Melancolía: Bello apocalipsis.

Película: Melancolía (Melancholía, Dinamarca-Suecia-Francia-Alemania, 2011)
Director: Lars Von Trier.
Reparto: Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, Alexander Skarsgård, John Hurt, Charlotte Rampling, Stellan Skarsgård, Udo Kier, Cameron Spurr, Brady Corbet.

Escucha la música mientras lees la crítica.


-CRÍTICA CONTIENE SPOILERS-

Crítica: Tras Anticristo (2009), Von Trier hace un giro de 180 grados para crear una historia menos estresante y más amplia, pero la esencia visual y narrativa de dicha joya se maximiza en Melancolía, un destello de belleza y amargura en el que el fin del mundo es íntimo y onírico.

El filme está compuesto de tres partes, el primero un prólogo onírico, el segundo dedicado al personaje de Justine (Kristen Dunts) y el último al de Claire (Charlotte Gainsbourg). Es el día de la boda de Justine, pero al llegar a ella parece que todo el mundo conspira en su contra. A esto se une el hecho que un planeta llamado Melancholia está a punto de pasar al lado de la tierra y hay incertidumbre si el planeta va a chocar con el planeta Tierra y destruirlo.

Lars Von Trier, quién escribió también la cinta, logra con este filme deshacerse de toda la presión y estrés que le había ocasionado Anticristo, puesto que los límites que le había puesto y el peso de la cinta hasta el espectador lo recaía. En esta ocasión nos vuelve a presentar una historia en la que un fenómeno es el reflejo de que los humanos nos destruimos por dentro, nos convertimos monstruos de las ambiciones, pretensiones, vanalidades, falta de confianza, intereses propios, traiciones, entre otros, provocan una bomba de tiempo reflejado en la boda de Justine que termina siendo un desastre y detona una poderosa Melancolía en la protagonista, tristeza vaga, profunda, sosegada y permanente, nacida de causas físicas o morales, que hace que no encuentre quien la padece gusto ni diversión en nada (Definición de la RAE), en el caso de Justine destruye sus relaciones salvo la de su hermana y se refugia en un fenómeno astronómico para escapar. En el segundo capítulo nos muestra el miedo al cambio, el miedo a enfrentarlo y huir de él, la desesperación por ello, ésto representado por Claire y John (Sutherland). Pero ante todos estos monstruos, lo último que muere es la esperanza y la unión. Esa mezcolanza hace que el filme de Von Trier nos deje con un sentimiento extraño sentimental. Quizá el único problema es que en ocasiones la trama se torna un poco pesada y cansada, pero cualquier amante del séptimo arte lo dejará pasar pues se permanece inmóvil por la estética.

Ordet (La Palabra): Palabras de fe.

Película: Ordet (La Palabra) (Ordet, Dinamarca, 1955)
Director: Carl Theodor Dreyer
Actores: Henrik Malberg, Preben Lerdorff Rye, Birgitte Federspiel, Emil Hass Christensen, Cay Kristiansen, Ejner Federspiel.

Crítica: Esta excepcional película es una muy llamativa propuesta ética como punto central la fe.
En una granja de un pueblito danés, una familia dominada por Morten Borgen (Henrik Malberg), vive el tormento de que uno de su hijo Johannes (Preben Lerdorff Rye), que estudió teología, se cree Jesucristo; Anders (Cay Kristiansen), otro de sus hijos quiere casarse con una mujer (Gerda Nielsen) de su pueblo pero las creencias religiosas de ella no lo permiten; Inger (Birgitte Federspiel), la esposa de Mikkel (Emil Hass Christensen), otro de sus hijos, esta apunto de tener un bebe pero esta teniendo problemas con el embarazo. Morten buscará, en la creencia de una iglesia que no es lo que era cuando se fundó, la verdadera fe para que su familia se encuentre bien.
Carl Theodor Dreyer, en un guión de él basado en la obra de Kaj Munk; crea una obra magistral donde al igual que en varias de sus cintas hace una fina crítica al cristianismo y a lo desvirtuada que está actualmente, y con esta cinta plantea una ética cristiana donde el creyente se base en la acción y la fe para lograr sus objetivos, realizando buenas acciones y creyendo en la ayuda de Dios, pero no por medio de misas, sacrificios o algo por el estilo. Técnicamente hablando Dreyer dirige un filme con un muy buen ritmo, una historia atrayente con suspenso, y con un impresionante manejo en las cámaras y los decorados haciendo una simbiosis entre ellos, además de lo interesante que resulta que los actores se desenvuelvan como en una obra de teatro.

