes lograr una atención en todos los movimientos del protagonista, además de hacer lucir los dos lados de Paris en forma exponencial (los lados bellos y los sucios) en un elegantísimo blanco y negro.
La música, tomada de “Suite de symphonies d'Amadis” de Jean-Baptiste Lully hace lucir al contexto de forma elegante, remitiéndonos a la acción del protagonista como un estilo de arte, el arte del pickpocket o carterista (ladrón de carteras), el arte de robar.
Los demás aspectos técnicos no son destacables pero son adecuados.
En definitiva una obra maestra con escenas muy bien hechas.

Calificación:

Crepúsculo de Tokio: Largo retrato de la sociedad japonesa de los 50’s.

Película: Crepúsculo de Tokio (Tokyo boshoku, Japón, 1957)

Director: Yasujiro Ozu
Actores: Ineko Arima, Setsuko Hara, Chishû Ryû.

Crítica: Es una cinta que tiene una muy buena historia, pero no se concretó de la manera correcta.
Akiko Sugiyama (Ineko Arima) es una muchacha que no conoció a su madre que la abandonó a ella, a su hermana Takako (Setsuko Hara) y su padre (Chishû Ryû) cuando todavía era una bebe, por lo que se forjó un carácter muy duro. Pero cuando se da cuenta que está embarazada, enfrentará problemas que nunca había llegado a imaginarse.
Yasujiro Ozu demuestra un estilo muy interesante a la hora de filmar sobre todo en el aspecto visual, pero en el narrativo con el guión de él y Kôgo Noda se extendió demasiado en tiempo, ya que la historia, que pudo concretarse perfectamente en una hora y media y en la que igualmente se hubiera hecho un excelente análisis de la sociedad japonesa de los 50’s con el contexto familiar, al tener una duración de dos horas y veinte minutos provoca que las situaciones mostradas en la cinta flaqueen y lleguen en ciertos momentos a aburrir. Como dije, el aspecto visual es excelente, al igual que la dirección de actores, pero como dije el principal fallo que provoca que la cinta no quede en lo excelente sino en lo muy bueno es el mal ritmo de la cinta.

Como dije antes las actuaciones en general son muy buenas y en las que los protagonistas crean de excelente manera sus personajes; Ineko Arima en el papel principal llega a reflejar todos los sentimientos encontrados que posee el personaje, Setsuko Hara igualmente logra una interpretación muy efectiva, pero el que realmente se lleva las palmas en la actuación es Chishû Ryû quien logra rescatar muchos minutos del sobrante metraje.
La dirección de fotografía de Yuuharu Atsuta es lo mejor de la cinta, ya que con sus cuadros sin movimiento, logra mostrar el paisaje minimalista del Japón moderno, logrando realzar su arquitectura y el diseño de producción, además de transmitir un poco esa sensación de soledad en los protagonistas.
La música de Kojun Saitô, al ser un poco escasa también colabora en el problema del ritmo, y siento que pudo haberse explotado más, ya que las pocas piezas de la cinta son muy buenas.
En los demás aspectos técnicos sobresale el diseño de producción que no tuvo crédito en la cinta.
Como dije anteriormente es una buena historia en un regular montaje.

Calificación:

Noticias de la Semana (28 marzo-3 abril 2010)

Habrá secuela de Promesas Peligrosas.

Según fuentes fidedignas, David Cronenberg y Viggo Mortensen han estado trabajando junto con el guionista Steve Knight para realizar la secuela de la aclamada (aunque no la he visto yo) Promesas Peligrosas. Aún se desconocen datos de la cinta y se planea rodarse a finales del año.

Rachel Weisz podría ser villana en la próxima cinta de Bond.

Segúin Cinemablend, los productores de la saga de James Bond quieren a la actriz Rachel Weisz como la villana en la entrega numero 23 de la saga de Bond. Rachel Weisz podría interpretar a la lider de la corporación Quantum. Para la secuela de la a mi parecer muy floja Quantum of Solace, se han barajeado nombres para la próxima chica Bond como Freida Pinto (Quisiera ser Millonario) y Olivia Wilde.

Benicio del Toro podría interpretar a Maradona.

Según Showbiz Spy, el biopic del actual director técnico de la selección de futbol de Argentina y uno de los mejores jugadores de la historia del futbol Diego Armando Maradona podría llegar a la pantalla grande si Benicio del Toro acepta interpretarlo.

John Forsythe ha muerto.

Este jueves 1° de abril, el actor John Forsythe murió en la lucha contra el cancer. Forsythe interpretó papeles en cintas como The Trouble with Harry y Topaz de Alfred Hitchock, Los Angeles de Charlie, entre otros. Que descanse en paz.

Trailers: Furia de Titanes.

Quizá el estreno más importante de este mes es el de Furia de Titanes, remake de la cinta ochentera del mismo nombre, en la cual se narra una versión un tanto libre del mítico semidios griego Perseo. Esta película esta dirigida por Louis Leterrier (El increíble Hulk) y actuán Sam Worthington, Liam Neeson, Ralph Fiennes, Gemma Arterton, Alexa Davalos entre otros (un cast envidiable). Particularmente lo veo como un producto muy entretenido y con impresionantes aspéctos técnicos pero nada más.

El Secreto de sus Ojos: El Secreto de Campanella

Película: El Secreto de sus Ojos (Argentina-España, 2009)

Director: Juan José Campanella
Actores: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella, Pablo Rago, Javier Godino.

Crítica: Es una gran película, un muy interesante thriller romántico cargado de grandes escenas.
Benjamín Esposito (Ricardo Darín) es un policía retirado quien en su tiempo de jubilación comienza a realizar una novela sobre un caso de homicidio sucedido 25 años atrás y que seguía inconcluso para él. Para ayudarle a escribirlo recurre a su vieja colega Irene Menéndez Hastings (Soledad Villamil), de quien antes él estaba enamorado. Al hablar con ella se da cuenta que lo que dejo 25 años atrás seguía vigente y tiene que lograr terminar aquello que dejó pendiente.
Juan José Campanella crea una obra maestra por medio de un estilo visual de lo más decente que nos recuerda al cine de antaño, usando de gran manera un género como el thriller a través de una historia no lineal y adicionándole el aspecto romántico para remitirnos a directores como Hitchock o Sergio Leone en Érase una Vez en América por medio de un guión escrito por él y Eduardo Sacheri, autor de la novela “La pregunta de sus ojos” de la que se basa la película. Campanella crea grandes escenas (la del campo de futbol es una escena magnifica), supo dirigir a sus actores e hizo un buen equilibrio técnico y narrativo. Quizá en algunas ocasiones algunas situaciones pudieron cortarse pero en lo general es un gran trabajo.

Las actuaciones de Darín, Villamil y Francella son estupendas y ninguna opaca a otra, con personajes con diversos matices que hacen una simbiosis muy buena. Las demás actuaciones como las de Pablo Rago y Javier Godino también son buenas pero se les pudo haber exigido un poco más.
La música de Federico Jusid y Emilio Kauderer es asombrosa, con piezas instrumentales nos remiten a las épocas, al romance y al suspenso manejados en la historia.
La dirección de fotografía de Félix Monti también es excelente, hace un gran uso de la cámara utilizandola adecuadamente para la escena. Como dije antes la escena del partido de futbol es una lección de cine pues esta estupendamente bien realizada desde la toma en el aire hasta el suelo donde se encuentra la cara de Isidoro Gómez (Javier Godino).
En los demás aspectos técnicos también se encuentra muy bien la cinta como el diseño de producción de Marcelo Pont Vergés para transportarnos a distintas épocas y el maquillaje de Fernanda Cacivio y Lucila Robirosa para transformar a los personajes a través de los años es también excelente.
Esta cinta nos recuerda que Campanella es y seguirá siendo el mejor director de Argentina.

Calificación:

Anticristo: Sadismo magistral.

Película: Anticristo (Antichrist, Dinamarca-Alemania-Francia-Suecia-Italia-Polonia, 2009)

Director: Lars von Trier
Actores: Willem Dafoe, Charlotte Gainsbourg, Storm Acheche Sahlstrøm..

Crítica: Es una obra maestra de este gran director, terrible pero a la vez bella.
Dividida en capítulos, la cinta narra la historia de dos personas que pierden a su hijo (Storm Acheche Sahlstrøm) de manera brutal. La esposa (Charlotte Gainsbourg) es la más afectada y el esposo (Willem Dafoe), al ser psicologo busca en ella la manera que supere la pérdida, así que se dirigen a un bosque para que ella pueda superar la muerte de su hijo y a la vez logre eliminar sus miedos, pero esto traera consecuencias insospechadas para ambos.
Siendo sinceros, es la primera vez que veo una cinta de Lars von Trier, conocía su estilo narrativo y visual, y lo que había escuchado de él quedo plasmado en esta cinta de gran manera; ya que en esta cinta que él mismo escribió se logra hacer un equilibrio magistral entre historia e imagen. Lars von Trier logra sobrellevar una historia tan dura a través de una estética visual fascinante (El prólogo es una de las escenas mejor hechas que he visto). A través de esas excelentemente bien hechas escenas pero llenas de oscuridad, sexo explicito, desnudos, y mucha pero mucha sangre, von Trier también hace una reflexión sobre la naturaleza y la maldad en el hombre, tocando el punto más desequilibrante de este provocando una gran perturbación en el espectador. Quizá el error de la cinta es que de repente se pierde el ritmo en algunas escenas.

Las actuaciones tanto de Willem Dafoe como de Charlotte Gainsbourg son impresionantes; además que los dos llevan solos la película (salvo pequeñas intervenciones de Storm Acheche Sahlstrøm), logran convencer en unos personajes complejos que presentan una muy interesante metamorfosis a lo largo del filme, además de ser tan valientes al mostrarse “como Dios los trajo al mundo” (sobre todo Gainsbourg) y crear escenas tan explicitas y sanguinarias. Definitivamente la Palma de Oro a Mejor Actriz si se la merecía Gainsbourg.
La música original (de la cual no encontré el autor) favorece a crear una gran tensión en el espectador y la canción 'Lascia ch'io pianga' de la opera Rinaldo de Georg Friedrich Händel, usada para el prólogo y el epílogo favorece a mostrar que lo que vamos a ver y lo que vimos es una combinación de preciosismo gore.

La dirección de fotografía de Anthony Dod Mantle (quien había trabajado anteriormente con von Trier) es lo mejor de la cinta, quien usando diversas técnicas (blanco y negro, color, cámara lenta, camara en mano, escenas estáticas, etc) logra crear junto con la edición de Åsa Mossberg y Anders Refn y los efectos visuales y especiales, una de las mejores experiencias visuales en el sentido artístico que se ha visto últimamente.
Por ultimo vale mencionar que la cinta está dedicada a Tarkovsky, de quien relacioné el estilo visual y me recordó a su frase: “El pensamiento es efimero, la imagen absoluta”.
Es una cinta que cualquier cinéfilo que no sea de mente cerrada debe ver, es una experiencia cinematográfica de lo más interesante.

Calificación: