Salón México: De cabarets, danzón y crímenes.

Película: Salón México (México, 1948) Director: Emilio "Indio" Fernández Actores: Marga López, Miguel Inclán, Rodolfo Acosta, Silvia Derbez, Roberto Cañedo, Mimi Derba.

Crítica: Emilio Fernández nos muestra en esta cinta una visión de los barrios más candentes de la Ciudad de México a través de una historia de contrastes, amor y odio.
Mercedes (Marga López) es una cabaretera que trabaja en el Salón México bailando danzón con los clientes y acompañándolos; todo esto para mantener los estudios de su hermana menor (Silvia Derbez). Ante este sacrificio el policía Lupe (Miguel Inclán) se auto designa como su guardián, pues ella peligra de Paco (Rodolfo Acosta), un hombre que sólo busca meterla en problemas y hacerla suya.
Escrita por Mauricio Magdaleno y Emilio Fernández, el último dirige una película intensa y trágica, algo rebelde por su contenido para la época en la que una prostituta (cabaretera o como quieran llamarle) nos enseña una gran lección que es el sacrificio, a través de su historia se entrelaza una crítica político-social y un fiel relato de la vida nocturna del México de mediados de los 40's donde el danzón era un baile prohibidísimo y maltratado por su asociación con el vicio y la prostitución. Probablemente en el aspecto narrativo le fallan algunas situaciones y diálogos que se tornan poco creíbles en ratos. En aspecto técnico creo que se hace un gran monumento al talento del mexicano, aunque este creo que este se explotó un poco de más en la historia.

Las actuaciones son más que excelentes, creo que el reparto hace un muy buen papel: Marga López se deja maltratar enserio y nos logra atrapar y empatizar en su personaje, todo lo contrario de Rodolfo Acosta, cuyo personaje infunde odio total, y el que en lo particular me sorprendió fue Miguel Inclán sin bigote y en un personaje bueno, y aclara más que es uno de los mejores interpretes de la época de oro del cine mexicano.
La fotografía de Gabriel Figueroa como siempre genial, en esta ocasión se destaca un muy buen trabajo de los espacios de los planos y en las luces y sombras al ser la mayoría de las escenas en horario nocturno.
La música de Antonio Díaz Conde es más que brillante, las piezas tienen el mismo calibre que la de Max Steiner en Lo que el Viento se llevó y ese es el problema, que la historia no necesita de tanta parafernalia musical, siendo un error pero a la vez un excelente trabajo que se hubiese escuchado mejor en títulos más épicos del cine mexicano.
En síntesis es una película importante del Indio aunque peca un poco de exageración, vale la pena verse y recordar los viejos pasos de baile en el cine mexicano.

Calificación:

Dos Tipos de Cuidado: Dos mitos en enredos.

Película: Dos Tipos de Cuidado (México, 1953)
Director: Ismael Rodríguez
Actores: Jorge Negrete, Pedro Infante, Carmelita González, Yolanda Varela, Carlos Orellana.

Crítica: Esta película legendaria de la cinematografía nacional es poseedora de varias de las escenas más recordadas por los mexicanos y es antológica por la participación de los dos grandes charros: Jorge Negrete y Pedro Infante.
Jorge Bueno (Jorge Negrete) y Pedro Malo (Pedro Infante) son dos buenos amigos que andan tras de Rosario (Carmelita González) y Maria (Yolanda Varela) respectivamente. Por azares del destino Pedro termina casándose con Rosario y teniendo un bebe con ella aunque siga amando a María que es hermana de Jorge, provocando que al Jorge enterarse de esto explote de ira y resentimiento hacia su ahora enemigo por quitarle a su amada.
Esta es la mejor película de la faceta de comedia de Ismael Rodríguez, en el que además de contar por vez única la presencia de Negrete e Infante en una película juntos, ésta película tiene un muy buen guión de Rodríguez y Carlos Orellana en el que los enredos románticos son muy divertidos y concretados de una manera más que excelente. La película es un gran referente de la cultura mexicana pues en ella se manifiestan varios patrimonios del país como son la música de mariachi, la gastronomía y las fiestas, sin dejar de lado que representa fielmente la personalidad machista del mexicano de dicha época. El filme cuenta con varias escenas antológicas que han sido cientos de veces parodiadas como el duelo de coplas entre Negrete e 

Infante, escena reconocida por todo el mundo.

Las actuaciones no dejan indiferentes a nadie, se nota una muy buena química en los 4 histriones protagónicos (Negrete, Infante, González y Varela) cuyos papeles se complementan de muy buena manera, aumentando las dosis de humor; en definitiva, no imagino esta película con otro reparto. Igualmente es de destacar la participación secundaria de José Elías Moreno.
La fotografía de Nacho Torres es muy buena, realiza efectivos travelings y tomas con grúa, aunque peca un poco en los close-ups.
La música de Manuel Esperón, tanto en piezas orquestadas como canciones están muy bien realizadas, la música orquestada aprovecha muy bien las situaciones para exaltarlas, y las letras de las canciones son más que estupendas y graciosas, como Que hubo cuando, interpretada por Negrete, siendo este el mejor trabajo técnico de la cinta.
Una película con la que se pasará un rato agradable y en la que se hallará una importante huella del México de los 50's.

Calificación:

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte Parte 1: Dividirla en dos partes fue buena elección.

Película: Harry Potter y las Reliquias de la Muerte Parte 1 (HP and the Deathley Hallows Part 1, EUA-Reino Unido, 2010) 

Director: David Yates.
Actores: Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Michael Gambon, Ralph Fiennes, Alan Rickman, Helena Bonham Carter.

Crítica: A quienes tenían dudas si el hecho de dividir el último libro de la saga fue la decisión correcta les respondo que lo fue pues además de hacer más fiel la obra se logró dar un buen inicio al cierre.
Harry (Daniel Radcliffe), Ron (Rupert Grint) y Hermione (Emma Watson) tienen que continuar solos su misión de destruir los horrocruxes para así poder derrotar finalmente a Lord Voldemort. Esto ocasionará más
riesgos para los tres, quienes están sumidos en un mundo donde nadie puede confiar en nadie.

Me parece que en este filme al igual que en El Prisionero de Azkaban logra captar la esencia del mundo mágico del libro sin dejar de lado el cambio en la personalidad de los personajes, y en esta película el
dramatismo, el misterio y la acción se conjuraron de una excelente manera (tomemos como ejemplo el comienzo, la persecución en el bosque y SPOILER la muerte de Dobby FIN DE SPOILER), todo esto con el guión de Steve Kloves y la dirección de David Yates quién en la sexta parte logró entender el mundo potteriano que no plasmó en La Orden del Fénix (la más inferior de toda la saga). Este filme ha recibido varias  críticas y hay quienes alegan que es muy lenta, a lo cual yo digo que para nada, la emoción en el filme esta a todo lo que da, probablemente tenga mayor tiempo para situaciones dramáticas que en otros filmes por
ser la mitad de un libro, igualmente dicen que tiene un tono muy pesimista y agresivo para los niños, y yo respondo que esta película ni el libro son para publico infantil y en el libro se muestra igualmente
un mundo desesperado e introducido en el fascismo mágico (hay varios guiños a películas bélicas de antaño) en el que lógicamente lo que menos hay son cosas bonitas, y más que en otros filmes y libros en este
se pone un mayor riesgo en la amistad de los protagonistas.

Las actuaciones no decepcionan en lo absoluto, qué decir de un elenco de primer nivel que ha mantenido la saga y que en esta ocasión integra entre otros a Billy Nighy y a Rhys Ifans, de quien llevó muy bien su personaje aunque se le pudo haber explotado un poco más; igualmente me dió mucho gusto ver de nuevo a John Hurt desde La Piedra Filosofal.
La fotografía de Eduardo Serra supera al nivel de los demás cinefotografos que también han hecho un gran trabajo en la saga; en esta ocasión le da un aire más indie por tomas que aumentan el nivel dramático de las acciones, aunque claro, las escenas de acción son espectacularmente filmadas como la persecución del bosque y el trabajo de fotografía es muy bien compensado con la edición de Mark Day y los efectos (que sí pudieron mejorar un poco, sobre todo en Dobby) dan un resultado visual estupendo.
La música de Alexandre Desplat es junto con el soundtrack de la tercera parte, la mejor banda sonora, en la que el maestro de la música de cine aumentó el valor dramático y de misterio de la obra, y con piezas más que atrapantes.
Es una buena señal que el final será más que épico, la mejor película de la saga desde El Prisionero de Azkaban y ahora sí, a esperar a julio.

Calificación:

Noticias de la semana (31-7 noviembre 2010)

Francis Ford Coppola tiene un nuevo proyecto.

El maestro del cine Francis Ford Coppola (Saga de El Padrino, Apocalypse Now, Bram Stoker's Dracula), tras un buen recibimiento de la película Tetro (la cual se presentará en la 52 Muestra Internacional de Cine para los interesados en verla en México) vuelve de lleno al terreno estadounidense con Twixt Now and Sunrise, película inspirada en una pesadilla que tuvo el director el año pasado, grabo en su celular todo lo que había visto y lo decidió transformar a la pantalla por el tono gótico que presenta un estilo como el de Edgar Allan Poe. El reparto ya ha sido seleccionado y el protagonista de la pesadilla será Val Kilmer, quien parece querer tener un regreso fuerte en la pantalla. La película costará solamente 7 millones de dolares.

Reestrenan Volver al Futuro.

La saga de aventuras y ciencia ficción con la que muchos crecimos (me incluyo yo mismo gracias al Canal 5) Volver al Futuro (Back to the Future) de Robert Zemeckis ha cumplido 25 años del estreno de su primer filme y como tal estreno este filme será reestrenado en algunas salas de nuestro país y del mundo, en donde el negativo fue restaurado en audio y video de alta definición para tener mejor disfrute de aquel clásico de los 80's.

Oficial: MGM declara bancarrota.

La productora mítica Metro Goldwin Mayer anunció que se declaró en bancarrota tras una deuda de cuatro mil millones de dólares que no puede pagar. Con esta acción se da un control a los acreedores e inversionistas sobre la empresa, donde Lionsgate y Spyglass serán las productoras que trabajaran con MGM en la producción de sus nuevas películas como es el caso de El Hobbit.

Leonardo DiCaprio será un psicópata

El actor Leonardo DiCaprio encarnará a un psicópata asesino en serie en el filme The devil in the White City basado en la novela del mismo nombre de Erik Larson. La película abordará la historia del asesino H. H. Holmes, un doctor que seducía a mujeres ricas y las mataba. Actualmente solo se conoce que DiCaprio producirá y actuará pero del director y los guionistas aún nada. El filme podrá llegar en 2013.

James Nesbitt entra a la Tierra Media.

El actor particularmente de comedias y nominado a un globo de oro James Nesbitt es un actor más de El Hobbit. Interpretará al al enano Bofur. La actriz Cate Blanchet parece que volverá a interpretar a la elfo Galadriel.

Festivales: Roma 2010

En su quinta edición el Festival Internacional de Cine de Roma ha tenido una muy considerable evolución en ese corto tiempo y este año del 28 de octubre al 5 de noviembre logró acaparar la vista de muchos por su calidad y mucha presencia internacional. La inauguración fue con Last Night de Massy Tadjedin protagonizada por Keira Knightley, Sam Worthington y Eva Mendes y entre otros eventos se presentó The Social Network de David Fincher donde el actor protagonista Jesse Esenberg reveló que no tiene cuenta de Facebook, la cinta hindú Mi Nombre es Kahn que ha cautivado a muchos, Rabbit Hole de John Cameron Mitchel, protagonizada por Nicole Kidman y Aaron Eckhart, Hævnen, In a Better World de Sussane Bier, Marion Cotillard fue aplaudida por su actuación en Les Petits Mouchoirs de Guillaume Canet pero no tanto como el cuarteto actoral (Úrsula Pruneda, Ofelia Median, Ana Ofelia Murguía y Miriam Balderas) del filme mexicano Las Buenas Hierbas que al final recibió su premio, Bruce Springsteen presentó el documental The Promise: The Making Of Darkness on the Edge of Town sobre el proceso de ese disco y no nos olvidemos del cine italiano donde destacó el filme Una Vita Tranquilla, hubo tributos a Akira Kurosawa, al actor italiano Ugo Tognazzi, Satoshi Kon y a Susso Cecchi D'Amico y probablemente el evento más significativo fue ver 50 años desde su estreno una copia recien remasterizada de La Dolce Vita en donde entre otros Martin Scorsese hizo acto de presencia como padrino de la restauración de la gran cinta de Fellini.

Los premios de esta edición a los que hay que poner atención son los siguientes:

- MARCO AURELIO A LA MEJOR PELÍCULA: Kill Me Please (Olias Barco, Francia-Bélgica)
- GRAN PREMIO DEL JURADO: Hævnen, In a Better World (Sussane Bier, Dinamarca-Suecia)
- PREMIO ESPECIAL: Poll (Chris Kraus, Alemania-Austria-Estonia)
- PREMIO DEL PÚBLICO: Hævnen, In a Better World (Sussane Bier, Dinamarca-Suecia)
- MARCO AURELIO AL MEJOR ACTOR: Toni Servillo, Una Vita Tranquilla (Claudio Cupellini, Italia-Francia-Alemania)
- MARCO AURELIO A LA MEJOR ACTRIZ: Úrsula Pruneda, Ofelia Median, Ana Ofelia Murguía y Miriam Balderas por Las Buenas Hierbas (Maria Novaro, México)
- MEJOR DOCUMENTAL: De Rogenmakers (Floris-Jan van Luyn, Paises Bajos)
- PREMIO ALICIA EN LAS CIUDADES: I Want to be a Soldier (Christian Molina, España-Italia)

Kill me please.

¡Que Viva México!: Un país convertido en obra de arte.

Película: ¡Que Viva México! (Да здравствует Мексика!, URSS-México-EUA, 1930-1932)
Director: Sergei M. Eisenstein.

Crítica: Este filme es sin lugar a dudas una Obra de Arte en toda la extensión de la palabra en la que es fielmente representada la cultura mexicana a los ojos de Eisenstein.

El filme que mezcla escenas documentales y de ficción se encarga de mostrar algunas de las tradiciones mexicanas en ese tiempo.

Primero nos encontramos con un prólogo en el que se muestra lo relacionado al México Prehispánico, sus pirámides, esculturas y arte. Esta parte, rodada en su mayoría con planos fijos donde la simetría y la asociación de las estructuras antiguas con los mexicanos son increíbles, desde ese momento el filme comienza a atraparte.

Después le sigue el primer episodio titulado Sandunga en el cual se recrean los pasos para realizar una boda en la comunidad indígena de Tehuantepec, Oaxaca. La secuencia es impresionante donde destacaría las transiciones de algunas escenas (Spoiler: El collar que decidirá el momento en que la mujer se casará hace una transición con un hombre en una hamaca en la misma forma que el collar).

El siguiente capítulo, nombrado Fiesta sigue las diferentes celebraciones a la Virgen de Guadalupe, en donde se hace una reflexión de la conquista, la perdida de las creencias prehispánicas masacradas por el catolicismo y donde las imágenes de los sacerdotes se tornan tenebrosas por la forma en que están filmados, mostrando más a demonios que a ministros de la iglesia. Igualmente en este capítulo se muestra el proceso que lleva una corrida de toros en México, en donde las secuencias están tan bien filmadas que logran sentir la emoción de la tauromaquia y las tomas desde el punto de vista del toro son igualmente sorprendentes.

Le sigue el episodio más emocionante y sorprendente titulado Maguey en el que se representa un episodio del porfiriato dentro de las haciendas, donde se muestran los abusos de los hacendados con sus peones (más bien esclavos). Esta parte deja anonadado a cualquiera por la crueldad con que es representado este episodio filmado impecablemente y donde la escena final es memorable (bueno, un poco más que lo memorable que es este filme).

Tras él le sigue Soldadera, que no logró ser filmado (más adelante explicaremos las causas) pero fue realizado por medio de fotografías de la Revolución Mexicana donde se analiza la posición de la mujer en la revolución, llamadas Soldadera o Adelita, aquellas mujeres que sostenian el rifle y a su bebe en la espalda, y al final del filme hace un llamado a la sociedad mexicana de lo más hermoso que hace que vibre tu cuerpo.

El epilogo es igualmente llamativo en el que se representa el Día de Muertos, tradición meramente mexicana, en donde varios de los personajes anteriores aparecen tras mascaras de calaveras y algunos que tienen máscaras resultan ser esqueletos. Imágenes bellas e impactantes.

Sergei Eisenstein

En lo general Eisenstein y su equipo tradicional, el guionista Grigori Aleksandrov (quien se encargó de realizar el episodio de Soldadera) y el cinefotógrafo Eduard Tisse hacen un trabajo magnífico, lograr transmitir la real esencia de México por medio de escenas tan bien planeadas y tomas colocadas precisamente que se enchina la piel al ver el resultado final el cual heredó mucho al cine mexicano en lo técnico pues Gabriel Figueroa realizó su primer trabajo de operador de cámra en esta película. Lo lamentable es el proceso que aconteció con este filme: La película era producida originalmente por el estadounidense Upton Sinclair, pero sin terminar el rodaje y acabando el rodaje surgieron problemas entre Sinclair y Eisenstein, siendo el primero quien detuvo la filmación e hizo que Stalin ordenara el regreso de Eisenstein y su equipo a la URSS. En 1979 Aleksandrov y Mosfilm (la mayor productora soviética) recuperaron las cintas y la montaron de acuerdo al guión de Eisenstein e insertando imágenes de la revolución para el segmento Soldadera que no logró ser filmado y que hubiese sido increiblemente realizado a la visión de los rusos. Es de notar que los pintores Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros ayudaron en la filmación y el scouting.

Proyección de la película en Guanajuato.

La película auditivamente está narrada por Sergei Bondarchuk y con música de piezas tradicionales mexicanas; pero actualmente se ha realizado la musicalización en vivo de la película, silenciando la partitura original.

La musicalización en vivo le da un tono más experimental a la cinta dando un resultado más que interesante, en la proyección que un servidor vió en Guanajuato la música está compuesta por Ernesto Martínez, un trabajo extraordinario y emocionante.

Es una película que todo mexicano debe ver y por supuesto todo cinéfilo. Los no mexicanos posiblemente les guste más el filme que a los mexicanos. Con este filme puedo decir: ¡Que Viva México! ¡Que Viva el Cine!

Calificación:

Él: Extraña pasión.

Película: Él (México, 1953)
Director: Luis Buñuel.
Actores: Arturo de Córdova, Delia Garcés, Luis Beristáin, Carlos Martínez Baena, Manuel Dondé, Aurora Walker

Crítica: Luis Buñuel abarca la locura del surrealismo en todos los sentidos en esta magnífica obra de su etapa mexicana.
Francisco Galván de Montemayor (Arturo de Cordova) es una persona muy rica y caritativa con la iglesia, no por nada es considerado entre los feligreses una persona a seguir. Pero durante el jueves santo en el lavatorio de pies Francisco se enamora de Gloria y pronto se casa con ella. Gloria se dará cuenta que lo que es en realidad Francisco es muy distinto de lo que aparenta en la sociedad.
El filme en el que según sus palabras, más puso de él, Buñuel, con un guión suyo y de Luis Alcoriza basado en la novela homónima de Mercedes Pinto y filmado en la Ciudad de México y Guanajuato; recrea de forma muy llamativa la locura de un hombre: las máscaras que presenta en la sociedad (sobre todo en la burguesa) y las obsesiones descontroladas (en el caso de Francisco son los celos), todo esto alrededor de un análisis de la cultura machista mexicana más acentuada que nunca en este filme que de inicio a fin absorbe al espectador con escenas y diálogos más que llamativos. Buñuel no se olvida de contener en esta gran película una crítica a la iglesia en esta ocasión a los ojos de alta clase social y como es de ley en Buñuel escenas surrealistas como la de el final que es terroríficamente espectacular, pero el surrealismo se encuentra intrínseco en su protagonista e igualmente por el diseño de producción art nouveau de Edward Fitzgerald y Pablo Galván que acentúan el estado mental del personaje. Es de notar que Alfred Hitchcock adoró esta película que fue su referente cinematográfico principal para Vértigo, película que comparte escenas similares a algunas del filme.

Las actuaciones son excelentes, sobre todo Arturo de Cordova, Luis Beristaín y Martínez Baena que se encuentran en las mejores interpretaciones de su carrera. Cordova logra causar un odio profundo de los espectadores hacia él. Delia Garcés sobreactuó algo por lo que disminuye algo de credibilidad en su personaje, siendo este el problemita del filme.

La fotografía de Gabriel Figueroa como siempre perfecta y esta vez destacaríamos los travelings en los espacios cerrados y los buenísimos encuadres dentro de la casa de Francisco que junto con los decorados dan una sensación visual más que interesante. Además Figueroa y Buñuel capturan con imagen la esencia de Guanajuato (el Distrito Federal ya lo había hecho muchas veces) en las pocas tomas que se realizaron.
La música de Luis Hernández Bretón no es muy destacable, pero le da muy correctamente aires de suspenso a la obra.
Es una cinta obligada para el cinéfilo, una de las obras maestras de este gran artista español.

Calificación: