El Último Hombre: Magistral Murnau

Película: El Último Hombre (Der Letzte Mann, Alemania, 1924, conocida también como El Último y La Última Carcajada)

Director: F. W. Murnau.
Actores: Emil Jannings, Maly Delschaft, Max Hiller, Emilie Kurz, Hans Unterkircher.


Crítica: Un melodrama increíble de las manos de Murnau, un filme sostenible en Emil Jannings y una fotografía impresionante. La cinta narra la historia del portero de un hotel, el cual tiene una gran vida, orgulloso de su trabajo, su familia es contagiada con ese entusiasmo y hasta sus vecinos, pero cuando un día, por su vejez, un hombre más joven lo sustituye, y a este lo degradan a mozo de los baños, su vida cambiara por completo, aunque podría ser una metáfora de las distintas clases sociales. Murnau hace gala de su maestría al contar la historia, con un guión perfectamente bien estructurado, el cual al precisar bien cada acción de los personajes, y combinado con la implacable actuación de Emil Jannings, provocó que la cinta no contara con ningún intertítulo de diálogos, más que para textos y señalar la hora o un día. Las actuaciones son muy buenas, como dije antes Emil Jannings es el soporte del filme, ya que la mayoría de la cinta la cámara solo lo sigue, Jannings crea a un personaje bien hecho y caracteriza muy bien cada una de sus acciones y las emociones que tiene el personaje. La fotografía es impresionante, una de las mejores que he visto en una película, quizá he dicho en anteriores críticas que muy adelantada a la época, pero es porque el fotógrafo es Karl Freund (Metrópolis, Berlín: Sinfonía de una Ciudad, Tartufo, Drácula y otras obras maestras del cine más), con unos encuadres perfectos que nos adentran a la historia.

La música que escuché fue de Timothy Brock, una muy buena sinfonía que ayuda con la instrumentación a captar más la emoción. La dirección artística crea escenarios impresionantes, donde contrastan perfectamente los departamentos donde vive el portero con el hotel, pero dando una mezcla buena, el expresionismo alemán implicaba que los lugares sean un personaje más y aquí se cumple, esto a manos de Robert Herlth, Walter Röhrig y Alfred Hitchcock (este último sin acreditar). Los únicos fallos del filme son que el ritmo baja cada vez más, pero se justifica porque sentimos lo mismo que el portero, una profunda depresión, pero lo peor y que elimine de mi mente es el final, el cual fue obligado a ponerse por los productores, en donde se muestra a la perfección que el final no es de Murnau, así que si la ven no tomen en cuenta el final, hasta el minuto 80 se acaba la película. Definitivamente quitando el final es una impresionante película que no deben dejar de ver en su vida.

Calificación:

Quitandole el Final de los Productores

Con el final de los Productores:

El Romance Fracasado de Tillie: El Origen del Mito de Charlot

Película: El Romance Fracasado de Tillie (Tillie's Punctured Romance, EUA, 1914, en España Aventuras de Tillie, Mabel y Charlot)

Director: Mack Sennett.
Actores: Marie Dressler, Charles Chaplin, Mabel Normand, Mack Swain, Charles Bennett.

Crítica: El primer largometraje de comedia de la historia del cine (y investigando descubrí que era también el primer largometraje de Hollywood) no esta nada mal y comenzó con 4 grandes genios del Slapstick, la comedia del cine mudo por excelencia: Senntet, Chaplin, Normand y Dressler. Esta cinta es el inicio del mito de Charlot, que aunque en cortos dirigidos por Chaplin, no alcanzo la fama total hasta esta película, la historia trata de cuando Charlot (en la película llamado El Hombre de la Ciudad) conoce a Tillie, una obesa mujer pero que, al tener mucho dinero, éste la corteja para sacarle su dinero. Es un gran conjunto de situaciones cómicas donde Sennet reúne a su gran equipo de actores (Mabel y Chaplin), los cuales contienen características estilísticas muy parecidas en sus filmografías, todos rodeados por el Slapstick (para los que no conocen el termino es donde la trama gira en gags físicos muy divertidos), Dresser se une a este equipo y realiza un gran trabajo. El guión basado en la obra teatral de Edgar Smith se adapta totalmente a la pantalla grande, donde los personajes son bien descritos y las situaciones no pasan al absurdo total.

La fotografía y la música no destacan esta vez, en fotografía, es la clásica del Slapstick por Hans F. Koenekamp y Frank D. Williams, carece de movimientos pero se basa en las expresiones corporales de los personajes, y la música de William P. Perry (1972) es la clásica de pianola, aunque hay una parte que no se me quita de la cabeza y no paro de tararear. Es una cinta clave para entender el nacimiento de la comedia y de Chaplin como mito, muy entretenida aunque con un exceso de patadas.

 

Calificación:

Encuestas: El Cine Mexicano ha mejorado.

Desde que inició este blog, la primer encuesta fue esta. La pregunta: ¿Qué opinas del Nuevo Cine Mexicano?, en la encuesta votaron 10 personas (muchas gracias a los que votaron), de las cuales el 70% dijo que esta mejorando. Es bueno conocer la opinión tanto de cinefilos como de gente no tan cinefila, y que se vea cine mexicano de nuevo como un simbolo de calidad. Esperen la próxima encuesta mañana.

Resultados:

Videotributos: Guillermo del Toro

La mayoria de los mexicanos conocemos a este genio, a Guillermo del Toro, el que és el mejor director mexicano de cine de su generación y el más exitoso de la historia, sus cintas siempre tienen su sello caracteristico, que son los seres fantásticos, los monstruos, las hadas, y muchos más entes sacados de su imaginación, sus cintas son su impactante opera prima Cronos (1992), Mimic (1997), El Espinazo del Diablo (2001), Blade II (2003), Hellboy (2004), su cinta más aclamada El Laberinto del Fauno (2006), Hellboy II (2008) y la próxima saga de El Hobbit, además que ha producido varias películas destacando El Orfanato (2007). Disfruten este video del imaginante mexicano más representativo del cine.

20,000 leguas de Viaje Submarino: Explorando los primeros años de la fantasía cinematográfica.

Película: 20,000 leguas de Viaje Submarino (20,000 leagues under the sea, EUA, 1916)

Director: Stuart Paton

Actores: Allen Holubar, Dan Hanlon, Jane Gail, William Welsh.

Crítica: Una muy entretenida cinta, innovadora en los efectos especiales y con una historia bien aprovechada para su tiempo. La historia es basada en el cuento de Julio Verne, aunque la historia es ampliada sobre todo al final, el guión corrió a cargo también de Stuart Paton, relata la historia del Capitán Nemo, un hombre de Oriente en búsqueda de venganza transportándose en un submarino; el Profesor Aronaxx, un científico en busca de un extraño monstruo marino, que es el mismo submarino del Capitán Nemo; Charles Denver, un hombre atormentado por su pasado, y unos náufragos en una isla. Todos ellos se asociarán con un ser de la naturaleza. Stuart Paton crea una buena y entretenida película, en la que toma lo mejor de la obra de Verne y la extiende con su visión de los personajes, además que, con la ayuda de los efectos especiales y la fotografía de los hermanos George M. y J. Ernest Williamson (quienes aparecen en el prologo del filme), lograron hacer escenas convincentes y muy buenas para la época (hace 93 años!), siendo los primeros en utilizar cámaras que podían grabar bajo el agua, dando un muy buen resultado. La actuación que más se hace notar es la de Allen Holubar como el capitán Nemo, es el personaje que se vio más empeño en mostrarlo psicológicamente, ya que no hay una gran muestra de los personajes. La música es una especial de la cineteca mexicana, la cual es muy convencional (la clásica pianola). En definitiva una cinta base para el cine fantástico en cuanto a efectos y estándares de la historia.

 

Calificación:

La Pasión de Juana de Arco: Como Cristo pero con jueces cristianos.

La Pasión de Juana de Arco (La passion de Jeanne d'Arc, Francia, 1928)

Director: Carl Theodor Dreyer

Actores: Maria Falconetti, Eugene Silvain, André Berley.

Crítica: Majestuosa cinta con una sorprendente técnica y una dirección de actores genial. Para hablar de La Pasión de Juana de Arco es necesario conocer la historia de este filme: En su estreno, sólo se hicieron tres copias de la película, de las cuales 2 las destruyó la iglesia censurandola y cortandola, pero la copia que restaba se perdió con el tiempo hasta 1981 que fue encontrada en un manicomio Noruego, al encontrarla la cinefilia mundial estuvo de fiesta. Hasta principios de los 90´s se restauró pero en México no existe una copia en 35 mm más que una de 16 mm con los titulos en Español para México, que fue convertida en Dvd, pero muy pocos poseen ese dvd, uno de ellos está en Guanajuato. Ahora, hablando de la historia de esta invaluable película, trata acerca de los días anteriores a la muerte de Juana de Arco, mostrando su proceso y condena de muerte. En la película el director danés muestra la gran habilidad que tiene para mostrar emociones y un avanzado uso de la cámara, que junto con el guión de él y Joseph Delteil, basado en los textos de los juicios de Juana de Arco, crean una historia emocionante y con unas imagenes impactantes. Las actuaciónes son impresionantes: Maria Falconetti, una gran actuación muda, con unos gestos de angustia, llanto, dolor y miedo crean un personaje muy creible, y por el otro lado, los villanos, los sacerdotes igualmente muestran una muy real interpretación, tanto en vestuario, peinados, etc, que con lo que muestra Dreyer son unos verdaderos demonios. En la versión de Dreyer (y la que vi) no hay música, ya que Dreyer nunca pensó en musicalizarla, pero no hay pierde ya que la historia hace que tus oidos imaginen los sonidos, los llantos, todo eso. La fotografía es quizá lo que más destaca del filme, aunque no opaca lo demás, como mencione antes un gran y avanzado uso de la cámara por parte de Rudolph Maté, unos encuadres fantásticos que cualquier director de fotografía actual desearia hacer, un gran uso de cuadros cerrados, concentrados en los rostros de los actores, que marca una diferencia entre la santa y sus captores, la pureza de Juana de Arco se muestra con su suave piel y la inmundicia de los sacerdotes con lo arrugada de sus pieles, además que el movimiento de la cámara es muy bien usado en escenas donde se busca la reacción de muchas personas, además de mostrar una tremenda emoción en las escenas finales. Para finalizar, se destaca también el impresionante diseño de la escenografía, muy fiel a la época y a lo que se queria expresar. Definitivamente es una joya muda que debe verse, donde el silencio grita por la maravillosidad de las imagenes.

Calificación:

Trailers: Toy Story 3

Toy Story 3 es la tercera parte de la gran saga de animación Toy Story, ha sido una de las películas más esperadas tanto por los fans como por la crítica, cuando en 2008 se supo la noticia que se trabajaba en una 3a parte la espera de esta película ha sido eterna, y por lo visto en el trailer ha rendido frutos. Como no creo que no hayan visto las otras, esta cinta trata de que al ir Andy a la escuela, los juguetes Woody, Buzz, Jessie y los demás están a la expectativa de que les sucederá a ellos, cuando son donados a una guardería, harán todo lo posible por volver con su dueño. Esperen el estreno en el verano del 2010!

Tiempos Violentos: Tarantino y su fiel retrato de la sociedad noventera.

Tiempos Violentos  (Pulp Fiction, EUA, 1994)
Director: Quentin Tarantino
Actores: John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Bruce Willis, Tim Roth, Ving Rhames, Harvey Keitel.

Critica: Me encanto: El Sarcasmo con que maneja Tarantino la Violencia y el Consumismo es magistralmente realizado. Perros de Reserva igualmente me encanto, pero lo que le faltaba a Tarantino para despues realizar Kill Bill se realizo en Pulp Fiction, un conjunto de historias de gran manera entrelazadas en cuanto a un jefe de la mafia de Los Angeles mostrado principalmente en su esposa, dos de sus matones, y uno de sus clientes: un boxeador. Tarantino en su segundo filme muestra toda su narrativa cinematográfica, despues de darnos una gran introduccion en su Perra Opera Prima, sus movimientos basicos de camara que ha mostrado a lo largo de sus siguientes filmes, como dije antes nos muestra de una manera de humor negro lo malo de la actualidad: Violencia, Consumismo (Mc Donals, Burger King, Coca-Cola, Sprite, Pepsi, y muchas marcas mas que se mencionan en la película), Drogas, y mas; y de paso nos da una clase de como drogarnos con Cocaina, Heroina y Marihuana, y como evitar las sobredosis. El guión del mismo Tarantino contiene frases impresionantes y bien logradas, sin embargo, lo que siento es que pudo dar mayor profundidad a los personajes, sobre todo al de Uma Thurman, el que hizo Bruce Willis es el mejor hecho. Las actuaciones son grandes y de buen nivel, un gran conjunto de actores en el que siento que sobresalio Bruce Willis por primera vez, los personaje de Travolta y Samuel L. Jackson: Vincent Vega y Jules Winnfield son la mayor representación del antiheroe: persona hecha para realizar actos de maldad, pero que el bien aun forma parte de su etica.

La recopilación de musica es excelente, mostrandonos el ambiente del inicio de los 90´s en EUA, la fotografia es muy buena, con la clasica fotografia Tarantinesca, en lo demas visual es grande, como en los sangrientos efectos especiales. Esperaba mucho de esta pelicula y me sació, no como un cuarto de libra con queso, lugar numero 5 del Top 250 del IMDB y ganadora del Oscar por Mejor Guión, quizas sea junto con La Lista de Schindler lo mejor que he visto de los 90´s.

Calificación:
 

Trailers: Bastardos sin Gloria, Sector 9

Bueno, un blog de cine no podria dejar de hablar de sus estrenos, y aqui una muestra de los próximos estrenos en las salas de cine, hoy se muestran los avances de dos películas polémicas y que han recibido un buen recibimiento por parte del público y la crítica. Me refiero a Bastardos sin Gloria (Inglorious Basterds, 2009), la nueva película de Quentin Tarantino, acerca de un grupo de franceses en la segunda guerra mundial que luchan contra los Nazis sin tocarse el corazón. Actuan Brad Pitt, Eli Roth, Diane Krueger y Christopher Waltz.



y Sector 9 (District 9, 2009), la opera prima de Neill Blomkamp, quien tambien hace el guión y que fue ayudado en parte por el nombre de Peter Jackson (director de El Señor de los Anillos) en la producción, la cinta ha sido nombrada como un nuevo clásico de la ciencia ficción.

Videotributos: Quentin Tarantino

Quentin Tarantino es quiza uno de los directores más polémicos, pero para muchos es un maestro. Director de cintas como Perros de Reserva (Reservoir Dogs, 1992), Tiempos Violentos (Pulp Fiction, 1994), Kill Bill (2003) y la próxima Bastardos sin Gloria (Inglorious Basterds, 2009), Tarantino se caracteriza por un estilo único, sus principales caracteristicas en sus cintas son la violencia en extremo, las artes marciales y gente en las cajuelas. Vean este gran video.

Video de Paul Prouxl