Las actuaciones no decepcionan ni sobresalen una a otra, cada quien realiza un trabajo estupendo, aunque si bien el que se la vio más difícil por la complejidad en el personaje es Preben Lerdorff Rye, quien convence asombrosamente.
La dirección de fotografía de Henning Bendtsen, con un precioso blanco y negro y un interesante movimiento de cámara teatral brinda un resultado efectivo para la historia y para recordar el origen de esta cinta, el teatro. Además que al estar restaurado el DVD en cuanto a imagen se aprecia completamente la fotografía.
La música de Poul Schierbeck igualmente es muy buena, con excelentes composiciones que sin embargo me hubiese gustado que se le explotado más.
En conclusión, es una obra maestra más que he visto de este maestro danés y que recomiendo ampliamente, sin importar las creencias de los demás, pues es un ejercicio cinematográfico de los pocos.

Calificación:

Anticristo: Sadismo magistral.

Película: Anticristo (Antichrist, Dinamarca-Alemania-Francia-Suecia-Italia-Polonia, 2009)

Director: Lars von Trier
Actores: Willem Dafoe, Charlotte Gainsbourg, Storm Acheche Sahlstrøm..

Crítica: Es una obra maestra de este gran director, terrible pero a la vez bella.
Dividida en capítulos, la cinta narra la historia de dos personas que pierden a su hijo (Storm Acheche Sahlstrøm) de manera brutal. La esposa (Charlotte Gainsbourg) es la más afectada y el esposo (Willem Dafoe), al ser psicologo busca en ella la manera que supere la pérdida, así que se dirigen a un bosque para que ella pueda superar la muerte de su hijo y a la vez logre eliminar sus miedos, pero esto traera consecuencias insospechadas para ambos.
Siendo sinceros, es la primera vez que veo una cinta de Lars von Trier, conocía su estilo narrativo y visual, y lo que había escuchado de él quedo plasmado en esta cinta de gran manera; ya que en esta cinta que él mismo escribió se logra hacer un equilibrio magistral entre historia e imagen. Lars von Trier logra sobrellevar una historia tan dura a través de una estética visual fascinante (El prólogo es una de las escenas mejor hechas que he visto). A través de esas excelentemente bien hechas escenas pero llenas de oscuridad, sexo explicito, desnudos, y mucha pero mucha sangre, von Trier también hace una reflexión sobre la naturaleza y la maldad en el hombre, tocando el punto más desequilibrante de este provocando una gran perturbación en el espectador. Quizá el error de la cinta es que de repente se pierde el ritmo en algunas escenas.

Las actuaciones tanto de Willem Dafoe como de Charlotte Gainsbourg son impresionantes; además que los dos llevan solos la película (salvo pequeñas intervenciones de Storm Acheche Sahlstrøm), logran convencer en unos personajes complejos que presentan una muy interesante metamorfosis a lo largo del filme, además de ser tan valientes al mostrarse “como Dios los trajo al mundo” (sobre todo Gainsbourg) y crear escenas tan explicitas y sanguinarias. Definitivamente la Palma de Oro a Mejor Actriz si se la merecía Gainsbourg.
La música original (de la cual no encontré el autor) favorece a crear una gran tensión en el espectador y la canción 'Lascia ch'io pianga' de la opera Rinaldo de Georg Friedrich Händel, usada para el prólogo y el epílogo favorece a mostrar que lo que vamos a ver y lo que vimos es una combinación de preciosismo gore.

La dirección de fotografía de Anthony Dod Mantle (quien había trabajado anteriormente con von Trier) es lo mejor de la cinta, quien usando diversas técnicas (blanco y negro, color, cámara lenta, camara en mano, escenas estáticas, etc) logra crear junto con la edición de Åsa Mossberg y Anders Refn y los efectos visuales y especiales, una de las mejores experiencias visuales en el sentido artístico que se ha visto últimamente.
Por ultimo vale mencionar que la cinta está dedicada a Tarkovsky, de quien relacioné el estilo visual y me recordó a su frase: “El pensamiento es efimero, la imagen absoluta”.
Es una cinta que cualquier cinéfilo que no sea de mente cerrada debe ver, es una experiencia cinematográfica de lo más interesante.

Calificación: