El Chico: El Lado Paternal de Chaplin.

Película: El Chico (The Kid, EUA, 1921)

Director: Charles Chaplin
Actores: Charles Chaplin, Edna Purviance, Jack Coogan, Tom Wilson, Carl Miller.

Crítica: Esta película es enternecedora desde el principio hasta el final.
Una mujer (Edna Purviance) se ve obligada a dejar abandonado a su hijo, quien es encontrado por un vagabundo Charlot (Charles Chaplin), quien se ve obligado a adoptarlo. Cinco años después Charlot y John (Jack Coogan como El chico) conviven amorosamente como padre e hijo, y ambos buscarán la sobrevivencia, a pesar de la precaria situación del padre. La mujer se ha convertido en una exitosa actriz pero el remordimiento ha provocado que ella busque a su hijo perdida.
En El Chico, el primer largometraje dirigido por Charles Chaplin, este lograría realizar su primer Obra Maestra, pues en esta logra contar una gran historia escrita por él que mezcla perfectamente el drama y la comedia (como lo había hecho anteriormente en Vida de Perro y otras más) hasta un punto meramente enternecedor y donde se plantea además de la demanda clásica social de Chaplin, cómo debería ser el paternalismo: un amor incondicional con la búsqueda del bien mayor posible para los hijos y además que el hijo sienta empatía por el padre. La cinta logra un muy buen ritmo sin aburrir y donde se hace también un muy buen uso de los recursos técnicos (hasta tiene buenos efectos visuales).

Las actuaciones son de primera calidad: Chaplin como siempre nos regala una sonrisa con su interpretación, en esta ocasión tal vez una que otra lágrima pero siempre su caracterización es increíble; Edna Purviance logra que comprendemos a su papel a pesar de los varios matices que posee; Jack Coogan a su corta edad logra una creíble interpretación donde nos muestra claramente cómo sería un hijo de Charlot.
La música como es comúnmente compuesta por Chaplin, es favorecedora a que se logre una simbiosis entre lo dramático y lo cómico, una muy buena banda sonora.
La dirección de fotografía de Roland Totheroh muestra un mayor profesionalismo que en trabajos anteriores de Chaplin, dando más movilidad y usando ángulos correctos según la ocasión.
La recomiendo completamente y es excelente ver el talento de Chaplin materializado magistralmente en su primer trabajo de largometraje delante y detrás de la cámara.

Calificación:

Noticias de la Semana (16-30 mayo 2010)

DENNIS HOOPER HA MUERTO.

Este sábado 29 una noticia trágica sacudió al mundo del cine con la muerte del gran actor Dennis Hooper, quien como la gran mayoría, no pudo vencer la batalla contra el cáncer (en este caso de próstata) a los 74 años de edad. La trayectoria de este egresado del Actor’s Studio fue muy significativa y entre ella podemos encontrar sus apariciones en Rebelde sin Causa, Easy Rider, Apocalypse Now y Terciopelo Azul. Que descanse en paz.

James McAvoy como Charles Xavier

El actor escocés James McAvoy ha sido contratado para interpretar a Charles Xavier en X-Men: First Class, cinta que al parecer narrará la vida del profesor en su juventud junto a Magneto. La película será dirigida por Matthew Vaughn (Kick Ass, Stardust) y esta planeada para estrenarse en verano de 2011.

Megan Fox sale de Transformers 3

Para la próxima producción de Transformers, dirigida de nuevo por Michael Bay; la actriz Megan Fox no será participe, pues según Paramount fueron cambios para la tercera entrega, aunque la mayoría de los rumores apuntan a un conflicto entre la actriz y el director. Actualmente se encuentran buscando su sustitución.

Guillermo del Toro dice que El Hobbit está en un punto muerto.

En una conferencia de prensa, donde presentó su última producción (Splice), Guillermo del Toro, respondiendo a las preguntas que se le formulaban, ha confirmado todos los rumores de que la producción de El Hobbit está actualmente en un punto muerto. Dijo que la producción se ha visto atrapada por la situación, y que ni siquiera tiene fecha de inicio, no hasta que la Metro-Goldwyn Meyer solvente los problemas económicos que arrastra, sugirió como posible solución que MGM compartiera o vendiese los derechos, pero se mostró bastante seguro de que El Hobbit saldrá adelante sea cual sea la decisión que se tome. “Tenemos a todas las criaturas diseñadas. Hemos diseñado todos los sets, realizado animáticas y planeado secuencias de batallas… Estamos muy, muy preparados para cuando nos den el pistoletazo de salida.” El Hobbit I y II esta previsto para estrenarse en invierno de 2012 y 2013 respectivamente, y existen pláticas para realizarse en 3D.

A la hora señalada: Retratos de cobardía.

Película: A la hora señalada (En España Sólo ante el Peligro, en inglés High Noon, EUA, 1952)

Director: Fred Zinnemann
Actores: Gary Cooper, Grace Kelly, Lloyd Bridges, Katy Jurado, Thomas Mitchell, Otto Kruger, Ian MacDonald.

Crítica: No estoy muy seguro, pero creo que los western no son lo mío, pues nunca he encontrado un punto narrativo que va más allá de las imágenes y esta cinta no es la excepción.

Will Kane (Gary Cooper), el sheriff de un pueblito del oeste se acaba de casar con la bella Amy (Grace Kelly), pero justo ese día, Frank Miller (Ian MacDonald), un bandido que el apresó años atrás ha vuelto y al parecer por venganza. Kane buscará gente que lo ayude, pero al parecer el miedo es tan grande en ellos que nadie quiere ayudarle.

La película es excelentemente bien realizada por Fred Zinnemann, posee un buen ritmo, un cast espectacular y es considerada para muchos como un clásico del cine western y probablemente lo sea, pero como adelanté al principio de la crítica no encuentro en la mayoría del western algo que deje al espectador en el futuro más que unas buenas escenas de acción y en esta mostrar lo que hace la desconfianza, pero no plantea nada más, el problema tal vez radique en el guión de Carl Foreman basado en una historia corta de una revista de John W. Cunningham.

Las actuaciones están bien hechas, Gary Cooper realiza muy bien su papel, en su primer papel en cine Grace Kelly nos regala una buena interpretación y su siempre bello rostro, Katy Jurado es la que se luce como el mejor personaje, del que se rescata la cinta con su carácter mostrándola como toda una “Adelita”. El resto del reparto deja satisfecho.

La dirección de fotografía de Floyd Crosby es correcta aunque no representa un adelanto técnico ni un trabajo antológico.

La música de Dimitri Tiomkin como siempre espectacular, con su estilo siempre audible y además la canción que el mismo compuso Do Not Forsake Me, Oh My Darlin nos remite al oeste además de ser muy pegajosa, aunque si la siento demasiado usada. La música es junto con el diseño de producción de Rudolph Sternad lo mejor de la cinta junto con la interpretación de Katy Jurado.

Si la recomiendo como una excelente película de vaqueros, aunque no la consideraría una obra maestra del cine hollywoodense de los 50’s.

Calificación:

Las Alas del Deseo: Crisis angelical.

Película: Las Alas del Deseo (En España El Cielo sobre Berlín, en alemán Der Himmel über Berlin, Alemania Occidental-Francia, 1987)

Director: Wim Wenders.
Actores: Bruno Ganz, Solveig Dommartin, Otto Sander, Peter Falk, Curt Bois.

Crítica: Es una película muy bella con una muy amplia reflexión.
Damiel (Bruno Ganz) es un ángel que se encuentra, al igual que muchos otros, en la tierra para provocar que la gente aprecie la vida y sienta paz, pero Damiel tiene un gran deseo de convertirse en mortal y vivir lo que él ve en ellos, tomando en cuenta que siente algo muy grande por una acróbata de circo (Solveig Dommartin).
Esta cinta es en definitiva una obra maestra en la Wim Wenders, por medio de un impresionante guión con argumentos algo líricos escrito por él, Peter Handke y Richard Reitinger donde se hace una muy interesante propuesta humanística y un análisis a la sociedad alemana (y a la del mundo) la cual se encuentra hundida en el nihilismo y con una fuerte llaga por su pasado (la guerra), mostrando efectivamente a la sociedad de la Guerra Fría y que se identifica claramente si se observan su pasado (la Segunda Guerra Mundial) y el futuro (El mundo dominado por el capitalismo); además de ser efectiva con la historia romántica de la cinta, la cual no es cursi sino una relación totalmente espiritual. Técnicamente Wenders igualmente logra transmitir por medio de la imagen ese Berlín existencialista. La escena en la biblioteca es antológica. Podría ponerle un poquito más de ritmo, pero no es un real defecto.

Las actuaciones son estupendas y se complementan, a pesar de no realizar un ejercicio vocal durante la mayoría de la cinta (la mayoría de los diálogos son voces en off como los pensamientos de los ángeles y los humanos) logran transmitir kinestesicamente la mayoría de los sentimientos de los que se habla en el pensamiento de los personajes. Destacaría a Bruno Ganz, Solveig Dommartin como la acróbata y Peter Falk como un actor de cine.
La dirección de fotografía de Henri Alekan es un trabajo estupendo pues hace un correctísimo uso de la sepia para representar lo que ven los ángeles y el color de lo que ven los humanos, y los movimientos de cámara y tomas de la ciudad logran que Berlín se convierta en un personaje más a través de sus desoladas calles y con un muro de la vergüenza.
La música de Jürgen Knieper igualmente acentúa el aspecto psicológico y fantástico que se quería mostrar en el filme y que con los pensamientos en grupo dan como resultado aspectos un tanto psicodélicos.
Los demás aspectos técnicos están muy bien hechos aunque no tan notables. Como dato curioso esta película ganó en 1987 la Palma de Oro a Mejor Director, está dedicada a Yasujiro Ozu, François Truffaut y Andrei Tarkovski y se le hizo en 1998 un muy bajo remake protagonizado por Nicolas Cage y Meg Ryan que no conserva la esencia de este filme. En definitiva lo recomiendo como un gran clásico del cine alemán.

Calificación:

Festivales: Cannes 2010

El Festival Internacional de Cine de Cannes es el más importante de los festivales cinematográficos, y en este año no faltó una increible combinación de glamour con calidad cinematográfica. Entre los eventos más importantes fue la inauguración con Robin Hood, las proyecciones de Biutiful de Alejandro Gonzalez Iñarritu, Wall Street: The Money Never Sleeps (que no recibió muy buenas críticas), You Will Meet a Tall Dark Stranger de Woody Allen, Abel de Diego Luna, y Revolución de 10 directores mexicanos.

A continuación se presentan los ganadores del festival:

- Palma de Oro: 'Uncle Boonmee who can recall his past lives' de Apichatpong Weerasethakul (Tailandia)

- Gran Premio del Jurado: 'Of Gods and Men' de Xavier Beauvois (Francia)
- Mejor actor (exaqueo): Javier Bardem por 'Biutiful' (España-México) y Elio Germano por 'La nostra vita' (Italia)
- Mejor actriz: Juliette Binoche por 'Copie conforme' (Francia)
- Mejor guión: 'Poetry' de Lee Chang-Dong (Corea del Sur)
- Mejor director: Mathieu Amalric por 'Tournée' (Francia)
- Premio del jurado: 'Un Homme qui crie' de Mahamat Saleh Haroun (Francia)
- Cámara de oro: 'Año bisiesto' de Michael Rowe (México)

Premios de Un certain regard:
- Premio Un certain regard: 'Hahaha' de Hong Sangsoo
- Premio del jurado: 'Octubre' de Daniel Vega (Perú)
- Premios interpretación: Eva Bianco, Victoria Raposo y Adela Sanchez por 'Los Labios' (Argentina)

Premios del jurado de la crítica internacional - Fipresci
Sección Oficial: 'Tournée' de Mathieu Amalric (Francia)

Cortometrajes Charles Chaplin.

Esta semana comencé un análisis a la carrera como director del también actor, guionista y compositor Charlie Chaplin. Y para comenzar a analizar a este icónico personaje del Cine Mudo, que mejor que con algunos de sus más representativos cortometrajes. Aquí les dejo la mini crítica de 7 de ellos.

Cortometraje: Vida de Perro (A Dog’s Life, EUA, 1918)

Director: Charles Chaplin
Actores: Charles Chaplin, Edna Purviance, Sydney Chaplin, Albert Austin, Bud Jamison.
Crítica: Un perro y un vagabundo (Charles Chaplin) viven en la miseria y en el infortunio, pero cuando el segundo ayuda al primero, la vida de ambos parece que irá por otro rumbo. Es un excelente cortometraje donde Chaplin hace una muy buena combinación del melodrama y la comedia, además de una fina crítica a la sociedad de su tiempo, mostrándola en sólo unos pocos minutos en varias de sus facetas, pero sobre todo en la desigualdad y la inseguridad. Las actuaciones son muy buenas, destacando a Chaplin, a Purviance y a Sydney Chaplin (hermano de Charlie), y al perro, quien realizo un muy buen trabajo, demostrando que estaba muy bien amaestrado. La fotografía de Roland Totheroh, carente de movimiento, es la clásica de ese tiempo. La música de Chaplin le aumenta el valor dramático a la cinta. Es un cortometraje de Chaplin que yo recomiendo como uno de sus más importantes.
Calificación:

Cortometraje: ¡Armas al Hombro! (Shoulder Arms, EUA, 1918)

Director: Charles Chaplin
Actores: Charles Chaplin, Edna Purviance, Sydney Chaplin, Jack Wilson, Henry Bergman.
Crítica: En la Primera Guerra Mundial, Charlie es un soldado muy inútil, pero un día parece que las cosas al fin le saldrán bien, o eso es lo que él piensa. Chaplin crea uno de los primeros ejercicios de comedia bélica, haciendo una ligera crítica y por medio de muy buenos gags, unos sets creíbles y sin dejar de lado el aspecto cómico y romántico del personaje de Charlot. En la actuación se logra un muy buen trabajo de conjunto. La fotografía de Roland Totheroh sin movimiento resulta efectiva para mostrar adecuadamente los escenarios y la actividad de los personajes. La música de Chaplin nos adecua al contexto cómico bélico. Es un cortometraje agradable y muy recomendable.
Calificación:

Cortometraje: Un día de juerga (A Day’s Pleasure, EUA, 1919)

Director: Charles Chaplin.
Actores: Charles Chaplin, Edna Purviance.
Crítica: Charlot vive económicamente bien; junto con su esposa y sus hijos tomarán un día en familia, aunque existan algunos sucesos que estén en contra de ello. El cortometraje cumple como una serie de muy buenos gags que mantendrán muy divertido al espectador, pero no se logra concretar una historia por completo. Las actuaciones están muy bien, y como siempre Charles Chaplin nos regala algunas de sus vergüenzas aludiendo a la frase “al público lo que él pida”, aunque en esta ocasión opaca más que nunca al personaje de Edna Purviance, quien en ocasiones se torna incidental. La fotografía de Roland Totheroh realiza un buen trabajo que por el guión no se alcanza a lucir. La música de Chaplin ayuda a darle un mayor ritmo a los gags. Esta muy divertido aunque no lo consideraría de los mejores de Chaplin.
Calificación: 

Cortometraje: Carlitos al Sol (Sunnyside, EUA, 1919)

Director: Charles Chaplin
Actores: Charles Chaplin, Edna Purviance, Tom Wilson, Tom Terriss, Henry Bergman.
Crítica: Charlot trabaja en una granja, y como casi siempre en sus trabajos comete una impresionante cantidad de desastres, pero el amor que siente por una mujer hará que resista los regaños de su jefe. En esta ocasión lo que más se exalta en el cortometraje es el lado romántico de Charlot y como en la mayoría de sus cortometrajes se habla sobre el sistema laboral de la época, esta vez representada en un muy bonito pueblito campirano. Se logran muy buenos gags y una buena historia, aunque hay algunas situaciones que no se concretan satisfactoriamente. Las actuaciones son muy buenas y ninguno destaca sobre otro. Por medio de los paisajes la fotografía de Roland Totheroh se logra lucir. La música de Chaplin no logra sobresalir pero es efectiva para las situaciones mostradas. Es recomendable pero no indispensable.
Calificación:

Cortometraje: Vacaciones (The Idle Class, EUA, 1921)

Director: Charles Chaplin.
Actores: Charles Chaplin, Edna Purviance, Mack Swain, Henry Bergman.
Crítica: En el verano, una mujer rica (Purviance) se dirige en tren al hotel donde se encuentra su esposo (Chaplin), en ese tren también viaja, solo que no dentro de él, Charlot (también Chaplin). Al llegar la mujer y Charlot al hotel una serie de enredos sucederán. Chaplin logra hacer una muy buena historia, donde se hace un buen equilibrio entre gags e historia, y donde el final es excelente, además de hacer un fiel retrato de la burguesía. La doble actuación de Chaplin es muy destacable, el resto del reparto también lo hace bien. La dirección fotográfica de Roland Totheroh logra ser efectiva por el gran uso de tomas al aire libre. Lo recomiendo para pasar un muy buen rato.
Calificación:

Cortometraje: Día de Paga (Pay Day, EUA, 1922)

Director: Charles Chaplin
Actores: Charles Chaplin, Edna Purviance, Phyllis Allen, Mack Swain, Sydney Chaplin.
Crítica: Charlot esta trabajando en una constructora. Al llegarle su salario, él le reclama a su jefe por lo poco que le fue entregado, lo que lo llevará al despido, y a su vez al enojo de su esposa. Charlot se emborracha en una cantina, pero algo más sucederá debido a su desempleo. En este cortometraje Chaplin hace un buen retrato de la sociedad trabajadora analizándola de manera impresionante, adicionándole una serie de muy buenos gags. Las actuaciones en conjunto son muy buenas. No es el mejor trabajo fotográfico de Roland Totheroh pero es bueno. La música de Chaplin igualmente es buena y creo que algunas piezas podrían ser recordadas. Otro cortometraje que también recomiendo.
Calificación: 

Cortometraje: El Peregrino (The Pilgrim, EUA, 1923)

Director: Charles Chaplin
Actores: Charles Chaplin, Edna Purviance, Tom Murray Sydney Chaplin, Mack Swain, Kitty Bradbury.
Crítica: Charlot ha escapado de la cárcel; en condición de prófugo de la justicia, roba un atuendo de reverendo, para así hacerse pasar como uno, pero por azares del destino, al pueblo de Texas al que llega al parecer ese día llegaba un reverendo, por lo que Charlot tendrá que ingeniárselas para que lo crean un ministro de la iglesia y a su vez evitar que lo reconozcan. En este cortometraje, Chaplin logra hacer una buena combinación de la comedia con el western, introduciéndonos al mundo criminal y además dejándonos ciertas moralejas; además se hace una pequeña sátira de la religión y sus dirigentes y sus creyentes. Las actuaciones en general están muy bien, pero el que roba cámara en sus apariciones es Tom Murray como el Sheriff. La fotografía de Roland Totheroh es mucho más dinámica que en otras ocasiones. La música de Chaplin igualmente parece mucho mejor manufacturada, sobre todo por la canción I'm Bound For Texas, compuesta por él e interpretada por Matt Monroe. Lo recomiendo como uno de los mejores trabajos cortos de Chaplin.

Calificación:

Videotributos: Robert De Niro.

Robert De Niro, a mi parecer es junto con Marlon Brando el mejor actor de la historia del séptimo arte, pues a traves de él se logran mostrar los sentimientos que sean. Ganador de dos oscares por sus asombrosas intepretaciones como Vito Corleone en El Padrino II y como el boxeador Jake la Motta en Toro Salvaje, a mi parecer su mejor actuación llego de la mano de Sergio Leone con Érase una Vez en América. Vale también recordar sus siempre geniales actuaciones en cintas como Buenos Muchachos, Taxi Driver, El Francotirador, Casino, La Misión, Fuego contra Fuego, Los Intocables y muchisimas más.
Disfruten del video.

8½: La imaginación en lo “desinspirado”.

Película: 8½ (Italia-Francia, 1963)

Director: Federico Fellini
Actores: Marcello Mastroianni, Anouk Aimée, Sandra Milo, Claudia Cardinale, Guido Alberti, Barbara Steele, Madeleine Lebeau.

Crítica: Con esta cinta que retrata la perdida de inspiración, “El Maestro” nos regala una película fantástica, mostrando su capacidad de imaginante.
Guido Anselmi, un importantísimo director de cine prepara su próxima película, pero las presiones que sufre por su esposa, su amante, sus productores, actores y más provocaran una crisis de imaginación en Guido. Anselmi buscará encontrar a través de sus recuerdos y sueños aquel punto que logre solucionar su problema.
Federico Fellini, tomando para el título su número de películas antes de ella y el medio es el segmento que hizo en Bocaccio ‘70 da una vez más muestra de su maestría en la dirección desde el inicio con esta cinta llena de escenas surrealistas de tintes autobiográficos, con una trama muy interesante, un muy buen ritmo, una gran reflexión en cuanto a la toma de decisiones, cierta crítica a la iglesia católica, una muestra del proceso creativo cinematográfico, una unión de aspectos narrativos, técnicos y psicológicos tremenda a través de un guión escrito por él, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli y Brunello Rondi, donde ademas, se materializa de una gran forma el sarcasmo de Fellini, pues en una cinta que se relata cómo un director pierde la imaginación aquí el real da muestra de toda la que contiene y cómo lo lleva a 35 mm. La verdad cuando veo una película de este calibre no se cómo expresar la maestría con la que se realizó esta película.

Las actuaciones son excelentes y ninguna sobresale sobre otra, salvo obviamente, Mastroianni. Todas las mujeres mostradas en el filme que tienen relación con Mastroianni en la cinta (Anouk Aimée, Sandra Milo, Claudia Cardinale, Madeleine Lebeau, Barbara Steele, Eddra Gale) tienen una gran química con él, química que se concreta en una escena que aparecen ellas como un tipo de esclavas de él, una escena impresionantemente loca y bien hecha.
La dirección de fotografía de Gianni Di Venanzo logra transmitir lo que Fellini nos quería mostrar: escenas bellísimas, algunas grotescas pero efectivas al momento de transmitir imágenes poco usuales para que se queden en nuestra cabeza.
La música de Nino Rota, junto con algunas piezas de la música clásica nos regala una producción musical carnavalística que nos adentra al carnaval de ideas y problemas que se presentan en Guido; un muy buen soundtracks.
Cómo diría la periodista y crítica de cine Dorothy Kilgallen “Corre –no camines- a ver 8½”

Calificación:

Noticias de la Semana (10-15 Mayo 2010)

Arranca Cannes.

La nueva edición del Festival de Cannes, el festival más importante del séptimo arte que tiene sede en la Riviera Francesa, se inauguró este 12 de mayo y se clausurará el 23. El festival se inauguró con Robin Hood de Ridley Scott. Entre las películas que más llaman han llamado la atención al momento se encuentran: Wall Street: Money Never Sleeps de Oliver Stone, que no ha cosechado tan buenas críticas; Abel de Diego Luna, que ha tenido un muy buen recibimiento y You will meet a tall dark stranger de Woody Allen. El jurado del festival esta precidido por Tim Burton. Aún faltan muchas de las nominadas a la Palma de Oro. Además algunas cintas porno serán proyectadas en 3-D

Darren Aronofsky, Guillermo Arriaga y Brad Pitt Juntos en Tiger.

Esta combinación resulta excelente, pues cada uno figura entre los mejores de su época (como director, escritor y actor), y según Variety estarán juntos en la cinta basada en la novela The Tiger: A True Story of Vengeance and Survival. Si se concreta el proyecto será muy esperada por los cinéfilos.

Colin Farrel y Marion Cotillard actuarán en Cosmópolis de David Cronenberg.

Colin Farrel y Marion Cotillard son dos llamativos actores, y al mando de David Cronenberg podrían dar un muy buen resultado, pues según se informó actuarán en la nueva cinta de este director: Cosmópolis. El rodaje se prevee que comience en marzo de 2011.

Anuncian los Nominados a los MTV Movie Awards.

Estos premios serán los mas light del medio cinematográfico, tomando en cuenta que las películas de Crepúsculo y toda cantidad de blockbuster siempre aparecen, pero siempre llama la atención conocer estos premios. Las películas que figuran con más nominaciones son Alicia en el país de las maravillas, Avatar, Harry Potter y el misterio del príncipe y ¿Qué pasó ayer?

Robin Hood: Gladiador Medieval.

Película: Robin Hood (EUA-Inglaterra, 2010)

Director: Ridley Scott.
Actores: Russell Crowe, Cate Blanchett, Max von Sydow, Mark Strong, William Hurt, Oscar Isaac, Kevin Durand.

Crítica: Esta película es un muy agradable cambio a uno de los personajes más famosos de la tradición inglesa.
Robin Longstride (Russell Crowe) es un gran arquero que luchó en las cruzadas al lado del rey Ricardo Corazón de León (Danny Huston). En Francia, durante su regreso a Inglaterra el rey muere, los caballeros que iban a devolver la corona igualmente fallecen en una emboscada, pero Robin junto con sus amigos logra recuperarla para así poder regresar a Inglaterra y además son encargados de devolver una espada a la región de Nottingham. Al devolver la corona, el hermano de Corazón de León, Juan (Oscar Isaac), es proclamado rey. El nuevo rey decreta la imposición de impuestos que tendrían graves consecuencias para quien no los pague, lo que ocasionará una revuelta en el país. Mientras tanto, en Nottingham, Robin entrega la espada a Sir Walter Loxley (Max von Sydow), quien lo tomará como al hijo que perdió en batalla, pues conocía el pasado de él y de su padre. Junto con Marion (Cate Blanchett), la nuera de Loxley y ahora su esposa; y la banda de Robin, buscarán liberar a Nottingham de la opresión del Rey Juan.

De niño siempre me pregunte por qué tenía ese disfraz (mallitas verdes) un ladrón, y Ridley Scott nos aleja de eso y de todas las características que caricaturizaban al “Petirrojo de la Capucha”, buscando darle una historia seria, histórica, con tintes realistas que dejarán a más de uno satisfechos; además que hace un muy correcto uso de la acción por medio de excelentes escenas de peleas y batallas que permitirán mantener al espectador durante casi 2 horas y media con mucha atención, con un aspecto visual que nos remite totalmente a la edad media, con una excelente dirección actoral, y con un guión de Brian Helgeland, Ethan Reiff y Cyrus Voris que tiene buenos diálogos y en el que se hace una fina reflexión de la política, mostrándonos que desde la Edad Media no ha cambiado mucho en cuanto a la injusticia y el enriquecimiento de los pocos. Quizás Scott ya no tiene la calidad de Alien o Blade Runner, pero sí la de Gladiador, consiguiendo revitalizar su formula (que no sucedió lo mismo en Cruzada) y volviendo a catapultar a un hombre ficticio transformándolo a la realidad. Lo que tal vez quitaría a la cinta son algunos gags que salen sobrando.
Las actuaciones son muy buenas: Russel Crowe y Cate Blanchett, además de realizar un trabajo más que satisfactorio como siempre, demuestran una gran química, Max von Sydow igualmente nos regala una más de sus excelentes actuaciones. El resto del cast cumple con una buena interpretación.
La dirección de fotografía de John Mathieson, con colores grisáceos, junto con el diseño de producción de Arthur Max logra transformarnos perfectamente a aquella Inglaterra Medieval. Además, para las escenas de acción Mathieson hace un buen uso de la cámara lenta y del movimiento.
La música de Marc Streitenfeld es efectiva pero no tan notable y un poco exagerada. En los aspectos técnicos creo que es lo que se podría mejorar.
En conclusión es una de las mejores adaptaciones que se le han hecho a este héroe, que vale la pena ver, pues no solo se queda en el relato.

Calificación:

Por el Lado Oscuro del Camino: Pesadilla Cinematográfica.

Película: Por el Lado Oscuro del Camino (Lost Highway, EUA, 1997)
Director: David Lynch.
Actores: Bill Pullman, Patricia Arquette, Balthazar Getty, Robert Blake, Robert Loggia, Michael Massee, Natasha Gregson Wagner.

Crítica: Esta película es de las que se deben ver sabiendo que narrativamente no se conseguirá nada a cambio, pero una experiencia visual impresionante sí.

Fred Madison (Bill Pullman) es un saxofonista casado con una hermosa mujer llamada Renee (Patricia Arquette). Un día que alguien toca a su puerta con un misterioso mensaje, y tras recibir unos video-tapes con grabaciones de su casa (incluso dentro de ella donde se encuentran dormidos), la paranoia y un lado oscuro brotará de la pareja, sobre todo en Fred.

David Lynch, una de las mentes más sorprendentes del séptimo arte actual, quien originalmente se dedicaba a la pintura, desde sus primeros trabajos (sobre todo en el cortometraje The Alphabet) nos muestra que su trabajo es para él y que más que contar una historia, a Lynch le interesa mostrar la realidad a través de un surrealismo perturbador, o sea, cintas mucho muy difíciles de codificar, gran ejemplo es Por el Lado Oscuro del Camino. En esta cinta Lynch crea a través de un guión de él y Barry Gifford una película que mantiene una tensión en el espectador impresionante a lo largo de todo el filme por medio de escenas de lo más perturbadoras, una película que no se puede clasificar en géneros, en la que se conserva un estilo visual noventero pero que por medio de las escenas la estética logra llegar al subconsciente de una manera grandiosa; además se hace un particular tributo al cine pornográfico y al cine negro. Lo único que no me gustó son algunos de los efectos especiales, que son de pena ajena.

Las actuaciones son de lo más convincentes: A Bill Pullman nunca lo había visto actuar tan bien, Patricia Arquette además de tener un excelente cuerpo logra que todo el ambiente psicótico del filme se traspase a ella a través de sus dobles interpretaciones, Balthazar Getty quien no era tan profesional por sus actuaciones anteriores logra darle intensidad a su personaje. El resto del cast también lo hace muy bien.
La dirección fotográfica de Peter Deming logra hacer un muy buen juego de encuadres para lograr con el brillo, los colores y la edición de Mary Sweeney (quien también funge como productora) una muy extraña experiencia visual.
La música original de Angelo Badalamenti logra acrecentar hasta lo pesadillesco la perturbación que nos regala Lynch, y la música adicional con temas de David Bowie, Rammstein, Marilyn Manson, entre otros crear una mayor pesadez en la cinta.
En síntesis, esta película es, como diría un amigo, una pesadilla llevada a la pantalla grande.

Calificación:´

La Dolce Vita: El Lado Oscuro del Glamour.

Película: La Dolce Vita (Italia-Francia, 1960)

Director: Federico Fellini.
Actores: Marcello Mastroianni, Anouk Aimée, Yvonne Furneaux, Anita Ekberg, Alain Cuny, Annibale Ninchi, Walter Santesso, Magali Noël.

Crítica: Es sin duda una excepcional cinta, que personalmente me dejo con varios sentimientos encontrados luego de verla.
Marcello Rubini (Marcello Mastroianni) es un reportero de espectáculos, quien quiere pasar de esa faceta a la de escritor, pero un conflicto psicológico en él le impide ese paso, pues no ama a su novia Emma (Yvonne Furneaux) y la engaña con un sin fin de hermosas celebridades. Para encontrar la solución a eso, Marcello se refugia en los brazos del vicio, enjaulándose en “La Dolce Vita”.
Con esta cinta, Fellini, además de dar un salto del neorrealismo al simbolismo, y de que con esta película se acuño el término paparazzi; nos muestra en un guión de él, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli, Brunello Rondi y Pier Paolo Pasolini un muy interesante retrato de la moral en declive actual, sobre todo de la Italia de finales de los 50’s, tomando como puntos principales las banalidades y la incomunicación (desde el inicio hasta el final se hace un muy usual ejemplo de esto) social con una tensión sexual muy latente como telón de fondo, ideología que dejará a más de uno analizándola por un buen rato. Además de esto, Fellini, quien ya no era un novato en esos tiempos, realiza un estupendo trabajo en la dirección pues mantiene a flote todo el tiempo la historia con un muy buen ritmo, con escenas muy bien hechas y cuidadas en aspectos técnicos y narrativos.

Las actuaciones son muy buenas, Marcello Mastroianni realiza un papel asombroso con una muy fuerte carga emocional, el trabajo de las actrices Anouk Aimée, Yvonne Furneaux, Anita Ekberg como las mujeres de Marcello es igualmente impresionante, sobre todo por Aimée y Furneaux, pues Ekberg en ratos se siente un poco sobreactuada, además que su personaje esta un poco sobrevalorado, pues es secundario y aparece en la mayoría de los posters o fotografías, siendo que lo podrían ocupar ese espacio Aimée o Furneaux. Otra persona a destacar es la muy atrayente interpretación de Alain Cuny como Steiner, el mejor amigo de Marcello.
La dirección de fotografía de Otello Martelli es asombrosa pues logra por medio de interesantes tomas con variado estilo que la imagen capte los problemas existenciales del personaje en un elegante blanco y negro, que además acrecienta todos los sentimientos encontrados en aquellas parrandas del espectáculo italiano.
La música de Nino Rota, por medio de los estilos del momento, logra captar el ambiente mostrado en la cinta de forma excelente.
Estas críticas me sirven mucho pues a través de ellas logro captar la esencia de la cinta que no había tenido con anterioridad, y concluyo que es una obra inigualable, un tanto perturbadora, además de la mano del magnifico Fellini, de quien estoy comenzando a analizar su filmografía como director.

Calificación:

Videotributos: Steven Spielberg

Este videotributo hace mucho que lo tenia en la mente pero se me había olvidado. Steven Spielberg es el cineasta más conocido del mundo occidental, y fue el fundador del fenómeno que conocemos como blockbuster con Tiburón.  Sus películas quizas no son todas obras maestras, pero este señor ha hecho varias. Su estilo más que nada es la atención en el público, y los géneros que más ha utilizado son la ciencia ficción, el bélico y la aventura, aunque también ha hecho muy buenos dramas. Quizá el mayor constante en sus películas es la musicalización de ellas del gran John Williams. Entre sus películas figuran La Lista de Schindler, Munich, la saga de Indiana Jones, Tiburón, Encuentros Cercanos del Tercer Tipo, Jurasick Park, Salvando al Soldado Ryan, El Color Púrpura, El Imperio del Sol, Inteligencia Artificial, Atrapame si puedes, Sentencia Previa, La Guerra de los Mundo, Amistad, Hook y unas más.

Disfruten este videotributo que esta muy bueno, aunque le faltan dos que tres películas, pero es el mejor que encontré.

Trailers: Robin Hood

Robin Hood es la próxima película de Ridley Scott (Blade Runner, Alien, Gladiador) y de nuevo contará con la participación estelar de Russel Crowe en esta la más seria adaptación del famoso personaje que robaba a los ricos para los pobres. Con esta cinta Scott busca que vean al real heroe de ese hombre y no solo a un ladronzuelo con mallitas verdes. Además de Crowe, actuarán Cate Blanchett, Max von Sydow, William Hurt y Mark Strong. El filme, en el que Scott comparte de nuevo el estilo de Gladiador y Cruzada se estrena en casi todo el mundo este viernes 14, espero poder verla el día del estreno.  Por lo pronto disfruten el trailer de uno de los más prometedores blockbusters de este verano.

Noticias de la Semana (2-9 mayo 2010)

Spielberg vuelve al cine bélico con War Horse

El gran director Steven Spielberg ha anunciado que su próximo proyecto como director será en una cinta que contará de nuevo con tintes bélicos, pues retratará la amistad entre un niño y un caballo durante la Primera Guerra Mundial, esta premisa es de la novela en que se basaran para el filme, es  War Horse de Michael Morpurgo. La cinta podría estrenarse en verano del 2011, meses antes del estreno de Tin Tin, que Spielberg también dirigió.

Matthew Vaughn dirigirá X-Men: First Class

El director de Kick Ass y Stardust, Matthew Vaughn será el encargado de dirigir la próxima cinta de los X-Men: First Class, luego que Bryan Synger haya dejado el proyecto. Además de esto se informó que la fecha del estreno de la cinta será  el 3 de Junio de 2011. First Class narrará la vida de algunos de los X-Men antes de ser X-Men, sólo unos mutantes inadaptados.

El Pequeño Buda: Mucho y a la vez nada.

Película: El Pequeño Buda (Little Buddah, EUA, 1993)

Director: Bernardo Bertolucci.
Actores: Alex Wiesendanger, Ruocheng Ying, Keanu Reeves, Bridget Fonda, Chris Isaak.

Crítica: Es una película aceptable pero conociendo al director queda un resultado lamentable.
El monje budista Lama Norbu (Ruocheng Ying) ha encontrado en un niño estadounidense llamado Jesse (Alex Wiesendanger) la posible reencarnación del Lama Dorje (Ven. Geshe Tsultim Gyelsen), por lo que viaja a Seattle para enseñarle a Jesse, con el permiso dado por los padres de este (Bridget Fonda y Cris Isaak), la historia de Buda (Keanu Reeves) para que la tome como la forma de vida que seguirá en un futuro.
Si bien la premisa resulta interesante, pero Bertolucci, quien ha hecho excelentes trabajos, no demuestra su calidad desde el guión de él, Rudy Wurlitzer y Mark Peploe, al no llevar más allá del relato y de la parafernalia visual (de lo visual no se puede alegar) a la cinta, dejándolo como una cinta cualquiera de un niño elegido para ser alguien importante, temática de lo más explotada pero que ha tenido excelentes resultados en otros filmes. Otro problema del filme es que todo esta hablado en inglés, como si los habitantes del Tíbet hubiesen nacido hablando inglés a la perfección.

Las actuaciones son buenas, pero como dije antes el guión no permite que los personajes se explayen en la forma que deberían, dejandolos en un termino medianamente aprobable. Lo que me sorprende es que el pequeño (en ese tiempo) Alex Wiesendanger no haya seguido el trabajo de la actuación pues para su edad lo hizo muy bien. El que no logró llevar a flote a su personaje es Keanu Reeves, quien a pesar de interpretar a un personaje envidiable, no logró sobrellevar la insipidez que muestra en la mayoría de sus filmes y que solo grandes directores se lo han sabido quitar.
La dirección fotográfica de Vittorio Storaro junto con el diseño de producción y de arte, son lo mejor de la cinta, pues en el aspecto visual se logra que la cinta pase de un producto pésimo a uno aceptable, lo lamentable es que la historia haya provocado que se desperdiciará y parezca más una película para televisión.
La música de Ryûichi Sakamoto es aceptable pero no notable, pues con solo orquestación no transmite un real sentimiento musical para el espectador ni te transporta a los lugares.
Esta cinta debe servir como mensaje de lo que sucede cuando los grandes directores caen en el egocentrismo.

Calificación: