Premios 2010: Nominaciones Globos de Oro.

 La carrera fuerte de premios a lo mejor de este año ha comenzado y de la mayoría de premiaciones que han habido The Social Network ha sido la que más premios se ha llevado. Por lo pronto nos llegan las nominaciones a los Globos de Oro que es considerada la antesala de los Oscares. En esta entrega The King Speech ha sido la más nominada con siete candidaturas, seguidas de The Fighter y The Social Network con seis. Inception de Nolan se llevó las nominaciones más importantes aunque creo que pudieron haberle otorgado alguno en actuación, Black Swan de Aronofsky no fue nominado a guión y sólo obtuvo nominación a película drama, director y actriz drama. México obtiene nominación por Biutiful como Mejor Película Extranjera.

La lista es la siguiente:

 MEJOR PELÍCULA DRAMÁTICA

"Black Swan"

"The Fighter"

"Inception"

"The King's Speech"

"The Social Network"

MEJOR PELÍCULA COMEDIA O MUSICAL

"Alice in Wonderland"

"Burlesque"

"The Kids are All Right"

"Red"

"The Tourist"

MEJOR DIRECTOR

Darren Aronofsky "Black Swan"

David Fincher "The Social Network"

Tom Hooper "The King's Speech"

Christopher Nolan "Inception"

David O. Russell "The Fighter"

MEJOR ACTOR DRAMÁTICO

Jesse Eisenberg "The Social Network"

Colin Firth "The King's Speech"

James Franco "127 Hours"

Ryan Gosling "Blue Valentine"

Mark Wahlberg "The Fighter"

MEJOR ACTRIZ DRAMÁTICA

Halle Berry "Frankie and Alice"

Nicole Kidman "Rabbit Hole"

Jennifer Lawrence "Winter's Bone"

Natalie Portman "Black Swan"

Michelle Williams "Blue Valentine"

MEJOR ACTOR DE COMEDIA O MUSICAL

Johnny Depp "Alice in Wonderland"

Johnny Depp "The Tourist"

Paul Giamatti "Barney's Version"

Jake Gyllenhaal "Love and Other Drugs"

Kevin Spacey "Casino Jack"

MEJOR ACTRIZ DE COMEDIA O MUSICAL

Annette Bening "The Kids are All Right"

Anne Hathaway "Love and Other Drugs"

Angelina Jolie "The Tourist"

Julianne Moore "The Kids are All Right"

Emma Stone "Easy A"

MEJOR ACTOR SECUNDARIO

Christian Bale "The Fighter"

Michael Douglas "Wall Street 2: Money Never Sleeps"

Andrew Garfield "The Social Network"

Jeremy Renner "The Town"

Geoffrey Rush "The King's Speech"

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA

Amy Adams "The Fighter"

Helena Bonham Carter "The King's Speech"

Mila Kunis "Black Swan"

Melissa Leo "The Fighter"

Jacki Weaver "Animal Kingdom"

MEJOR GUIÓN

Danny Boyle & Simon Beaufoy "127 Hours"

Lisa Cholodenko & Stuart Blumberg "The Kids are All Right"

Christopher Nolan "Inception"

Aaron Sorkin "The Social Network"

David Speidler "The King's Speech"

MEJOR BANDA SONORA

Alexandre Desplat "The King's Speech"

Danny Elfman "Alice in Wonderland"

A. R. Rahman "127 Hours"

Trent Reznor & Atticus Ross, The Social Network"

Hans Zimmer "Inception"

MEJOR CANCIÓN

"Bound to You" ("Burlesque")

"Coming Home" ("Country Strong")

"I See the Light" ("Tangled")

"There's a Place for Us" ("Chronicles of Narnia: The Voyage of the Dawn Treader")

"You Haven't Seen the Last of Me" ("Burlesque")

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

"Desplicable Me"

"How to Train Your Dragon"

"Tangled"

"Toy Story 3"

"The Illusionist"

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA

"Biutiful" (México / España)

"The Concert" (Francia)

"I am Love" (Italia)

"In a Better World" (Dinamarca)

"The Edge" (Rusia)

Premios 2010: Nominaciones Critics Choice Awards

Los Critics Choice Awards son las premiaciones más importantes por parte de gremios de críticos y una de las más importantes de Estados Unidos. Este año la película más nominada fue Black Swan de Darren Aronofsky con 12 nominaciones, seguida por True Grit de los hermanos Coen y The King's Speech de Tom Hooper con 11. Al igual que en los oscares estos premios nominan a 10 películas para la categoría de Mejor Película. Las premiaciones serán el 14 de enero y estaremos para anunciar a los ganadores. Biutiful sigue en la tabla de nominados como Mejor Película Extranjera. Estos son los nominados:

MEJOR PELÍCULA
"127 Hours"
"Black Swan"
"The Fighter"
"Inception"
"The King’s Speech"
"The Social Network"
"The Town"
"Toy Story 3"
"True Grit"
"Winter’s Bone"

MEJOR DIRECTOR
Darren Aronofsky – “Black Swan”
Danny Boyle – “127 Hours”
Joel Coen & Ethan Coen – “True Grit”
David Fincher – “The Social Network”
Tom Hooper – “The King’s Speech”
Christopher Nolan – “Inception”

MEJOR ACTOR

Jeff Bridges – “True Grit”
Robert Duvall – “Get Low”
Jesse Eisenberg – “The Social Network”
Colin Firth – “The King’s Speech”
James Franco – “127 Hours”
Ryan Gosling – “Blue Valentine”

MEJOR ACTRIZ
Annette Bening – “The Kids Are All Right”
Nicole Kidman – “Rabbit Hole”
Jennifer Lawrence – “Winter’s Bone”
Natalie Portman – “Black Swan”
Noomi Rapace – “The Girl With the Dragon Tattoo”
Michelle Williams – “Blue Valentine”

MEJOR ACTOR DE REPARTO
Christian Bale – “The Fighter”
Andrew Garfield – “The Social Network”
Jeremy Renner – “The Town”
Sam Rockwell – “Conviction”
Mark Ruffalo – “The Kids Are All Right”
Geoffrey Rush – “The King’s Speech”

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Amy Adams – “The Fighter”
Helena Bonham Carter – “The King’s Speech”
Mila Kunis – “Black Swan”
Melissa Leo – “The Fighter”
Hailee Steinfeld – “True Grit”
Jacki Weaver – “Animal Kingdom”

MEJOR ACTOR/ACTRIZ JOVEN
Elle Fanning – “Somewhere”
Jennifer Lawrence – “Winter’s Bone”
Chloe Grace Moretz – “Let Me In”
Chloe Grace Moretz – “Kick-Ass”
Kodi Smit-McPhee – “Let Me In”
Hailee Steinfeld – “True Grit”

MEJOR REPARTO
"The Fighter"
"The Kids Are All Right"
"The King’s Speech"
"The Social Network"
"The Town"

MEJOR GUIÓN ORIGINAL
“Another Year” – Mike Leigh
“Black Swan” – Mark Heyman, Andres Heinz & John McLaughlin
“The Fighter” – Scott Silver, Paul Tamasy & Eric Johnson
“Inception” – Christopher Nolan
“The Kids Are All Right” – Lisa Cholodenko & Stuart Blumberg
“The King’s Speech” – David Seidler

MEJOR GUIÓN ADAPTADO
“127 Hours” – Simon Beaufoy & Danny Boyle
“The Social Network” – Aaron Sorkin
“The Town” – Ben Affleck, Peter Craig & Sheldon Turner
“Toy Story 3” – Michael Arndt
“True Grit” – Joel Coen & Ethan Coen
“Winter’s Bone” – Debra Granik & Anne Rosellini

MEJOR FOTOGRAFÍA
“127 Hours” – Anthony Dod Mantle
“Black Swan” – Matthew Libatique
“Inception” – Wally Pfister
“The King’s Speech” – Danny Cohen
“True Grit” – Roger Deakins

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA
“Alice in Wonderland” – Stefan Dechant
“Black Swan” – Therese DePrez & Tora Peterson
“Inception” – Guy Hendrix Dyas
“The King’s Speech” – Netty Chapman
“True Grit” – Jess Gonchor & Nancy Haigh

MEJOR MONTAJE

“127 Hours” – Jon Harris
“Black Swan” – Andrew Weisblum
“Inception” – Lee Smith
“The Social Network” – Angus Wall & Kirk Baxter

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO
“Alice in Wonderland” – Colleen Atwood
“Black Swan” – Amy Westcott
“The King’s Speech” – Jenny Beavan
“True Grit” – Mary Zophres

MEJOR MAQUILLAJE
"Alice in Wonderland"
"Black Swan"
"Harry Potter and the Deathly Hallows Part I"
"True Grit"

MEJORES EFECTOS VISUALES
"Alice in Wonderland"
"Harry Potter and the Deathly Hallows Part I"
"Inception"
"Tron: Legacy"

MEJOR SONIDO
"127 Hours"
"Black Swan"
"Inception"
"The Social Network"
"Toy Story 3"

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
"Despicable Me"
"How to Train Your Dragon"
"The Illusionist"
"Tangled"
"Toy Story 3"

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
Biutiful
I Am Love
The Girl with the Dragon Tattoo

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL
"Exit Through the Gift Shop"
"Inside Job"
"Restrepo"
"Joan Rivers: A Piece of Work"
"The Tillman Story"
"Waiting for Superman"

MEJOR PELÍCULA DE ACCIÓN
"Inception"
"Kick-Ass"
"Red"
"The Town"
"Unstoppable"

MEJOR COMEDIA
"Cyrus"
"Date Night"
"Easy A"
"Get Him to the Greek"
"I Love You Phillip Morris"
"The Other Guys"

MEJOR PELÍCULA HECHA PARA LA TELEVISIÓN
"The Pacific"
"Temple Grandin"
"You Don’t Know Jack"

MEJOR CANCIÓN
“I See the Light” – Tangled
“If I Rise” – 127 Hours
“Shine” – Waiting for Superman
“We Belong Together” – Toy Story 3
“You Haven’t Seen the Last of Me” – Burlesque

MEJOR BANDA SONORA
“Black Swan” – Clint Mansell
“Inception” – Hans Zimmer
“The King’s Speech” – Alexandre Desplat
“The Social Network” – Trent Reznor and Atticus Ross
“True Grit” – Carter Burwell

Buenos Muchachos: Desde que tengo uso de razón, siempre quise ser un gangster.

Película: Buenos Muchachos (Goodfellas en EUA, Uno de los Nuestros en España, 1990) 

Director: Martin Scorsese 

Actores: Ray Liotta, Robert De Niro, Lorraine Bracco, Joe Pesci, Paul Sorvino.

Crítica: Junto con El Padrino y Erase una vez en Ameríca, una de las mejores películas de gangsters. Hace un tiempo mencione que la mejor historia para contar en el cine es el ascenso y caída de un personaje, que ha sido tocada tanto en clásicos como en blockbusters, y ciertamente son historias atractivas, pero al fin y al cabo la misma premisa. 

Esta cinta esta basada en la historia de Henry Hill (Ray Liotta) quien se introduce desde muy joven a la mafia de su barrio en Nueva York, concentrada tanto por irlandeses como de sicilianos, donde con el paso del tiempo y la búsqueda de poder, entra en negocios cada vez peores. 

Scorsese nos regala quizás su última película perfecta que no ha podido superar (aunque si ha dado obras maestras, pero no la han superado), con un guión de él y Nicholas Pillegi basado en la novela Wiseguy del último en la que se muestra un gran dominio en el conocimiento de la mafia, y muestra al contrario de El Padrino y Erase una vez en América, un bajo mundo en la mafia, donde la confianza no lo es todo, hay que ser uno de los suyos, quizá es distinto el toque a la mafia por la época en que es desarrollada además de más de un brillante diálogo. Scorsese nos invade de ese mundo gangsteril de una manera trepidante, manteniendo sin descanso a los espectadores con escenas más que estupendas y memorables. 

El brillante reparto da personajes creíbles, en el caso del de Pesci temible, en el caso de Liotta nos hace estar de su lado, el de De Niro lo vemos como un gran amigo, pero al fin y al cabo los intereses son más fuertes, el personaje de Bracco es un personaje muy fuerte en una trama mas asemejada a los hombres, sobresaliendo como una mujer valiente, que entiende el negocio y que ayuda a su esposo mafioso, los demás actores también lo hacen bien sin olvidarnos de Paul Sorvino que como jefe de la mafia estuvo más que excelente.

La fotografía de Michael Ballhaus es muy buena, destacando ciertos largos y bien planeados planos secuencias, se utilizan mucho los close-ups y tiene tomas adecuadas para la más que absorbente edición de Thelma Schoonmaker y la muy buena dirección de arte recreando tres décadas de la mafia realizando un aspecto visual más que memorable. 

La música que no es original es muy buena, donde las canciones Rag to Riches, y la de Layla acrecientan el valor de las escenas en las que son utilizadas. 

Una Eterna Maravilla del Cine, se las recomiendo ampliamente.

Calificación: 

Biutiful: La vida no es bonita.

Película: Biutiful (México-España, 2010)
Director: Alejandro González Iñárritu
Actores: Javier Bardem, Maricel Álvarez, Hanaa Bouchaib, Guillermo Estrella, Eduard Fernández, Cheikh Ndiaye.

Crítica: Estás en la calle junto a cientos de personas, lo que probablemente hagas al cruzarte con una es saludarla, desearle los buenos días, verla despectivamente o darle un empujón; muchas veces caminamos y nos cruzamos a nuestro alrededor con varias vidas y no nos ponemos a pensar que aquella persona que pasó esté a punto de morir, tenga alguna enfermedad o esté sufriendo. Ésta y otras reflexiones se plantean en Biutiful, la nueva obra de Alejandro González Iñárritu, que de beautiful no tiene nada.

En los barrios bajos de Barcelona nos encontramos con Uxbal (Javier Bardem), hombre divorciado con la custodia de sus dos hijos pues su exesposa es una alcohólica y cornuda, trabaja ayudando a inmigrantes africanos y chinos a ganarse el pan de cada día, con una pequeña casa y puede ver a los muertos. Cuando el destino le comienza a jugar feo en su vida deberá tomar las decisiones correctas para morir en paz.

Tras realizar una trilogía de guiones escritos por Guillermo Arriaga, Alejandro González Iñárritu cambia parte de la estructura narrativa de Amores Perros, 21 Gramos y Babel para en un guión de su autoría, Armando Bo y Nicolas Giacobone contar de nuevo en español una sola historia (sin cruzar varias como en sus proyectos anteriores) en la que se tocan de nuevo temas clásicos en la filmografía del cineasta como son la muerte como punto de referencia a un mundo sumido en la pudredumbre y las acciones que se toman por ello ahora no en un choque o un viaje sino en la vida del protagonista, que es decisiva para su entorno, además de hacer un gran juego analítico de la globalización: una película de producción mayoritariamente mexicana dirigida por un mexicano, actuada por españoles, chinos y africanos en las que el bienestar del protagonista se basa en dos culturas totalmente ajenas a él, el racismo del que se adapta uno sólo por unos cuantos euros, pesos, dólares o lo que sea. Me parece que el cambio que realiza Iñárritu en lo narrativo fué lo más correcto ya que creo que la fórmula que se utilizo en Amores Perros, 21 Gramos o Babel ya estaba muy gastada en la última mencionada además de ser algo sobrevalorada; en éste estilo además de que lograr que el espectador se adentre en el personaje de Bardem, provoca mayor reflexión y el objetivo principal de Iñárritu en sus filmes, contagiarnos de tristeza y desesperanza como pocas veces, y es cierto, es una película que no debe verse si se esta deprimido pues te deprimirá mucho más, pero qué grande que el cine provoque esa catarsis negativa tan profunda y ésto es lo que se le puede admirar de este filme más que otro de Iñárritu (que de por si son sumamente tristes). En el aspecto negativo de lo narrativo podría haberse eliminado parte de las subtramas de los chinos que no intervienen demasiado en la idea principal. Técnicamente la película es bellísima por plasmar lo no "Biutiful".

Qué decir de las actuaciones, todos los actores encajan definitivamente con sus personajes y los dotan de una naturalidad y sentimientos de excelsa manera: Javier Bardem merecidamente ganó el premio a la actuación en Cannes, otro actor no hubiera podido plasmar toda esa mezcolanza de sentimientos que tiene Uxbal. Maricel Álvarez en su primer proyecto igualmente nos regala una actuación mordaz y qué decir de los pequeños Bouchaib y Estrella, Cheikh Ndiaye o Cheng Tai Shen, todos estupendos.

La dirección de fotografía de Rodrigo Prieto utiliza muy buenas tomas y atrapa colores de gran manera para intoxicarnos de algo triste, amargo, asfixiante. Principalmente a cámara en mano (técnica favorita del cinefotógrafo mexicano) vuelve al espectador testigo del mundo desolado de Uxbal en una Barcelona alejada de lo que muestra Woody Allen u otros autores, tan alejada que la Iglesia de la Sagrada Familia parece una torre borrosa tras las fábricas y chozas de aquellos barrios, la fotografía de Prieto siempre en busca de encontrarle lo biutiful a lo triste.

La música de Gustavo Santaolalla, otra de las grandes alianzas con Iñárritu utiliza piezas que nos hacen sentir en un real requiem moderno (así es como Iñárritu ve a esta película) acompañado de melodías que atrapan al espectador en el calabozo de la vida y con música adicional que encaja excelente en la propuesta.

Nos hallamos ante el mejor trabajo hasta la fecha de Iñárritu, un trabajo tristemente bonito, la primer real Obra Maestra que le he encontrado a este cineasta, una de las mejores películas del año. Esperemos que con este filme México al fin tenga el premio de la Academia a Mejor Película Extranjera en las manos de Iñárritu, eso sí sería un momento Biutiful.

Calificación:

Barry Lyndon: Belleza Narrativa, Visual y Sonora, una película magnifica.

Película: Barry Lyndon (Reino Unido-EUA, 1975)

Director: Stanley Kubrick

Actores: Ryan O'Neal, Marisa Berenson, Patrick Magee, Leon Vitali, Hardy Krüger, Marie Kean.

Crítica: Siempre me viene a la mente con esta película, la crítica de uno de los mas reconocidos críticos de México: Mike Goodnes, el dijo: "Si hay una película perfecta en la historia del cine, cualquier cosa que esto signifique, ésa deberia ser Barry Lyndon." 

Y efectivamente, es una película perfecta, como sólo Kubrick las sabe hacer, una simple pero muy buena historia escrita por él basado en la novela The Memoirs of Barry Lyndon, Esq. de William Makepeace Thackeray, unos encuadres que dan una brillante dirección de fotografía, una impresionante música adaptada de autores como Handel, Mozart, Vivaldi, Bach, etc. 

En la historia de Barry Lyndon, un hombre que luchará por ascender a los mas altos titulos nobiliaros del Siglo XVIII, Kubrick maneja una magnífica dirección, su mejor trabajo junto con La Naranja Mecánica, reune como dije antes los elementos para lograr una impresionante producción, fue grandioso lo que hizo para lograr captar la iluminación natural del siglo XVIII, modificando los lentes. 

 Las actuaciones muy dramáticas, que nos asemejan como dije a la epoca que retratan, con una gran coreografia a los actores, como si fueran una pintura en movimiento, Ryan O'Neal logra mostrarnos en la primera mitad un gran heroe, y en la otra un miserable antiheroe, Marisa Berenson nos retrata de manera encantadora como el tiempo debilita a las personas, situación contraria de Leon Vitali como el antagonista.

La música que adapto Leonard Rosenman es brillante, sobresaliendo la Sarabande como pieza clave de la trama y que trasciende a uno de los mejores soundtracks de la historia.

La fotografía de John Alcott es una de las mejores que he visto, con magnificos encuadres, a veces planos, a veces en movimiento, a veces con Zoom, pero utilizando luz natural, dependiendo de lo que se relate, sobre todo mostrando la tristeza por medio del zoom, cosa que por ejemplo en La Naranja Mecánica utilizó para mostrar la locura de Alex DeLarge. 

Los demás aspectos visuales: Maquillaje, Vestuario, Dirección de Arte, son igualmente magnificos y complementan a la trama como pocas veces se ha visto. 

Un aplauso a Kubrick por regalarnos una más de sus obras maestras. 

Calificación:

Salón México: De cabarets, danzón y crímenes.

Película: Salón México (México, 1948) Director: Emilio "Indio" Fernández Actores: Marga López, Miguel Inclán, Rodolfo Acosta, Silvia Derbez, Roberto Cañedo, Mimi Derba.

Crítica: Emilio Fernández nos muestra en esta cinta una visión de los barrios más candentes de la Ciudad de México a través de una historia de contrastes, amor y odio.
Mercedes (Marga López) es una cabaretera que trabaja en el Salón México bailando danzón con los clientes y acompañándolos; todo esto para mantener los estudios de su hermana menor (Silvia Derbez). Ante este sacrificio el policía Lupe (Miguel Inclán) se auto designa como su guardián, pues ella peligra de Paco (Rodolfo Acosta), un hombre que sólo busca meterla en problemas y hacerla suya.
Escrita por Mauricio Magdaleno y Emilio Fernández, el último dirige una película intensa y trágica, algo rebelde por su contenido para la época en la que una prostituta (cabaretera o como quieran llamarle) nos enseña una gran lección que es el sacrificio, a través de su historia se entrelaza una crítica político-social y un fiel relato de la vida nocturna del México de mediados de los 40's donde el danzón era un baile prohibidísimo y maltratado por su asociación con el vicio y la prostitución. Probablemente en el aspecto narrativo le fallan algunas situaciones y diálogos que se tornan poco creíbles en ratos. En aspecto técnico creo que se hace un gran monumento al talento del mexicano, aunque este creo que este se explotó un poco de más en la historia.

Las actuaciones son más que excelentes, creo que el reparto hace un muy buen papel: Marga López se deja maltratar enserio y nos logra atrapar y empatizar en su personaje, todo lo contrario de Rodolfo Acosta, cuyo personaje infunde odio total, y el que en lo particular me sorprendió fue Miguel Inclán sin bigote y en un personaje bueno, y aclara más que es uno de los mejores interpretes de la época de oro del cine mexicano.
La fotografía de Gabriel Figueroa como siempre genial, en esta ocasión se destaca un muy buen trabajo de los espacios de los planos y en las luces y sombras al ser la mayoría de las escenas en horario nocturno.
La música de Antonio Díaz Conde es más que brillante, las piezas tienen el mismo calibre que la de Max Steiner en Lo que el Viento se llevó y ese es el problema, que la historia no necesita de tanta parafernalia musical, siendo un error pero a la vez un excelente trabajo que se hubiese escuchado mejor en títulos más épicos del cine mexicano.
En síntesis es una película importante del Indio aunque peca un poco de exageración, vale la pena verse y recordar los viejos pasos de baile en el cine mexicano.

Calificación:

Dos Tipos de Cuidado: Dos mitos en enredos.

Película: Dos Tipos de Cuidado (México, 1953)
Director: Ismael Rodríguez
Actores: Jorge Negrete, Pedro Infante, Carmelita González, Yolanda Varela, Carlos Orellana.

Crítica: Esta película legendaria de la cinematografía nacional es poseedora de varias de las escenas más recordadas por los mexicanos y es antológica por la participación de los dos grandes charros: Jorge Negrete y Pedro Infante.
Jorge Bueno (Jorge Negrete) y Pedro Malo (Pedro Infante) son dos buenos amigos que andan tras de Rosario (Carmelita González) y Maria (Yolanda Varela) respectivamente. Por azares del destino Pedro termina casándose con Rosario y teniendo un bebe con ella aunque siga amando a María que es hermana de Jorge, provocando que al Jorge enterarse de esto explote de ira y resentimiento hacia su ahora enemigo por quitarle a su amada.
Esta es la mejor película de la faceta de comedia de Ismael Rodríguez, en el que además de contar por vez única la presencia de Negrete e Infante en una película juntos, ésta película tiene un muy buen guión de Rodríguez y Carlos Orellana en el que los enredos románticos son muy divertidos y concretados de una manera más que excelente. La película es un gran referente de la cultura mexicana pues en ella se manifiestan varios patrimonios del país como son la música de mariachi, la gastronomía y las fiestas, sin dejar de lado que representa fielmente la personalidad machista del mexicano de dicha época. El filme cuenta con varias escenas antológicas que han sido cientos de veces parodiadas como el duelo de coplas entre Negrete e 

Infante, escena reconocida por todo el mundo.

Las actuaciones no dejan indiferentes a nadie, se nota una muy buena química en los 4 histriones protagónicos (Negrete, Infante, González y Varela) cuyos papeles se complementan de muy buena manera, aumentando las dosis de humor; en definitiva, no imagino esta película con otro reparto. Igualmente es de destacar la participación secundaria de José Elías Moreno.
La fotografía de Nacho Torres es muy buena, realiza efectivos travelings y tomas con grúa, aunque peca un poco en los close-ups.
La música de Manuel Esperón, tanto en piezas orquestadas como canciones están muy bien realizadas, la música orquestada aprovecha muy bien las situaciones para exaltarlas, y las letras de las canciones son más que estupendas y graciosas, como Que hubo cuando, interpretada por Negrete, siendo este el mejor trabajo técnico de la cinta.
Una película con la que se pasará un rato agradable y en la que se hallará una importante huella del México de los 50's.

Calificación:

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte Parte 1: Dividirla en dos partes fue buena elección.

Película: Harry Potter y las Reliquias de la Muerte Parte 1 (HP and the Deathley Hallows Part 1, EUA-Reino Unido, 2010) 

Director: David Yates.
Actores: Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Michael Gambon, Ralph Fiennes, Alan Rickman, Helena Bonham Carter.

Crítica: A quienes tenían dudas si el hecho de dividir el último libro de la saga fue la decisión correcta les respondo que lo fue pues además de hacer más fiel la obra se logró dar un buen inicio al cierre.
Harry (Daniel Radcliffe), Ron (Rupert Grint) y Hermione (Emma Watson) tienen que continuar solos su misión de destruir los horrocruxes para así poder derrotar finalmente a Lord Voldemort. Esto ocasionará más
riesgos para los tres, quienes están sumidos en un mundo donde nadie puede confiar en nadie.

Me parece que en este filme al igual que en El Prisionero de Azkaban logra captar la esencia del mundo mágico del libro sin dejar de lado el cambio en la personalidad de los personajes, y en esta película el
dramatismo, el misterio y la acción se conjuraron de una excelente manera (tomemos como ejemplo el comienzo, la persecución en el bosque y SPOILER la muerte de Dobby FIN DE SPOILER), todo esto con el guión de Steve Kloves y la dirección de David Yates quién en la sexta parte logró entender el mundo potteriano que no plasmó en La Orden del Fénix (la más inferior de toda la saga). Este filme ha recibido varias  críticas y hay quienes alegan que es muy lenta, a lo cual yo digo que para nada, la emoción en el filme esta a todo lo que da, probablemente tenga mayor tiempo para situaciones dramáticas que en otros filmes por
ser la mitad de un libro, igualmente dicen que tiene un tono muy pesimista y agresivo para los niños, y yo respondo que esta película ni el libro son para publico infantil y en el libro se muestra igualmente
un mundo desesperado e introducido en el fascismo mágico (hay varios guiños a películas bélicas de antaño) en el que lógicamente lo que menos hay son cosas bonitas, y más que en otros filmes y libros en este
se pone un mayor riesgo en la amistad de los protagonistas.

Las actuaciones no decepcionan en lo absoluto, qué decir de un elenco de primer nivel que ha mantenido la saga y que en esta ocasión integra entre otros a Billy Nighy y a Rhys Ifans, de quien llevó muy bien su personaje aunque se le pudo haber explotado un poco más; igualmente me dió mucho gusto ver de nuevo a John Hurt desde La Piedra Filosofal.
La fotografía de Eduardo Serra supera al nivel de los demás cinefotografos que también han hecho un gran trabajo en la saga; en esta ocasión le da un aire más indie por tomas que aumentan el nivel dramático de las acciones, aunque claro, las escenas de acción son espectacularmente filmadas como la persecución del bosque y el trabajo de fotografía es muy bien compensado con la edición de Mark Day y los efectos (que sí pudieron mejorar un poco, sobre todo en Dobby) dan un resultado visual estupendo.
La música de Alexandre Desplat es junto con el soundtrack de la tercera parte, la mejor banda sonora, en la que el maestro de la música de cine aumentó el valor dramático y de misterio de la obra, y con piezas más que atrapantes.
Es una buena señal que el final será más que épico, la mejor película de la saga desde El Prisionero de Azkaban y ahora sí, a esperar a julio.

Calificación:

Noticias de la semana (31-7 noviembre 2010)

Francis Ford Coppola tiene un nuevo proyecto.

El maestro del cine Francis Ford Coppola (Saga de El Padrino, Apocalypse Now, Bram Stoker's Dracula), tras un buen recibimiento de la película Tetro (la cual se presentará en la 52 Muestra Internacional de Cine para los interesados en verla en México) vuelve de lleno al terreno estadounidense con Twixt Now and Sunrise, película inspirada en una pesadilla que tuvo el director el año pasado, grabo en su celular todo lo que había visto y lo decidió transformar a la pantalla por el tono gótico que presenta un estilo como el de Edgar Allan Poe. El reparto ya ha sido seleccionado y el protagonista de la pesadilla será Val Kilmer, quien parece querer tener un regreso fuerte en la pantalla. La película costará solamente 7 millones de dolares.

Reestrenan Volver al Futuro.

La saga de aventuras y ciencia ficción con la que muchos crecimos (me incluyo yo mismo gracias al Canal 5) Volver al Futuro (Back to the Future) de Robert Zemeckis ha cumplido 25 años del estreno de su primer filme y como tal estreno este filme será reestrenado en algunas salas de nuestro país y del mundo, en donde el negativo fue restaurado en audio y video de alta definición para tener mejor disfrute de aquel clásico de los 80's.

Oficial: MGM declara bancarrota.

La productora mítica Metro Goldwin Mayer anunció que se declaró en bancarrota tras una deuda de cuatro mil millones de dólares que no puede pagar. Con esta acción se da un control a los acreedores e inversionistas sobre la empresa, donde Lionsgate y Spyglass serán las productoras que trabajaran con MGM en la producción de sus nuevas películas como es el caso de El Hobbit.

Leonardo DiCaprio será un psicópata

El actor Leonardo DiCaprio encarnará a un psicópata asesino en serie en el filme The devil in the White City basado en la novela del mismo nombre de Erik Larson. La película abordará la historia del asesino H. H. Holmes, un doctor que seducía a mujeres ricas y las mataba. Actualmente solo se conoce que DiCaprio producirá y actuará pero del director y los guionistas aún nada. El filme podrá llegar en 2013.

James Nesbitt entra a la Tierra Media.

El actor particularmente de comedias y nominado a un globo de oro James Nesbitt es un actor más de El Hobbit. Interpretará al al enano Bofur. La actriz Cate Blanchet parece que volverá a interpretar a la elfo Galadriel.

Festivales: Roma 2010

En su quinta edición el Festival Internacional de Cine de Roma ha tenido una muy considerable evolución en ese corto tiempo y este año del 28 de octubre al 5 de noviembre logró acaparar la vista de muchos por su calidad y mucha presencia internacional. La inauguración fue con Last Night de Massy Tadjedin protagonizada por Keira Knightley, Sam Worthington y Eva Mendes y entre otros eventos se presentó The Social Network de David Fincher donde el actor protagonista Jesse Esenberg reveló que no tiene cuenta de Facebook, la cinta hindú Mi Nombre es Kahn que ha cautivado a muchos, Rabbit Hole de John Cameron Mitchel, protagonizada por Nicole Kidman y Aaron Eckhart, Hævnen, In a Better World de Sussane Bier, Marion Cotillard fue aplaudida por su actuación en Les Petits Mouchoirs de Guillaume Canet pero no tanto como el cuarteto actoral (Úrsula Pruneda, Ofelia Median, Ana Ofelia Murguía y Miriam Balderas) del filme mexicano Las Buenas Hierbas que al final recibió su premio, Bruce Springsteen presentó el documental The Promise: The Making Of Darkness on the Edge of Town sobre el proceso de ese disco y no nos olvidemos del cine italiano donde destacó el filme Una Vita Tranquilla, hubo tributos a Akira Kurosawa, al actor italiano Ugo Tognazzi, Satoshi Kon y a Susso Cecchi D'Amico y probablemente el evento más significativo fue ver 50 años desde su estreno una copia recien remasterizada de La Dolce Vita en donde entre otros Martin Scorsese hizo acto de presencia como padrino de la restauración de la gran cinta de Fellini.

Los premios de esta edición a los que hay que poner atención son los siguientes:

- MARCO AURELIO A LA MEJOR PELÍCULA: Kill Me Please (Olias Barco, Francia-Bélgica)
- GRAN PREMIO DEL JURADO: Hævnen, In a Better World (Sussane Bier, Dinamarca-Suecia)
- PREMIO ESPECIAL: Poll (Chris Kraus, Alemania-Austria-Estonia)
- PREMIO DEL PÚBLICO: Hævnen, In a Better World (Sussane Bier, Dinamarca-Suecia)
- MARCO AURELIO AL MEJOR ACTOR: Toni Servillo, Una Vita Tranquilla (Claudio Cupellini, Italia-Francia-Alemania)
- MARCO AURELIO A LA MEJOR ACTRIZ: Úrsula Pruneda, Ofelia Median, Ana Ofelia Murguía y Miriam Balderas por Las Buenas Hierbas (Maria Novaro, México)
- MEJOR DOCUMENTAL: De Rogenmakers (Floris-Jan van Luyn, Paises Bajos)
- PREMIO ALICIA EN LAS CIUDADES: I Want to be a Soldier (Christian Molina, España-Italia)

Kill me please.

¡Que Viva México!: Un país convertido en obra de arte.

Película: ¡Que Viva México! (Да здравствует Мексика!, URSS-México-EUA, 1930-1932)
Director: Sergei M. Eisenstein.

Crítica: Este filme es sin lugar a dudas una Obra de Arte en toda la extensión de la palabra en la que es fielmente representada la cultura mexicana a los ojos de Eisenstein.

El filme que mezcla escenas documentales y de ficción se encarga de mostrar algunas de las tradiciones mexicanas en ese tiempo.

Primero nos encontramos con un prólogo en el que se muestra lo relacionado al México Prehispánico, sus pirámides, esculturas y arte. Esta parte, rodada en su mayoría con planos fijos donde la simetría y la asociación de las estructuras antiguas con los mexicanos son increíbles, desde ese momento el filme comienza a atraparte.

Después le sigue el primer episodio titulado Sandunga en el cual se recrean los pasos para realizar una boda en la comunidad indígena de Tehuantepec, Oaxaca. La secuencia es impresionante donde destacaría las transiciones de algunas escenas (Spoiler: El collar que decidirá el momento en que la mujer se casará hace una transición con un hombre en una hamaca en la misma forma que el collar).

El siguiente capítulo, nombrado Fiesta sigue las diferentes celebraciones a la Virgen de Guadalupe, en donde se hace una reflexión de la conquista, la perdida de las creencias prehispánicas masacradas por el catolicismo y donde las imágenes de los sacerdotes se tornan tenebrosas por la forma en que están filmados, mostrando más a demonios que a ministros de la iglesia. Igualmente en este capítulo se muestra el proceso que lleva una corrida de toros en México, en donde las secuencias están tan bien filmadas que logran sentir la emoción de la tauromaquia y las tomas desde el punto de vista del toro son igualmente sorprendentes.

Le sigue el episodio más emocionante y sorprendente titulado Maguey en el que se representa un episodio del porfiriato dentro de las haciendas, donde se muestran los abusos de los hacendados con sus peones (más bien esclavos). Esta parte deja anonadado a cualquiera por la crueldad con que es representado este episodio filmado impecablemente y donde la escena final es memorable (bueno, un poco más que lo memorable que es este filme).

Tras él le sigue Soldadera, que no logró ser filmado (más adelante explicaremos las causas) pero fue realizado por medio de fotografías de la Revolución Mexicana donde se analiza la posición de la mujer en la revolución, llamadas Soldadera o Adelita, aquellas mujeres que sostenian el rifle y a su bebe en la espalda, y al final del filme hace un llamado a la sociedad mexicana de lo más hermoso que hace que vibre tu cuerpo.

El epilogo es igualmente llamativo en el que se representa el Día de Muertos, tradición meramente mexicana, en donde varios de los personajes anteriores aparecen tras mascaras de calaveras y algunos que tienen máscaras resultan ser esqueletos. Imágenes bellas e impactantes.

Sergei Eisenstein

En lo general Eisenstein y su equipo tradicional, el guionista Grigori Aleksandrov (quien se encargó de realizar el episodio de Soldadera) y el cinefotógrafo Eduard Tisse hacen un trabajo magnífico, lograr transmitir la real esencia de México por medio de escenas tan bien planeadas y tomas colocadas precisamente que se enchina la piel al ver el resultado final el cual heredó mucho al cine mexicano en lo técnico pues Gabriel Figueroa realizó su primer trabajo de operador de cámra en esta película. Lo lamentable es el proceso que aconteció con este filme: La película era producida originalmente por el estadounidense Upton Sinclair, pero sin terminar el rodaje y acabando el rodaje surgieron problemas entre Sinclair y Eisenstein, siendo el primero quien detuvo la filmación e hizo que Stalin ordenara el regreso de Eisenstein y su equipo a la URSS. En 1979 Aleksandrov y Mosfilm (la mayor productora soviética) recuperaron las cintas y la montaron de acuerdo al guión de Eisenstein e insertando imágenes de la revolución para el segmento Soldadera que no logró ser filmado y que hubiese sido increiblemente realizado a la visión de los rusos. Es de notar que los pintores Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros ayudaron en la filmación y el scouting.

Proyección de la película en Guanajuato.

La película auditivamente está narrada por Sergei Bondarchuk y con música de piezas tradicionales mexicanas; pero actualmente se ha realizado la musicalización en vivo de la película, silenciando la partitura original.

La musicalización en vivo le da un tono más experimental a la cinta dando un resultado más que interesante, en la proyección que un servidor vió en Guanajuato la música está compuesta por Ernesto Martínez, un trabajo extraordinario y emocionante.

Es una película que todo mexicano debe ver y por supuesto todo cinéfilo. Los no mexicanos posiblemente les guste más el filme que a los mexicanos. Con este filme puedo decir: ¡Que Viva México! ¡Que Viva el Cine!

Calificación:

Él: Extraña pasión.

Película: Él (México, 1953)
Director: Luis Buñuel.
Actores: Arturo de Córdova, Delia Garcés, Luis Beristáin, Carlos Martínez Baena, Manuel Dondé, Aurora Walker

Crítica: Luis Buñuel abarca la locura del surrealismo en todos los sentidos en esta magnífica obra de su etapa mexicana.
Francisco Galván de Montemayor (Arturo de Cordova) es una persona muy rica y caritativa con la iglesia, no por nada es considerado entre los feligreses una persona a seguir. Pero durante el jueves santo en el lavatorio de pies Francisco se enamora de Gloria y pronto se casa con ella. Gloria se dará cuenta que lo que es en realidad Francisco es muy distinto de lo que aparenta en la sociedad.
El filme en el que según sus palabras, más puso de él, Buñuel, con un guión suyo y de Luis Alcoriza basado en la novela homónima de Mercedes Pinto y filmado en la Ciudad de México y Guanajuato; recrea de forma muy llamativa la locura de un hombre: las máscaras que presenta en la sociedad (sobre todo en la burguesa) y las obsesiones descontroladas (en el caso de Francisco son los celos), todo esto alrededor de un análisis de la cultura machista mexicana más acentuada que nunca en este filme que de inicio a fin absorbe al espectador con escenas y diálogos más que llamativos. Buñuel no se olvida de contener en esta gran película una crítica a la iglesia en esta ocasión a los ojos de alta clase social y como es de ley en Buñuel escenas surrealistas como la de el final que es terroríficamente espectacular, pero el surrealismo se encuentra intrínseco en su protagonista e igualmente por el diseño de producción art nouveau de Edward Fitzgerald y Pablo Galván que acentúan el estado mental del personaje. Es de notar que Alfred Hitchcock adoró esta película que fue su referente cinematográfico principal para Vértigo, película que comparte escenas similares a algunas del filme.

Las actuaciones son excelentes, sobre todo Arturo de Cordova, Luis Beristaín y Martínez Baena que se encuentran en las mejores interpretaciones de su carrera. Cordova logra causar un odio profundo de los espectadores hacia él. Delia Garcés sobreactuó algo por lo que disminuye algo de credibilidad en su personaje, siendo este el problemita del filme.

La fotografía de Gabriel Figueroa como siempre perfecta y esta vez destacaríamos los travelings en los espacios cerrados y los buenísimos encuadres dentro de la casa de Francisco que junto con los decorados dan una sensación visual más que interesante. Además Figueroa y Buñuel capturan con imagen la esencia de Guanajuato (el Distrito Federal ya lo había hecho muchas veces) en las pocas tomas que se realizaron.
La música de Luis Hernández Bretón no es muy destacable, pero le da muy correctamente aires de suspenso a la obra.
Es una cinta obligada para el cinéfilo, una de las obras maestras de este gran artista español.

Calificación:

Noticias de las Semanas (9-30 octubre)

Revelan título de Batman 3

Al fín dan noticias oficiales acerca de la secuela de The Dark Knight, la primera y más importante es que Christopher Nolan anunció el 27 de este mes el título oficial del nuevo filme: The Dark Knight Rises (en español se puede traducir como El Caballero Oscuro se levanta por lo que creo que en español tendrá un título más rebuscado). Nolan igualmente reveló que el próximo villano de la película no será The Riddler aunque no dijo quién será, también mencionó que la cinta no estará en 3D, un alivio para los fans que esperamos calidad y no espectáculo injustificado. Otra noticia es que parece ser que el actor Tom Hardy, quien actuó bajo el mando de Nolan en El Origen se integrará al reparto del filme. La película esta planeada a estrenarse en verano de 2012.

El Hobbit tiene buenas nuevas.

Tras una serie de conflictos con los sindicatos de actores neozelandeses y el posible cambio de locaciones a Inglaterra terminó en un acuerdo entre las productoras de la película y el sindicato e incentivos fiscales por parte del gobierno neozelandes para que se filme en el país la película, Warner Bros y MGM  anunciaron que en febrero de 2011 El Hobbit iniciará el rodaje y eso no es todo, ya se anunció a parte del reparto: Martin Freeman es confirmado como Bilbo Bolsón, Richard Armitage hará el papel de "Thorin Oakenshield", el líder de la Compañía de Enanos, otros actores que forman el reparto simdb.eson Aidan Turner, Graham McTavish, John Callen, Stephen Hunter, Mark Hadlow y Peter Hambleton; de McKellen y Serkis se sigue rumoreando. El Hobbit: Parte I se estrenará en diciembre de 2012 si dios quiere.

Cambios en Gravity

Gravity de Alfonso Cuarón sigue dando de que hablar entre tanto cambio de reparto pues parece ser que en lugar de Natalie Portman (quien está en pláticas de actuar en la precuela de Alien) para el protagonismo del filme, Sandra Bullock fué la elegida para interpretar dicho papel.  Robert Downey Jr. informó que no participará en la película por problemas de agenda laboral, puesto que el rodaje de Sherlock Holmes 2 y Gravity congenian las mismas fechas. Lamentable para Cuarón.

Restauran Los Olvidados y La Dolce Vita

La película Los Olvidados de Luis Buñuel, ante el 60 aniversario de vida de aquel filme tendrá una justa y necesaria restauración de imagen y sonido y será presentada durante la 52a Muestra Internacional de Cine de la Cineteca (verifica si en tu cineclub contará con la Muestra para que asistas a ella y otras funciones como Anticristo, Tetro, entre otras). Por otra parte, por el 50 aniversario de La Dolce Vita igualmente se realizará ua resaturación del grandioso filme de Fellini planeando estrenar ese negativo en el Festival de Cine de Roma y fue financiado entre otros por Martin Scorsese.

Harán remake de Celda 211.

El exclente filme de Daniel Monzón Celda 211 considerado como una de las películas más importantes de España en los últimos años está en riesgo de un remake estadounidense que está en puerta y será dirigido por Paul Haggis (Crash), el título obviamente se llamará Cell 211. Una pena.



Maria Candelaria: Introspección al indigenismo.

Maria Candelaria (Xochimilco) (México, 1943)
Director: Emilio "Indio" Fernández.
Actores: Dolores del Rio, Pedro Armendariz, Alberto Galán, Miguel Inclán, Margarita Cortés, Rafael Icardo.

Crítica: Clásico inmortal del Cine Mexicano, ganador del Gran Premio de Cannes, película indispensable para todo buen cinéfilo.

Xochimilco, Ciudad de México, gran centro comercial y turístico lleno de tradiciones fue testigo de una tragedia de amor en 1909 entre dos indígenas: María Candelaria (Dolores del Río) y Lorenzo Rafael (Pedro Armendariz), quienes se amaban como pocos pero el destino y sus pasados (María Candelaria era hija de una prostituta por lo que la sociedad de aquel poblado no la integraba) jugarán sucio en su futuro.

Este filme que Emilio "Indio" Fernández literalmente regaló a Dolores del Río como regalo de cumpleaños y por lo que sufrió en su proyecto anterior juntos Flor Silvestre, es igualmente un gran regalo para México y el mundo. Una película con una historia muy bella y a la vez terrible escrita por El Indio y Mauricio Magdaleno en la que se hace un retrato de la sociedad indígena y la mexicana prerevolucionaria donde los estereotipos en esa sociedad predominaban de una manera terrible y en cierta forma es una denuncia a esa forma de ser de muchos mexicanos que al menor chisme se arma un caos, en el caso de la pobre María Candelaria, algo que ella no quería (que su madre fuera prostituta) fue el desencadenante de alejarla de la sociedad. La cinta nos regala escenas memorables estupendamente bien realizadas que realmente es toda la película.

Las actuaciones estelares son creíbles y espectaculares en la forma en que caracterizaron su papel, hablando sobre todo de Dolores del Rio que encarna la belleza de las raíces mexicanas, Pedro Armendariz el enamorado que lucha por todo, Alberto Galán cuya obra es el detonante de las tragedias y Miguel Inclán como el charro macho y desalmado de los tiempos de Porfirio; dichas actuaciones son memorables en el cine mexicano. Algunas de las actrices que interpretaban a indígenas se les nota un poco de sobreactuación y en su forma exagerada de hablar pierden credibilidad, siendo este el defecto que encuentro en la película.

La fotografía de Gabriel Figueroa como siempre impecable y siempre luciendo los paisajes del México amado, en esta ocasión el bellisimo Xochimilco que es muy bien trasladado a la época porfiriana con los decorados de Jorge Fernández dando visualmente un resultado perfecto a este filme.

La música de Francisco Domínguez y Rodolfo Halffter muy bella y adecuada al melodramismo mostrado en la cinta.

Podría considerarse a María Candelaria como Lo que el viento se llevó de México, o probablemente mejor por ser un desgarrador drama de amor y una producción épica del cine nacional. Debe verse.

Calificación:

Revolución: Revisión histórica cinematográfica.

Película: Revolución (México, 2010)
Directores: Fernando Eimbcke, Patricia Riggen, Gael García Bernal, Amat Escalante, Carlos Reygadas, Mariana Chenillo, Gerardo Naranjo, Rodrigo Plá, Diego Luna, Rodrigo García.

Crítica: Este filme omnibus (dicese de una película compuesta de varios cortometrajes dirigidos por varios directores con un mismo objetivo) es en cierta manera una forma de celebrar y a la vez analizar cómo nos encontramos ahora y si realmente la Revolución Mexicana nos ha traido algo realmente bueno, de cuál es la identidad del mexicano e incluye mucha crítica socio-política. Es un muy buen conjunto de historias las cuales presentan algo de contraste pero el estilo de cada uno de los directores que realizaron los diez cortometrajes está compuesta la película. Me pareció interesante que cada cortometraje sigue una unión física o simbólica como un rompecabezas al final; aunque según palabras de los directores fue una grata coincidencia. Analicemos pues brevemente cada uno de los cortometrajes de esta muy buen película:

La Bienvenida (Fernando Eimbcke): La "orquesta" de un pueblito se está preparando para recibir la visita de alguien especial, y uno de los integrantes debe esforzarse para que su actuación sea magnífica. Eimbcke (Temporada de Patos, Lake Tahoe) como en su filmografía hace un interesante uso del blanco y negro para darle mayor énfasis al humor negro mostrado en el celuloide. Es un corto que habla de la perseverancia que debería tener el país y no quedarse en el conformismo como muchos otros.

Lindo y Querido (Patricia Riggen): En los Estados Unidos el padre de Elisa murió, su última voluntad fue que lo enterracen en México, su tierra; pero Elisa no quiere principalmente por los problemas legales y económicos que implica repatriar a un muerto. Es el cortometraje más comercial del filme y al igual que en La Misma Luna, Riggen retrata los problemas fronterizos en una historia de amor y esta vez acentúa el arraigo del mexicano por su tierra, dando un bonito y divertido cortometraje donde la actuación de Adriana Barraza causará carcajadas.

Lucio (Gael García Bernal): Lucio está a unos días de ser el abanderado de la escolta escolar; en el fin de semana recibirá la visita de un primo que le hará reflexionar sobre el real significado de la religión y su país. Este filme me recordó algo a Y tu mamá también, por la reflexión del adolescente buscando su identidad; este adolescente podría ser el mexicano actual quien se enfrenta a una época donde la real identidad pende de un hilo. Destacaría la actuación de los niños que realizan un buen papel.

El Cura Nicolás Colgado (Amat Escalante): Un niño y una niña viajan en burro por el campo, cuando encuentran a un sacerdote colgado a un arbol. El sacerdote pone en duda su oficio religioso y llevará a los niños a otro mundo. Me parece que en este filme habla del acercamiento de México al consumismo dejando de lado las tradiciones que nos han rodeado por años, aunque estas sean malas. Filmada en Guanajuato en Blanco y Negro es la película más extraña del filme, y las actuaciones de la pareja infantil son estupendas.

Este es mi Reino (Carlos Reygadas): A una fiesta en un ranchito acuden mexicanos y algunos extranjeros de todos los estratos sociales, edades y psicologías. Cuando los niños comienzan a brincar y maltratar un auto viejo, cierto caos domina a los demás invitados. En tono de documental y filmado en Cámaras HD, este corto es mi favorito de todos, pues se da una representación muy interesante de la unión de una sociedad separada por los distintos estereotipos y un ejemplo peculiar de cómo sucedió la revolución.

La Tienda de Raya (Mariana Chenillo): En un supermercado, el encargado de calidad en la tienda se enamora de la locutora de ofertas de la tienda por lo que la invita a una fiesta. La mujer tiene un problema y para solucionarlo necesita dinero con lo que pide a su jefa que los vales de despensa se los cambie por dinero. Probablemente es el que da una denuncia más pronunciada en cuanto a las injusticias laborales, en las que se sigue siendo como trabajadores de haciendas.

R-100 (Gerardo Naranjo): Dos hombres sumamente heridos parecen escapar de algo. El más sano busca que alguien les de un aventón, pero su facha lo impide, por lo que deberá tomar la decisión más arriesgada pero factible. En este corto de Naranjo al igual que en su filmografía se analiza de un punto filial a la violencia y se hace una reflexión sobre los límites a los que se llega por satisfacer algo. Es el trabajo que tiene mejor fotografía de todos junto al de Rodrigo García y tiene unos interesantes guiños políticos.

30/30 (Rodrigo Plá): El mismísimo nieto de Francisco Villa es invitado a un evento por el alcalde de aquel municipio con la esperanza que dirá unas palabras, pero parece que los objetivos con el pobre Pancho eran otros. Desde el principio del cortometraje se muestra una buena representación de lo desinteresado que está el gobierno por el real valor de estas fechas y sólo lo toman como una campaña publicitaria. La crítica social mostrada en los filmes de Plá está presente aquí aunque más light por los resultados muy poco violentos en comparacion con La Zona o Desierto Adentro.

Pacífico (Diego Luna): Un hombre viaja tras pelearse con su esposa a una playa donde tiene un terreno de un gran valor simbólico para poderlo utilizar, pero al parecer le jugaron sucio en el asunto por lo que solo debera resolver el problema. Al trabajar se dará cuenta de lo que debe valorar más que su tierra. Con cierto mensaje de lo desmoralizante del capitalismo Diego Luna conmueve a los espectadores, yo creo que pudo dar un poco más pero en lo general es un buen trabajo.

La 7th y Alvarado (Rodrigo García): Los Angeles, California, año 2010, la ciudad está rodeada de una diversidad cultural impresionante y tras ella la resguardan los fantasmas de aquellos caudillos que hace casi 100 años lucharon en aquellas tierras. Filmada en su totalidad en cámara lenta, la música y las imágenes dan un aspecto visual impactante aunque un poco exagerado, quizá le faltó algo de ritmo pues algunos podrían fastidiarse del corto que hace una interesante reflexión de la permanencia del mexicano en una de sus anteriores tierras: California (y gran parte de EUA) y que parece estar volviéndose a poblar de su antigua sangre.

Calificación: